Wie gerne würde ich schreibe das "Bender's Game" so richtig toll ist, aber leider ist der nunmehr dritte „Futurama“ Film der schlechteste. Natürlich gibt es einige gute Gags und die satirische Schärfe hat sogar im Gegensatz zu den Vorgänger zugenommen, aber das wirre Geflecht aus den verschiedenen Handlungssträngen wird mehr schlecht als recht zusammen geschustert und zwischen den erfolgreichen Gags schlummert arg viel Leerlauf. Als Serie mit 22-minütigen Episoden war „Futurama“ besser.

In diesem kleinen, garstigen Thriller geht es um die alte kriminalistische Suche nach der Wahrheit und Regisseurin Jennifer Lynch (die Tochter des großen David Lynch) verpackt dies in überaus reiz- und stimmungsvolle Optiken, denn jeder der Zeugen besitzt einen ganz eigenen filmischen Look. Das die Suche nach der Wahrheit mehr als einmal von einer Lüge gebrochen wird dürfte klar sein und der Film setzt einen überaus alten aber immer wieder effektiven Kniff ein, indem er die Zeugen die Lüge erzählen lässt aber die Wahrheit zeigt. Dies machte schon der japanische Meister- Regisseur Akira Kurosawa und Jennifer Lynch tut alles daran dass diese erzählerischen Spezialeffekte funktionieren. Da ist es wirklich sehr, sehr schade dass die Regisseurin gegen Ende der massiven Gewalt mit all den Bluteffekten den Vortritt gibt und so die Qualität ihres Filmes, wegen mangelnder Subtilität, schmälert, vor allem weil der Film bereits zu Beginn Startschwierigkeiten mit seinen Figuren hatte. Diese Schwächen verhindern das "Surveillance" (so der Originaltitel) seine ganze spürbare Stärke entfalten kann. Wer aber auf der Suche nach einem Thriller der böseren Sorte ist, sollte sich den zweiten Spielfilm von Jennifer Lynch nicht entgehen lassen.

Der Beginn von Park Chan-wooks Rachetrilogie die mit "Old Boy" fortgeführt und mit "Lady Vengeance" abgeschlossen wurde, ist ein schwermütiges, brutales, tragisches Drama dass wie seine Nachfolger voll gestopft ist mit poetischen Bildern deren Quelle immer der Schmerz ist. die Kunst von Chan-wook ist es, diesen Schmerz in atemberaubende Bilder einzufangen, die man nicht vergessen kann. Insgesamt kann "Sympathy for Mr. Vengeance" nicht mit seinen Nachfolgern mithalten, dazu hat der Film zu viel Leerlauf und unnötige Handlungsebenen, aber er zeigt überdeutlich das Park Chan-wook einer der größten lebenden Regisseure ist, denn niemand anderer vermag es die Poesie des Leidens so hypnotisierend, wunderschön und radikal in Bilder und Töne zu fassen. Dass ist Kunst. Definitiv keine Kunst die einfach zu ertragen ist, eher eine Kunst die mit ihrer brutalen Schönheit und Eleganz auf die Seele einschlägt. Wer dass nicht leiden kann verpasst so einiges, denn solche Filme wie "Mr. Vengeance", "Old Boy" und "Lady Vengeance" können einem immer wieder von neuem beweisen wie wichtig die Seele ist.

Mit den Stilmitteln von Reportagen, Videotagebüchern und Podcasts schildert Regie- Urgestein Brian DePalma eine Spirale aus Gewalt, Wahnsinn und Angst. DePalmas "Redacted" ist dabei weder sonderlich erzählfreundlich noch massentauglich und zeigt mit realistischer Härte wie sich Soldaten von jungen Männern in Angst - und Hasserfüllte Mörder und Vergewaltiger wandeln. Diese Symbiose, die in ihrer psychologischen Grausamkeit die gezeigten Gräueltaten von Rebellen und Soldaten beinah in den Schatten stellt, ist die unbequeme, treibende Kraft bei "Redacted" und macht dieses erzählerisches wie filmisches Experiment zu einem aufwühlenden Anti- Kriegsfilm, der durch seine bodenständige und nüchterne Art eine weitaus größere Wirkung entfaltet als die letzten großen epochalen Kriegsfilme.

Trotz annehmbarer schauspielerischer Leistungen schafft es "Das Lazarus Projekt" zu keiner Zeit wirklich zu fesseln und dass obwohl der Film am ende sogar eine Auflösung mit doppeltem Boden bietet. Aber bis dahin robbt der Film auf dem Boden der Belanglosigkeit. Zwar wird immer wieder versucht mit Spannungseffekten und sympathischen bzw. rätselhaften Figuren den Film interessanter zu machen, doch dadurch erhält der Film nur noch mehr Gewicht und bleibt bleiern am Grund liegen. Als böse Zunge kann man sogar behaupten dass der Film gut in die Filmographie von M. Night Shyamalan passen würde, denn seine letzten Filme waren ähnlich mysteriös und besaßen trotz all der Geheimniskrämerei genauso viel Spannung wie "Das Lazarus Projekt" oder eine Doppelfolge "Richterin Barbara Salesch".

Zu Beginn kann diese Stephen King Verfilmung noch fesseln, doch sobald dass erste Alien (Furze und Rülpser mit inbegriffen) auftaucht wird aus dem Film eine unfreiwillige Lachnummer. Seien es nun die Aliens die aussehen wie ein Penismonster mit Vaginalgebiss, die überzeichnete Figur des Generals (Morgen Freeman) oder die fast schon lächerlichen Dialoge, alles reiht sich zusammen. "Dreamcatcher" ist neben "Rhea M." wohl die schlechteste King Verfilmung die auch im Kino lief.

Nun gut, die klischeehafte Inszenierung kann einem schon übel aufstoßen, doch im großen und ganzen ist "Elephant" ein detaillierter Blick über die Schulter des modernen Wahnsinn der heutigen Jugend und wer auch nur ein wenig hier die Augen und Ohren auf macht entdeckt jede Menge Kleinigkeit die so interessanten Diskussionen einleiten (können). Kein Film für zwischendurch aber auf jeden fall ein sehenswerter, cineastischer Denkanstoss.

Aalglatt inszeniert, hart und schlichtweg elektrisierend geht es in Carpenters zweiten Kinofilm zur Sache. Carpenter huldigt dabei dem Western- Genre, insbesondere den Filmen von Regielegende Howard Hawks und erzeugt trotz sichtbar niedrigem Budget einen absolut fesselnden und spannenden Film, dessen Gewaltausbrüche sich perfekt und die Handlung implizieren ohne dass der Film zur reinen Blutorgie verkommt. "John Carpenter's Assault" ist einer dieser Filme die mit den Jahren immer besser werden und wer weiß, vielleicht gilt er in einigen Jahren als noch besser und wegweisender als Carpenters Horrorklassiker "Halloween".

Die Bilder die Rob Marshall ("Chicago") hier zaubert sind wunderschön und erfüllen die vornehmlich westlichen Erwartungen von Japan, doch sie können nicht verbergen, das "Die Geisha" statt auf fesselnde Tragik, bewegenden Emotionen und menschliche Abgründe, lieber steril und überaus kitschig, einen illustriertes Drama ohne Höhen darbietet, dessen Längen und inhaltslosen Prunk dem Film bald jeglichen Atem raubt. Schade um die schönen Kulissen.

Ohne Kompromisse oder besonders elegante Überleitungen verbinden Regisseur Robert Rodriguez und Autor Quentin Tarantino Road Movie, mit Gangsterkrimi und Splatteraction. Der geneigte Fan wird viel Spaß mit diesem wilden Genremix haben. Diejenigen die einen Sinn in einem Film suchen und den Inhalt als besonders wichtig erachten sind hier allerdings im völlig falschen Film. "From Dusk Till Dawn" ist anarchistischer, blutiger Schwachsinn mit großem Unterhaltungswert.

Politik-Drama über Macht, Korruption und dem alles beherrschendem Öl. Der Film setzt auf tolle Darsteller und spannende Momentaufnahmen einer würdelosen Gesellschaft, in der wir uns befinden. Der Film hat eine ähnliche Wirkung wie "Traffic", man fühlt sich nach dem ansehen schockiert, realisiert aber schon bald, dass die Themen und Probleme die dieser Film anspricht nicht mit dem Abspann erledigt sind. Es geht weiter in der Realität. "Syriana" ist ein starkes Stück Erzählkino mit einigen Längen. Vorsicht: Wer hier einen Thriller erwartet, Humor und Action sollte Abstand halten. Der Film braucht so etwas nicht, er suhlt sich in der harten Realität. Das was Michael Moore in "Fahrenheit 9/11" vergessen hat bekommt hier seine dramatische Bühne.

Genial bizarr! Ein Film wie ein LSD Trip, laut, provokant, verspielt, launisch, hart und übertrieben bis zur Schmerzgrenze. Dagegen ist "Fear and loathing in Las Vegas" ein Sonntagsspaziergang mit Krückstock. Was "Spun" dazu noch besonders sehenswert macht, die ist Tatsache dass er zum einen Mut zur Provokation, zum Humor und zum Realismus hat, denn immer wieder zeigt Regisseur Akelund mit einfachen Dialogen oder Szenen welcher Schatten über den Süchtigen lastet. "Spun" ist High Speed Kino ohne Netz und doppelten Boden. Ein Rausch mit 24 Bildern pro Sekunde.

Böse Zungen behaupten dass die große Zeit von Michael Douglas längst vorbei ist und wenn man mal ehrlich ist, muss man zugeben, dass Douglas schon länger keinen großen Hit mehr hatte und allgemein sich auf der Leinwand rar gemacht hat. "The Sentinel" von "S.W.A.T." - Regisseur Clark Johnson zeigt aber was man an Douglas hatte und zwar eine enorme, vielschichtige Sympathiefigur. Zugegeben "The Sentinel" ist gewiss kein überragender Film, eher ein Verschwörungsthriller der altbekannten Sorte, der weder richtig packend noch wirklich langweilig wird, denn man möchte schon wissen wie die Geschichte um den zu unrecht verdächtigen Agenten ausgeht, nicht weil die Story besonders pfiffig wäre sondern weil Michael Douglas einen guten Job als Figur des alten Haudegen Pete Garrison macht auch wenn es eine zutiefst eindimensionale Figur ist und diese gewiss nicht an seine Glanzrollen wie etwa "Wallstreet" oder "Falling Down" heranreicht. Bleibt zu offen dass Douglas noch einmal richtig beweisen kann was in ihm steckt, denn als Beweis seiner darstellerischen Fähigkeiten eignet sich "The Sentinel" höchstens als Snack.

Raimis erster Spiderman ist hier und da noch etwas schwach auf der Brust, aber damit gleicht der Film seinen Helden. Der Spinnenmann gehört zum Besten was der verfilmte Comicfilm herzugeben hat. Das verdankt der Film seinen (teilweise etwas schwachen) Effekten aber größtenteils seinen Darsteller, vor allem Tobey Maguire macht als Peter Parker eine überaus gute Figur. Bleibt noch zu sagen, das "Spiderman" es schafft das Drama und die Popcorn- Unterhaltung unter einen Hut zu bringen, auch wenn er das Drama des Films auf die Ansprüche einer Blockbuster- Generation zu recht stutzt.

Das zweite Kinoabenteuer der menschlichen Spinne toppt den bereits guten Vorgänger in allen Bereichen: Die Effekte sind wesentlich besser, die Figuren erhalten mehr Kontur und die Actionsequenzen wirken um einiges müheloser und lebendiger. Dass das Drama auch für Teil zwei fürs große Blockbuster- Kino zu Recht gestutzt wurde stört hier wie auch im Vorgänger nicht, so lange man sich in der Comicwelt des Spinnenmannes gerne aufhält. Für Sam Raimi Fans gibt es als kleines Extra nicht nur einen erneuten Kurzauftritt von Bruce Campbell und Ted Raimi sondern auch eine nette Kamera- Hommage an Sam Raimis Schocker "Tanz der Teufel".

Würde Guy Ritchie immer einen Euro auf seinem Konto gutgeschrieben bekommen wenn man "Snatch" mit "Pulp Fiction" vergleicht, würde der britische Regisseur einer der reichsten Männer dieses Planeten werden. Zugegeben der Vergleich fällt dank diverser Gangster- Klischees, geschliffenen Dialogen und Unmengen von bizarr- skurrilen Situation leicht, aber man sollte nie vergessen dass "Pulp Fiction" selbst so einiges von anderen Filmen klaut, was aber in Ordnung ist, so lange gute Filme dabei herausspringen. Genau so ist es auch mit "Snatch", diesem temporeichen, frechen und wundervoll prolligen Spaß rund um einen Diamantencoup und das daraus resultierende Chaos zwischen denen die, die Steine haben und die, die sie haben wollen. Ritchie gibt von Beginn an ordentlich Gas, lässt eine signifikante Figur nach der anderen von der Leine und würzt dies mit trockenem Humor und hier und da etwas Wumms. Durch diese Wer-bremst-verliert- Mentalität kommt "Snatch" vor allem gegen Ende zwar arg in Straucheln, Spaß macht er aber dennoch, was zum großen Teil auch an Ritchies Besetzung liegt, denn so smart hat man den "Transporter" - Raufbold Jason Statham noch nie gesehen und Brad Pitt als nuschelnder Gypsy den man nicht einmal mit Untertiteln versteht, schieben den wegen Treibstoffmangels liegen gebliebenen Film wieder an. So ist "Snatch" ein gelungener, ulkiger wie prolliger Gangsterspaß.

Ein Kleinod
Schwarze Komödie die ähnlich wie »Pulp Fiction« die Gesetzte der episodenhaften Erzählstruktur benutzt um den Zuschauer mitgrübeln zu lassen. Dass sind, zugegeben, filmische Taschenspielertricks, aber sie funktionieren hier einfach wunderbar. Der Regisseur hat nämlich nicht den Fehler gemacht, die einzelnen Episoden zu weit auszudehnen. »11:14« ist ein Kleinod der Boshaftigkeiten, humoristischen Klischees und der Erkenntnis, dass vor allem in Filmen alles so richtig schief laufen kann.

Danny Boyle und sein Stammautor Alex Garland bringen subtile Spannung und reißerische Geschwindigkeit ins Lager der Zombie Filme. Beibehalten ist die Sozialkritik und die pessimistische Grundstimmung, aus der hier unterhaltsame zwischenmenschliche Szenen gestrickt werden die aus den Figuren nicht nur bloße Schaufensterpuppen machen die lediglich da sind um zu rennen oder zu sterben, sondern wahre Charaktere mit denen man, auch dank der Darsteller, mitfiebert und vor allem mitleiden kann. Diese Eigenschaft, die besonders im Horrorfilm oft stiefmütterlich behandelt wird, macht aus „28 Days Later“ einen König des Genres. Natürlich erfindet der Film das Rad nicht neu. Er kopiert sogar des Öfteren, aber in der Art und Weise wie er altbekanntes und scheinbar neues zusammenstellt macht der Film einfach alles richtig. Sei es nun der fulminanten Beginn, der den Film schon vom Zombie- Einerlei abhebt, die gespenstische Musik oder die Kamera, die mit fiebrigen Bildern die direkt aus den dänischen Dogma- Filmen der 1990er Jahren her stammen könnten. Alles in allem ein geglücktes Experiment von verschiedenen Genre- Konventionen, gebündelt in der Welt des Horrorfilms. Kurz gesagt: Was Danny Boyle mit „Trainspotting" für Drogen- Genre war, ist sein "28 Days Later" für den Zombie- Film.

Kurzlebiger Horror, der Schockeffekt auf Schockeffekt reiht und nach und nach Spannung einbüßt. Da der Film aber nach 75 Minuten schon zum Abspann kommt, bleibt ihm zum Glück nicht genug Zeit alles an Spannung zu verlieren und so ist das Remake des gleichnamigen Horrorfilms des Jahres 1979 ein annehmbarer Schocker geworden, der den großen des Genres hinterher hinkt.

Mit unheimlich gut harmonierenden Darstellern gelang Regie- Legende Godard ein Klassiker der Nouvelle Vague die damals wie heute in ihrer Klarheit und ihrer inbrünstigen Huldigung an das klassische amerikanische Kino, das Film Noir, so modern wirkt wie am ersten Tag. Zwar hat vor allem das Spiel mit der Coolness schon heftig staub angesetzt, aber Jean- Paul Belmondo ist selbst voller Staub eine Klasse für sich.

Das Regiedebüt von Peter Thorwarth und der Beginn der schnoddrigen Unna- Trilogie ist exzellente Gauner- Unterhaltung voller Witz und Ideenreichtum. Die Darsteller, die allesamt mit sichtlich viel Spaß vor Thorwarths Kamera agieren, machen "Bang Boom Bang" zum sehr unterhaltsamen sowie recht großmäuligen aber ganz und gar nicht alltäglichen Film, der zeigt dass Stil und Coolness nicht nur aus den Staaten kommen muss. Das diese herrliche Gangster- Posse dazu noch den letzten große Rolle der viel zu früh verstorbenen TV- Ikone Dieter Krebs zu bieten hat und Krebs hier so gut spielt, dass man meinen könnte er wüsste es sei sein letzter großer Auftritt, macht "Bang Boom Bang" endgültig zum deutsche Kulthit.

Stanley Kubricks Verfilmung von William Thackerys Roman besticht zum einen durch seine Ausstattung die mit melancholischer Schönheit auch über diverse Längen hinweg tröstet und zum anderen durch seinen charmanten Humor der mit der Kraft der Satire und der wohl dosierten Parodie gezielte Schüsse auf die feudalen Lebe- und Ehrenmänner des 18. Jahrhunderts abgibt. Die Titelfigur ist dabei genau so viel Held wie Dummkopf, Glückpilz wie Schicksalsopfer, denn der Film verbleibt nicht nur in der Satire, er findet sich auch in die Gefilde des Dramas ein und zeigt große Gefühle mit großen Bildern. Ein beachtlicher Film. Um einiges zu lang und hin und wieder auch geblendet von seiner eigenen Schönheit, insgesamt aber ein überaus genüssliches Vergnügen.

Es gibt viele Filme die vom Aufstieg und Fall einer Persönlichkeit und/oder einer Dynastie handeln, was "Boogie Nights" von seinen Kollegen und Konkurrenten abhebt ist zum einen seine Vitalität und zum anderen sein cleverer Unwille sich einem erzählerischen Stil unterzuordnen. Klar, der Look der 70er und frühen 80er Jahre bestimmt die Optik und die Akustik, aber dass ist erzählerisch mal ernst, dann wieder zotig und dann wechselt es ins dramatische und trotz dieser Wechsel, die nicht zwanghaft an die Figuren gebunden sind, wirkt alles wie ein großes, perfekt skizziertes Gemälde, dass man sich immer wieder gerne ansieht, weil es so bunt, lebhaft und so einzigartig ist.

Es ist nicht gerade einfach, nicht komplett von diesem Geniestreich eingenommen zu werden. Kubrick selbst bezeichnet ihn als einen "satirischen, pikanten, sardonischen, ironischen, politischen, gefährlichen, komischen, erschreckenden, brutalen, metaphorischen und musikalischen Film". Das stimmt alles und deswegen ist der Film auch so gut. Kubricks Version pendelt immer wieder zwischen einer modernen Welt der inneren Scheusligkeiten und einer rebellischen Kultur, getrieben von der modernen Welt, die von nichts und niemanden aufgehalten werden kann, bis es zu spät ist. Kubrick hat außerdem mit "Uhrwerk Orange" wohl die zeitloseste Gesellschafts- Satire erschaffen. Den letzten Teil seines Films spiegelt nicht nur die Gesellschaft der Zukunft sondern auch die der Gegenwart und der Vergangenheit. Meisterhaft.

"Verflucht", der Titel passt zum Filmprojekt wie der Vollmond zum Werwolf, denn dass Duo Wes Craven und Kevin Williamson, die bei "Scream 1+2" uns schockten und amüsierten, hatten kein leichtes Spiel bei ihrer dritten Zusammenarbeit. Den Studios gefiel das Original-Skript nicht so dass nach der Hälfte des Drehs ganze Rollen wieder herausgekickt wurden. Dazu bekam Regisseur Craven die Auflage den Film nicht all zu blutig zu machen. Es lastete also ein Fluch über dem Film und das merkt man. Einige Szenen sind recht spannend geraten, andere wiederum nur peinlich. Die Verwandlung einer Blondine zum Werwolf dürfte heutzutage nur noch vom CGI- "Garfield" zu unterbieten sein. Zum Glück hat sich Craven nach diesem Möchtegern-Schocker mit seinem Thriller "Red Eye" wieder einigermaßen gefangen. Hoffen wir nur das Kevin Williamson mal wieder was Gutes auf die Beine stellt und wenn nicht kann der gute Mann zumindest behaupten, dass er mit seinem "Scream" - Drehbuch in den 90ern die alte Genre der Slasherfilme mit Ironie und einer guten Portion satirischer Grausamkeit wieder belebt hat.

Der dämliche deutsche Titel täuscht! Der Film ist kurzweilige Unterhaltung die zwar über die übliche Thematik (die Bösen sind stark und die Guten sind schwach, aber wenn du an dich glaubst wirst du dass schon schaffen) nicht hinauskommt dafür aber mit viel Charme so einige komödiantische Tiefflieger ohne Probleme kompensiert. Dies, die vielen Gastauftritte von Promis aus Sport und Show und die liebevoll- überzeichneten Figuren machen aus "Dodgeball" einen Film ohne Hirn aber mit viel Herz.

Im Gegensatz zu Phil Kaufmans Gang- Film "The Wanderers" (ebenfalls 1978) geht es bei Walter Hill weit aus ruppiger und roher zu, zwar kann der Film nicht verstecken, dass er mit wenig Budget gedreht wurde, dennoch besitzt der Film einen prolligen Charme, der sich aber wohl erst mit den Jahren eingestellt hat, denn war der Film 1978 ein ernsthafter Skandal, so ist er in heutigen Zeiten mehr ein überzeichnetes und arg konfuses filmisches Relikt, mit einem guten Unterhaltungswert.

Behäbige Komödie mit schweren Superstargeschützen. Leider sind die Witze, in Nancy Meyers romantischem Übel, noch älter als alle Figuren zusammen und Diane Keaton geht einem mit ihrem ewigen Gekreische schnell auf die Nerven. Im Endeffekt bleibt ein zäher, langweiliger Klumpen übrig, der mit seiner Aussage, das Liebe keine Altersgrenzen kennt, etwas frischen Wind in die romantischen Musterformen der Traumfabrik bringen würde, wenn der Film es sich nicht in letzter Sekunde noch einmal anders überlegen hätte. "Was das Herz begehrt" ist langweilig, grausam nervig und inkonsequent. Lang lebe "Harold & Maude"!

Der Druck muss immens gewesen sein, denn nach „Der Herr der Ringe" Trilogie erwartete man von Regisseur Peter Jackson eine weitere, filmische Superlative. Jacksons Remake des Effekt- Klassikers schlechthin ist definitiv kein Meisterwerk. Viele Fans von Spezial Effekten sahen dass ein oder anderes Mal "King Kong" nicht die Effektqualität von Mittelerde besitzt, was man aber durchaus als Erbsenzählerei abtun kann. Viel größer hingegen ist das Problem, dass der Film mit der Rolle des Schiffsjungen Jimmy und seinem väterliche Freund Mr. Hays, ein Gespann besitzt, dass er als etwas besonders vorstellt, doch schnell die Interesse an diesen zwei Männern verliert. Insgesamt sind die Figuren bei „King Kong“ etwas fad, so wird der Held Jack Driscoll beim Finale gar im Aufzug vergessen. Im Kern ist "King Kong" ein überaus unterhaltsamer Abenteuerfilm der alten Schule. Ein Film der erneut Peter Jacksons Detailliebe zeigt, sei es nun die Ausstattung, die Kostüme oder die kleinen aber feinen Hinweise auf den Ur-Kong oder frühere Filme von Jackson. Es handelt sich hierbei um eine Liebeserklärung an den Originalfilm von Merian C. Cooper und den klassischen Geschichten vom Helden, dem Monster und der schönen Frau, umgesetzt als actionreiche und atemlose Achterbahnfahrt quer durch den, mit Gefahren voll gestopften Dschungel. Action- Junkies müssen zwar bis zum ersten richtigen Knalleffekt etwas zu lang warten, aber das Warten wird sich allemal lohnen, denn die Schauwerte sind riesig, auch wenn die Gefühlsebene gegen Ende etwas zu sehr ins lächerliche abdriftet.

Eine Großstadt- Fabel voller schrulliger Charaktere, gewitzten Dialogen und Ideen mit einem Hang zur bezaubernden Sentimentalität. Gilliams "Fisher King" ist ein Film, der zu den vergessenen Klassikern zählt. Ein Film der von den Fernsehsendern dieser Welt sträflicher weiser ins Nachtprogramm verdammt wurde. Dieser liebenswerte Film, ein phantastisches Märchen für erwachsene Träumer, besitzt so viel Herz, Wärme, Phantasie und Mut zum Anderssein, dass man ihn aus der Vergessenheit holen sollte. Aus der Nacht in die Prime Time.

Antiheld Willis lässt es wieder krachen. Unter der Regie von Tony Scott entstand mit "Last Boy Scout" ein geradliniger Actionfilm, dessen kriminalistische Rahmenhandlung nur Staffage ist für flotte Sprüche, explodierende Autos und sich prügelnde Kerle ist. Dass hat man alles schon irgendwo gesehen und wird hier all zu gerne viel zu ernst genommen. Wer allerdings einen sauber gefilmten Actionfilm sehen möchte und keine höheren Ansprüche hat, wird mit "Last Boy Scout" vielleicht nicht glücklich dafür aber zufrieden sein.

Dieser witzige Sci-Fi Knaller macht auch nach über zehn Jahren noch Spaß. Dies liegt an vielen Faktoren und das Gespann Smith/Jones gehört ganz klar dazu. Der weitere nicht zu unterschätzender Pluspunkt ist aber das Regisseur Barry Sonnenfeld es auch zu lässt dass man nicht nur über die Geschichte und die clownesken Auftritt einiger Figuren schmunzelt sondern auch über seine Machart. Hier und da gibt einige originelle Kostüme, Dialoge und Bauten die nicht viel mit der Perfektion von Hollywood gemein und dann an gutes, alte Sci-Fi Kino der 50er und 60er Jahre erinnert und dennoch wirkt der knackig kurze Spaß erfrischend neu. "Men in Black" gehört ganz klar zu den besten Blockbustern der 1990er Jahre.

Der Anteil von klassischen Sci-Fi Elementen wurde zwar erhöht wirkt aber wie eine Granate die übers Ziel geworfen wurde und weit entfernt explodiert ohne dass man viel davon mitbekommt. Nicht dass einzige Ziel was der Film rigoros verpasst. Zwar will die Fortsetzung schneller, größer und stärker sein als sein Vorgänger aber so viel uninspirierte Aufstreben geht auf Kosten der Inszenierung, die jede Form von Kreativität, Spannung, Witz aufsaugt wie ein schwarzes Loch. Was bleibt ist lieb- und leblos und nutzt bloß noch langweiligen Slapstick und hölzerne Emotionen um den Film vorwärts zu bringen. Nach dem starken Erstling ist dieses vermurkste Sequel wirklich peinlich.

Regisseurin Kathryn Bigelow und Co-Autor Eric Red, der u.a. das Script zu "Hitcher" verfasste, erschufen mit "Near Dark" einen interessanten Vampirfilm. Gleichermaßen getragen von modernem, etwas härterem Horror, einer seichten aber stimmigen Love Story sowie größeren und kleinen Versatzstücken aus dem Road Movie und dem Western Genre. Der Film, der knapp ein Jahr nach Joel Schumachers "The Lost Boys" veröffentlicht wurde, verzichtet im Gegensatz den verlorenen Jungs komplett auf Ironie und Witz, was den Film rauer und spannender macht ohne jedoch seinen mythischen Hintergrund zu sehr ernst zu nehmen. "Near Dark" ist ein überaus gelungener Film, weil er zum einen selbst heute noch individuell und frisch wirkt und zum anderen weil er dem Vampirfilm einige interessante neue Anreize bietet, die u.a. in "From Dusk Till Dawn" erneut aufgegriffen wurden. Einzig der 80er Jahre Sound von Tangerine Dream zerrt, zumindest wenn man diese Art von elektronischer Musik nicht mag, an den Nerven.

Der erste Auftritt des Terminators besticht durch seine düstere und pessimistische Aura, die nicht nur der Atmosphäre dient sondern auch dem Spannungsaufbau äußerst nützlich ist, der im nur im Grundgerüst an bekannte Hollywood- Muster erinnert auf den zweiten Blick aber immer weder durch clevere wie rabiate Wechsel unterhält, etwa die schiere Unbesiegbarkeit des Terminators im Gegensatz zur gnadenlosen Verletzlichkeit seiner Opfer. James Cameron inszenierte mit "Terminator" einen der Filme die trotz wenig Budget nach viel aussehen und dazu es schaffen neue Impulse für kommende Filme zu erzeugen. Dass ausgerechnet der als untalentiert geltende Schwarzenegger mit seiner einfachen aber stimmigen Mimik und Gestik den Film zu dem Kulthits machte der er heute ist, sollte man dem Talent von James Cameron verdanken.

Wie Teil eins so ist auch die Fortsetzung unkompliziert. doch während Teil ein spannend war setzt James Cameron hier lieber auf größere Actionsequenzen, mehr High- Tech und vor allem viel Ironie. Was sich anhört wie ein misslungener Versuch die Geschichte von Maschinenkrieg fortzuführen erweist sich als überaus erstaunlicher Unterhaltungsfilm. Zugegeben Teil eins besaß die bessere, grimmigere Atmosphäre, aber Teil zwei bietet dafür immer wieder Szenen in dem diese brutal- pessimistische Atmosphäre plötzlich auftaucht und dem Film einen ordentlichen Kick verleiht. Dass macht "Terminator 2- Der Tag der Abrechnung" zu einem der besten Blockbuster der 1990er Jahre, der auch in 50 Jahren noch so gut funktionieren wird wie am ersten Tag.

Arnold Schwarzenegger hatte damals ein großes Problem: Noch kein Gouverneur dafür aber viele Flops im Kino. Egal ob "End of Days", "The 6th Day" oder der absolut missratene "Collateral Damage", seine Filme wollten einfach nicht erfolgreich werden. Also reanimierte man den guten alten Terminator, allerdings unter der Regie von Jonathan Mostow und nicht James Cameron. Das Ergebnis stimmte viel Fans missmutig, dabei ist "Terminator 3- Rebellion der Maschinen" wunderbar ironische Action- Unterhaltung. Es fehlt zwar, bis aufs gelungene düstere Ende, die richtige Endzeit- Stimmung und die Gegenspielerin, der T-X, kommt ziemlich über konzipiert daher, doch in Sachen Action und Humor macht der Film wirklich Spaß. Vielleicht drückt er in Sachen Selbstironie etwas zu sehr aufs Gaspedal aber witzig ist es trotzdem und mit den krachenden Action- und Kampfszene bietet "Terminator 3- Rebellion der Maschinen" wunderbar kurzweilige Unterhaltung. Ein Klassiker wie die Vorgänger wird der Film zwar nie werden, muss er aber auch nicht.

Eine berauschende, lakonische Symphonie des Todes ist Jim Jarmusch mit "Dead Man" gelungen. Zu den assoziativen und edlen Klängen von Neil Young, den brillanten, traurigen schwarzweißen Bildern von Kameramann Robby Müller begleitet man den Todgeweihten zum Ziel seines Todes: Die Erlösung. "Dead Man" ist ebenso intelligent wie kunstvoll, so interpretativ wie charmant. Kein Film für den schnellen Unterhaltungshunger aber ein lange nachwirkendes, poetisches Werk von Kult- Regisseur Jim Jarmusch.

Costner braucht viel Zeit um seine ethnische Geschichte, in deren Kern es um Respekt, Freundschaft und Vertrauen geht, auf die richtige Bahn zu lenken, doch in Anbetracht der, nicht nur visuellen, Größe des Films lässt am Costner gerne die Zeit, denn er erzählt eine Geschichte die diesen Raum einfach benötigt, schließlich geht es hier nicht um bloße Aneinanderreihungen von Wild West Klischees, sondern um den Versuch das Leben der Indianer, in diesem Falle der Sioux, realistisch und ohne Zuckerguss wiederzugeben. "Der mit dem Wolf tanzt" ist ohne Zweifel der beste Kevin Costner Film, was auch daran liegt, dass sich der einstige Hollywood- Superstar hier mit seinem Ego etwas zurück hält und der Geschichte ihren Lauf lässt, eben ganz großes Kino für die Sinne und den Verstand.

Oliver Stone zelebriert Jim Morrison als missverstandenes wie selbstzerstörerisches Genie, das sich für seine Fans verschleißt. Dass dabei die anderen Mitglieder zur reinen Staffage verkommen und Stone außerdem mehr Zeit dazu aufwendet den Drogenrausch auf Film zu bannen, statt tiefer in die Zeit und ihre gesellschaftlichen wie politischen Mechanismen einzutauchen, die mit der musikalischen Bedeutung der Band verwurzelt sind, macht aus seiner Morrison- Biographie zwar immer noch einen interessanten Film, ein richtig aufschlussreiche sowie gehaltvolle Biographie ist "The Doors" aber nicht. Vielmehr ein weiteres Produkt, die das Mysterium Morrison weiter mit hoher Flamme anheizt.

"Einsame Entscheidung" wirkt mit seiner Geschichte im Kontrast zum 11. September 2001 fast schon beängstigend visionär, doch eigentlich ist es ein Actionfilm von vielen, der positiv besticht weil er die Intelligenz und den Mut von Zivilisten feiert und mit einem einfachen Trick immer wieder Spannung erzeugt, nämlich in dem er bei seinen packenden Szenen immer wieder einen drauf setzt. Dass funktioniert Anfangs recht gut, mündet aber gegen Ende zu matten und ausgelaugten Handlungstürmen, bestehend aus viel heißer Luft und Wiederholungen. Im großen und ganzen ist das Debüt von Stuart Baird ("Star Trek- Nemesis") aber gelungen und setzt größtenteils auf Spannung statt auf unbeholfenen Action, auch wenn Fans der Aikidowurst Seven Seagal mehr als enttäuscht sein werden, denn viel zu tun hat er hier nicht.

Der Regisseur Jean-Pierre Jeunet der sich vor diesem Projekt in Hollywood versuchte und sich wacker schlagend doch fürs französische Kino entschied, bietet satte Bilder und betörende Töne die nur für einen einzigen Zweck erschaffen wurden: Träumen. "Die fabelhafte Welt der Amelie" weiß wie man dazu einlädt. Zum einen mit einer Bildsprache, für die man die Bezeichnung "sinnlich" neu erfinden müsste, zum anderen mit herzerwärmenden kleinen Geschichten z.B. einem Gartenzwerg auf Weltreise. Die liebreizenden, großen, braunen Rehaugen von Hauptdarstellerin Audrey Tautou tun ihr übriges dazu. Alleine für die Szene in der Amelie einem Herren ein Schatzkästchen seiner Kindheit überbringt und dieser bei einem Schnaps darüber philosophiert, dass seine gesamte Kindheit in ein einziges Kästchen passen, sind so voll mit Charisma, Witz aber auch Tragik, dass man diesen Film einfach lieben muss.

Vielseitige Parabel über Revoluzzer und Weltenverbesserer. Der Film, der auch extrem an den Klassiker "Jules und Jim" erinnert, bietet gute Darsteller (allen voran Burkhart Klaussner als Ex-Hippie und Bonze), eine wackelige und damit authentische Kamera und leider sehr viele Längen. So zieht sich die erste Stunde wie ein Kaugummi, während in der zweiten sich der Film in guten Gesprächen bei Hasch und Rotwein voll entfaltet. Ein guter Film, der zwar etwas blauäugig wirkt, jedoch an seinen Protagonisten und deren Meinung festhält und dass ist heute schon etwas besonderes.

Ridley Scotts Wiederbelebung des fast vergessenen Genre, des Sandalenfilms, beginnt furios, blutig und dreckig. Danach jedoch versucht der Film neben der Hauptfigur Maximus noch eine zweite Hauptfigur dem Zuschauer schmackhaft zu machen. Zwar ist Joaquin Phoenix ein toller Darsteller, dennoch kann er in der Rolle des psychotischen Commodus nicht ganz überzeugen was zu weiten Teilen auch dem schablonenhaften Drehbuch zuzuschreiben ist. Sobald aber Maximus Rache für den Tod seiner Familie geschworen hat und zum ersten Mal in der Arena steht, entwickelt der Filme eine gewaltige Intensität. Der Zuschauer wird teil eines gnadenlosen Blutrausch und mit jedem Hieb von Maximus Schwert spürt man seinen Zorn. Dazu kommen die wunderschön Ausstattung die sich nie zu sehr aufdringt, aber immer ein wichtiger Teil des Films ist. "Gladiator" ist wie eine Achterbahn, jedes mal wenn er kurz vor der Rettung seines Helden steht, stürzt er ab und der Held leidet nur noch mehr, daher ist das kitschige Ende die traurigste aber auch beste Lösung zu Maximus Leidensweg. "Gladiator" ist kein Primus wie "Spartacus" oder "Que Vadis", noch nicht, jedoch hat der zwei Genrebezeichnung gekonnt miteinander vereint: Sandalenfilm und Actionepos und dies wird den Film einige Jahre nach seinem Kinoauftritt zum Klassiker machen.

Billigste Fließbandactionproduktion mit miserabel Effekten und Actionszenen. Dass hierfür deutsche Filmgelder verschwendet wurden ist ein Ärgernis sondergleichen, das höchstens von den kaltschnäuzigen Sprüchen von den überforderten Darsteller, die teilweise eigentlich bekannte Rapper aus den Staaten sind, und dem praktizierten Waffenfetischismus unterboten wird. Dieser Film von Aikidowurst Steven Seagal ist einer seiner schlimmsten und dass soll schon was heißen!

Die Darsteller sind exquisit. Die Effekte sind anständig. Die Geschichte recht spannend und dennoch fehlt dem ersten Harry Potter Teil das Zeug zum echten Hit. Der Film fließt zeitweise etwas zu zähflüssig über die Leinwand und irgendwie fehlt die Liebe, die den Film vom bloßen kommerziellen Highlight des Jahres 2001, zum überzeugenden Märchen mit Herz abhebt. "Harry Potter und der Stein der Weisen" wirkt wie ein etwas zu schnell heruntergekurbelter Film, bei dem zwar Cast & Crew gute Arbeit leisten, dem es aber an echter Hingabe fehlt, wohl weil die Darsteller schneller altern, als es den Produzenten lieb wäre. Für einen netten Abend ist Teil durchaus geeignet, doch im Gegensatz zum Buch setzt sich der Film nicht im Kopf fest.

Nach nur einem Jahr folgte also "Die Kammer des Schreckens" und sie hat dieselbe Qualität wie der Erstling: Technisch (fast) perfekt, aber dennoch bleibt es eine reine Fleißarbeit, bei der, der kommerzielle Schatten über allen und jedem schwebt. Zwar gibt es hier und da ein paar Gruselelemente mehr, so dass Kinder sich des Öfteren Augen und Ohren zu halten müssen, im Gesamtbild bleibt aber gleich wie im ersten Teil: Nettes Fantasyfutter für zwischendurch aber nicht das erwünschte Highlight.

Vom Regisseur des Comedy- Hits "Ein Königreich für ein Lama" hätte man mehr erwartet. Sein Animationsfilm "Chicken Little" bietet standatisierte Disney-Mentalität gepaart mit schwülstigen Songs und einer unausgegorenen Handlung. Der Film hat hier und da durchaus seine starken Momente, die kommen aber nur in der engl. Fassung zur Geltung, denn die dt. Synchro ist voll nach hinten losgegangen. Während Chicken Little und sein Dad noch gut vertont wurden, wurden andere (teilweise sehr wichtige) Charaktere von Verona Pooth und Boris Becker vertont. Gerade die Stimme von Becker bringt keinerlei Witz, Dynamik oder Charme mit sich. Der erste Animations- Film von Disney ohne Pixar ist leider ein Flop. Die engl. Fassung erhält aber wegen der besseren Stimmen und dem dadurch besseren Witz eine Bewertung von immerhin 2 Punkten.