Jane Austen meets Politics & Justice. Eine wirklich gelungene Geschichte (basierend auf realen historischen Ereignissen) über den Entwicklungsprozess einer jungen Farbigen (genaugenommen eine Mulattin) im England des 18. Jahrhunderts. Bereits von Kindheit an wird sie - trotz aller liebevollen Fürsorge seitens ihrer adeligen Pflegeeltern - massiv mit Rassismus konfrontiert und wächst dennoch zu einer selbstbewussten jungen Frau heran.

Das Ganze ist geschickt verflochten mit einem Prozess vor dem höchsten englischen Gericht, an dessen Ende zum ersten Mal die Menschenwürde von Sklaven (bis dahin juristisch nur als "Waren" definiert) gerichtlich bestätigt wird. Dieses Urteil gilt als erster Schritt einer Entwicklung, in der England als eines der ersten Länder weltweit bereits Anfang des 19. Jahrhunderts Sklaverei offiziell verboten hat.

Der Knüller ist aber die Hauptdarstellerin Gugu Mbatha-Raw, anmutig und schön und gleichwohl eine Kraft und Selbständigkeit sondergleichen ausstrahlend.

Eine genaugenommen zutiefst traurige Geschichte über das Auseinanderbrechen einer Familie nach dem allzu frühen Tod der Mutter. Der Vater schafft es trotz Unterstützung durch seine ältere Tochter nicht, das Nesthäkchen Suzanne auf einen halbwegs geordneten Lebensweg zu bringen. Suzanne macht einfach nur das, was sie will, ohne jegliche Rücksicht auf die beiden anderen. Ihr erstes Kind bekommt sie, "weil ihr danach war". Immerhin kümmert sie sich liebevoll um ihre Kinder. In ihrer nach unten gerichteten Lebensspirale wird sie erst durch einen Schicksalsschlag wieder gebremst. Dann kommt sie endlich einmal auf den Trichter, mit allen "reinen Tisch" zu machen - auch wenn das zunächst einen noch schmerzhafteren Einschnitt bedeutet. Am Ende ein klein wenig Hoffnung ...

Die Franzosen haben es einfach drauf, eine derartige Sozialstudie immer noch gut konsumierbar zu machen.

Ein Culture-Clash der besonderen Art: Die Szene-Typen aus den 80er-Jahren treffen 30 Jahre später auf die strebsamen ehrgeizigen Yuppie-Studenten der Merkel-Ära. Die einen hatten noch irgendwie die Welt verbessern wollen (haben aber genaugenommen bereits resigniert), die anderen haben das noch nie im Sinn gehabt und wollen sich nur möglichst bequem einrichten in dieser Welt, ohne groß Verantwortung für andere zu übernehmen.

Mit feinsinnigem Humor werden die Lebenslügen der älteren Generation den Illusionen der "Nachkommenden" gegenübergestellt.

Ein Gute-Laune-Film ganz nach dem gleichen Strickmuster wie "Mama Mia" (mit Meryl Streep und Pierce Brosnan): Eine simple Liebesleid- und -lust-Handlung in einem Urlaubs-Paradies mit Sonne, Strand und Meer wird zwischendurch immer wieder mit Hitparaden-Songs unterlegt. Während "Mama Mia" sich ausschließlich auf Abba-Songs beschränkt, ist hier das musikalische Spektrum etwas weiter gefasst. Ein absoluter Höhepunkt ist die Tomaten-Schlacht in den verwinkelten Gassen eines italienischen Küstenstädtchens: Gott und die Welt trifft sich dort an einem bestimmten Tag und bewirft und beschmiert sich gegenseitig mit Tomaten (mit den überreifen funktioniert das am besten).

Ein unaufgeregter Film über zwei unaufgeregte Leute, die - obwohl altersmäßig gut eine Generation getrennt - das Leben gelassen so nehmen, wie es halt so kommt. Die gute Beziehung zwischen dem alt gewordenen "Hausmädchen" und ihrem langsam älter werdenden "Lieblingskind" übersteht auch die Trennung, nachdem ein Umzug ins Altersheim aufgrund des Gesundheitszustandes der Frau unausweichlich geworden ist. Nahezu märchenhaft schön, wie sich hier jung und alt mögen und verstehen. Im wirklichen Leben geht es leider oft anders zu, vor allem weil dort der schnöde Mammon eine wesentliche Rolle spielt. Der wird in diesem Film völlig ausgeblendet.

Ein ruhiger und fast kontemplativer Liebesfilm, konzentriert auf drei Personen und ein verlängertes Wochenende (der "Tag der Arbeit" wird in den USA am ersten Montag im September gefeiert und gilt als Symbol für das Ende des Sommers und Rückkehr in Schule und Beruf ). Allein die Sequenz des gemeinsamen Teig-Knetens für einen Obstkuchen ist ein absolutes Highlight.

Wenn es die letzten fünf Film-Minuten (mit einem Zeitsprung von etwa 20 Jahren) nicht gäbe, wäre es ein wirklich hervorragender Film geworden. Diese fünf Minuten Mega-Kitsch verhunzen allerdings den ganzen Film derart, dass es nur mehr für vier Sterne reicht.

Ein absolut belangloser Film über zwei Jahre im Leben einer relativ belanglosen Frau. Die ihr zugeschriebene Bedeutung resultiert nahezu ausschließlich aus dem Medienhype, der um Diana herum entfacht wurde - und den sie teils bewusst, teils unbewusst auch zu steuern versuchte (was sehr oft auch misslang). Die Szenen im Blitzlichtgewitter - jedes Kamera-Blitzlicht ein Einschlag - sind die stärksten Szenen des Films, einfach nur entsetzlich. Um dem standzuhalten, hätte es wohl einer stärkeren Persönlichkeit bedurft, als Diana es war.

Beim Zuschauen ertappt man sich oft bei der Frage, wie Diana-ähnlich Naomi Watts in dieser oder jener Szene aussieht bzw. agiert. Für einen derartigen Film ist dieses häufige In-Frage-stellen aber ein ziemlich vernichtendes Urteil.

Auf der DVD sind zwei - handlungsmäßig chronologisch aufeinanderfolgende - Filme mit jeweils ca. 90 Minuten: Der erste Film zeigt die Vorgeschichte bis kurz nach der Tat aus Sicht der Posträuber, der zweite Film schließt unmittelbar daran an, allerdings mit völlig veränderter Perspektive, nämlich aus Sicht der ermittelnden Polizeibeamten. In jedem der beiden Filmen dominiert ein von seiner "Aufgabe" manisch Besessener: im ersten Film Bruce Reynolds (hervorragend gespielt von Luke Evans) als "Gehirn" der Posträuber, im zweiten Film Tom Butler (ebenso hervorragend: Jim Broadbent) als Chef-Ermittler.

Ein interessantes Experiment, auch wenn ich insgesamt den ersten Film deutlich besser fand. Im zweiten Film geht es eigentlich weniger um das "Wer?" (die ersten der beteiligten Posträuber waren ziemlich schnell ermittelt), sondern mehr um das "Wo?" (wohin sind sie untergetaucht).

Manchmal ist eine gewisse Unentschlossenheit der Filmmacher, in welchem Genre sie sich bewegen wollen, für einen Film ganz positiv. Manchmal - so wie in diesem Film - geht das allerdings auch in die Hose. Irgendwie handelt es sich um eine nicht so recht funktionierende Mischung aus Komödie, Familien-Drama und Road-Movie. Catherine Deneuve allein ist allerdings so gut, dass es immer noch für eine durchschnittliche Bewertung reicht.

Der Film ist nicht schenkelklopferisch "witzig" - und will es vermutlich auch gar nicht sein. Eher gibt es in vielen Szenen ein leises Schmunzeln. Die Liebe wird in all ihrer bitteren Süße beschrieben: Die Hauptpersonen vergucken sich entweder in die Falschen oder aber - noch viel fataler - in die Richtigen, allerdings zum falschen Zeitpunkt. Wenigstens am Schluss scheint das Timing irgendwie bei allen zu passen.

Bis auf eine Nebenrolle wirken alle Darsteller sehr authentisch. Tom Everett Scott ist zwar sympathisch, aber er ist für die Rolle des College-Studenten Johnny einfach zehn Jahre zu alt.

Dem Film gelingt punktgenau die Gratwanderung zwischen übertriebenem "Drücken auf die Tränendrüse" einerseits und nüchtern-sachlicher Darstellung der Situation und Befindlichkeiten von unheilbar Kranken und deren Nahestehenden andererseits. Einzig mit einer Nebenrolle (der psychisch erkrankte junge Pensions-Nachbar) konnte ich nichts anfangen.

Berührende Tragikomödie um ein junges - vielleicht doch noch zusammenkommendes - Paar: einerseits ein noch bei seiner Mutter lebender Nerd, der die Chance seines Lebens wittert, endlich unabhängig und selbständig zu werden, andererseits eine sich ständig im Schatten ihrer jüngeren - verquer genialen - Schwester fühlende junge Frau, die sich durch den Tod (möglicherweise Selbstmord) dieser Schwester irgendwie befreit fühlt und deswegen heftige Gewissensbisse hat.

Das nicht synchronisierte Schwyzerdütsch (allerdings Zusatzfunktion mit deutschen Untertiteln möglich) sorgt für eine wunderbare Erdung, z.B. beim ersten Sex ("Bisch ebba au vaklemmt?"). Einen gelungenen Kontrapunkt bilden die ausschließlich auf Englisch gesungenen Film-Songs.

Dieser Film kann dem Meisterwerk "Once" des gleichen Regisseurs in keiner Weise das Wasser reichen. Vielleicht liegt es daran, dass in Musikfilmen meistens die schauspielernden Sänger (so wie in "Once") besser rüberkommen als die singenden Schauspieler wie in "Can a song save your life?". Die völlig ausgelutschte Story wird zwar professionell, aber völlig überraschungsfrei abgespult. Trotz Sympathieträgern wie Keira Knightley und Mark Ruffalo will der Funke einfach nicht überspringen.

Es geht nur um einen - allerdings wohl entscheidendenden - relativ kurzen Zeitraum Anfang der 1960er-Jahre. Grace Kelly war als Fürstin in Monaco "noch nicht so recht angekommen". Immerhin kam sie nach einigen Ehejahren auf die zündende Idee, richtig Französisch zu lernen, um überhaupt mit ihren Untertanen in Kontakt treten zu können und sie näher kennenzulernen.

Die Mode-Designer, Make-up- und Hair-Stylisten hatten für diesen Film Hoch-Konjunktur. Nicole Kidman agiert mehr als wandelnder Kleiderständer denn als echte Person aus Fleisch und Blut. Aber das immerhin hat sie hervorragend hingekriegt, ihre öffentlichen Auftritte sind die Höhepunkte des Films, eine echte Augenweide. Wenn es in den Dialogen dagegen um Gefühle und Empfindungen geht, wirkt das eher aufgesetzt.

Die eigentliche Handlung erschien mir mehr wie eine Mischung aus "Dallas & Denver Clan" am Mittelmeer. Dass die Herrscher-Gemahlin eines südeuropäischen Zwergstaates durch eine Ansprache zur Eröffnung eines Promi-Balles - mag diese auch noch so bewegend sein - wirklich politische Weichenstellungen erreicht (noch dazu gegenüber einem Sturkopf wie Präsident de Gaulle), kommt mir ziemlich unwahrscheinlich vor.

Fazit: in Design und Ausstattung zweifellos top, inhaltlich und darstellerisch eher flop!

Ein völlig falsch vermarkteter Film. Es geht nicht - wie auch der Trailer suggeriert - um den x-ten Nachfolge-Film im Zombie-Genre (da ist man bei "Walking Dead" wahrscheinlich besser aufgehoben), sondern es geht darum, wie unsere Gesellschaft auf derartige Herausforderungen (extrem ansteckender und tödlicher Virus, von dem eine Heilung nur mit immens teuren und immer knapper werdenden Medikamenten möglich ist) umgehen wird. Anspruchsvoll und trotzdem kurzweilig werden die Probleme für die Beteiligten angerissen.

Bei diesem Film geht es nicht um einen spannenden Action-Reißer. Es geht darum, wie von Politiker-Seilschaften vermutlich versucht wurde, den Oktoberfest-Anschlag für das eigene Süppchen zu instrumentalisieren und die nachträglichen Ermittlungen - diese hätten wohl Versagen in den eigenen Reihen zu Tage kommen lassen - zu sabotieren. Und es geht um einen Journalisten, der derartige Machenschaften um der Opfer und deren Angehörigen willen nicht tolerieren will und deshalb über 30 Jahre lang "am Ball" bleibt. Durch die erst vor einigen Wochen verfügte Wieder-Aufnahme der Ermittlungen hat dieser Film zusätzlich an Brisanz gewonnen.

Drei Sterne für Atmosphäre und Handlung dieser in den späten 70er-Jahren angesiedelten Mischung aus Kaltem-Kriegs-Drama und Ost-West-Wechsel-Neubeginns-Hoffnung.

Den vierten Stern einzig und allein für Jördis Triebel in der Hauptrolle, die die Zerrissenheit und Unsicherheit, aber auch die Kraft, den Mut und den Lebenswillen der Hauptperson überaus glaubhaft verkörpert.

Tragikomische Erlebnisse während eines "Ehe-Jubiläums"-Wochenendes (30 Jahre!) eines britischen Ehepaars in Paris. Während anfangs noch der Schenkel-Klopfer-Humor vorherrscht, wechselt die Atmosphäre unmerklich in eine feinsinnige Analyse der jeweiligen Befindlichkeiten (Was ist wirklich wichtig für uns?). Der Film mündet in ein offenes, aber auf jeden Fall versöhnliches Finale.

Für Fans von Paris-Sightseeing eher weniger geeignet, weil sich das meiste in Wohnungen, Restaurants und Hotelzimmern abspielt.

Einer der wenigen deutschen Filme, die das Zusammenleben von Eltern und Kindern halbwegs realistisch darstellen, mit allen Höhen und Tiefen. Es werden weder die Probleme der Eltern (beide in einem Spagat zwischen Selbstverwirklichung im Beruf und den Ansprüchen der Rest-Familie) noch die der Kinder unter den Tisch gekehrt. Der in vielen Szenen enthaltene humoristische Ansatz bildet das Schmiermittel, damit das Ganze nicht so staubtrocken daherkommt sondern auch für den Entspannung suchenden Otto Normalverbraucher konsumierbar bleibt.

Kein hollywood-geglättetes Event- oder Schnulzenkino, sondern ein Film über das wirkliche Leben mit all seinen Unwägbarkeiten und Kompliziertheiten.

Und wenn der Zuschauer glaubt, er hat die Hauptpersonen und ihre Befindlichkeiten so in etwa erfasst, dann macht die Handlung eine schnelle Wendung und der Zuschauer merkt, hoppla, das war jetzt doch etwas zu einfach gedacht, in Wirklichkeit ist es noch viel komplizierter.

Schön für Frankreich, wenn ein derart anspruchsvoller Film eine Million Zuschauer ins Kino lockt. In Deutschland, dem Land der Millionen Bildzeitungs-Leser, völlig undenkbar ...

Ein knallharter und verstörender Film - nach einer wahren Begebenheit erzählt - über das seelische und vor allem auch körperliche Martyrium (u.a. wird eine überaus realistisch angelegte Vergewaltigung in einem Homo-Club gezeigt) eines Mitglieds der "Jesus Freaks"-Bewegung. Alles spielt sich in einer spießig-kleinbürgerlichen Schrebergarten-Familie ab, in die er zufällig reingerät und in der er - der minderjährigen latent missbrauchs-gefährdeten Tochter zuliebe - trotz größter Misshandlungen aushalten will.

Hölle kann wirklich überall sein! Vor allem dort, wo es Menschen gibt, denen es geradezu eine sadistische Freude bereitet, auch kleine und kleinste Machtpositionen voll auszureizen.

Bewegender kanadischer Film über die Probleme von und mit geistig Behinderten im Zusammenhang mit Liebe und Sexualität. Der nüchterne und realistische Ansatz verhindert, dass der durchaus emotionale Film allzusehr in das Fahrwasser einer großen Kitsch-Sauce gelangt (bei derartigen Stoffen immer eine latente Gefahr).

Ausnahmsweise mal ein spannendes Psycho-Kammerspiel (nur drei Personen als Hauptakteure), das von der filmischen Aufarbeitung (Drehbuch, Kameraführung und Regie) und den schauspielerischen Leistungen her wirklich gelungen ist.

Beeindruckende Landschafts-Totalen und eine einzige wirklich hervorragende Szene (das Zusammentreffen von Kohlhaas mit der Prinzessin von Angouleme) reichen nicht aus, um den Film über den Durchschnitt zu heben. Michael Kohlhaas und seine inneren Beweggründe bleiben dem Zuschauer genau genommen ziemlich fremd. Wenn man die zugrundeliegende Kleist-Novelle nicht kennt, kann man vermutlich noch viel weniger mit dem Film anfangen.

Trotz sympathischer und attraktiver Darsteller nur mäßig unterhaltsam mit auffallend wenig Witz (immerhin handelt es sich ja angeblich um eine Komödie).

Eine von Haus aus unrealistische Handlung wurde filmisch unzureichend (überwiegend langatmige Dialoge in Schuss-/Gegenschuss-Nahaufnahmen) umgesetzt.

Es wird die Vorgeschichte und der detaillierte Ablauf eines Lehrer-Amoklaufs gezeigt. Psychologie spielt keine Rolle. Der Film beginnt völlig harmlos und steigert sich kontinuierlich in eine exzessive Gewalt-Orgie hinein. Am Ende fließt Blut geradezu in Strömen.

Der Film ist von 1996 und der zugrundeliegende Roman aus den 1970er-Jahren. Damals hatte das Auto noch einen völlig anderen Stellenwert als heutzutage.

Es geht um Unfall-Fetischismus (ein mir bis dato unbekannter Begriff), genaugenommen um den Zusammenhang zwischen Sex und schweren Verletzungen nach Auto-Unfällen. Finaler Höhepunkt ist eine Szene, als sich nach einem absichtlich herbeigeführten schweren Autounfall der Fahrer des einen Autos sich über seine noch halb betäubte Ehefrau (Fahrerin des anderen Autos) hermacht. Wer's mag ...

Cronenberg hat ohnehin schon immer mehr oder weniger schräge Filme gedreht, so polarisiert - auch innerhalb der Kritikerzunft - wie in diesem Film hat er wohl selten.

Der Film bewegt sich in einigen Szenen hart an der Grenze zur Pornographie. Primäre und sekundäre Geschlechtsmerkmale der weiblichen Darstellerinnen werden öfters detailliert gezeigt, die der Männer nicht (aus welchen Gründen auch immer).

Opulente (insgesamt über drei Stunden angelegte) auf zwei Zeitebenen (Zweiter Weltkrieg und Siebziger-Jahre) spielende gediegene und ruhige Verfilumg eines Spionage-Romans. Deutlich mehr Psychologie als Action und deshalb eher für Fans von John Le Carré geeignet als für "Osbourne"-Fans.

Das heikle und mit Tabus belegte Thema zweier parallel laufender Halb-Inzests (sexuelle Beziehungen zweier sog. seit Kindheit an "besten Freundinnen" mit jeweils dem Sohn der anderen) wurde angemessen dezent verfilmt.

Die einzelnen Stadien (zaghafte Annäherung, tiefes Glücks-Empfinden und letztendlich selbst-zerstörerische Leidenschaft) werden überzeugend abgehandelt. Am Ende bleiben nur mehr Trümmer zweier aufs engste miteinander verbandelter Familien.

Überragend die beiden Haupt-Darstellerinnen Naomi Watts und Robin Wright.

Es war von vorneherein ein hoffnungsloses Unterfangen, das Leben - oder zumindest dessen wichtigste Stationen - dieses Königs in zwei Stunden einzufangen. Dazu war sein Wesen zu bizarr und zu schillernd und die Rahmenbedingungen (die ohnehin nur extrem oberflächlich abgehandelt werden) zu kompliziert, sei es das historisch-politische, das künstlerische oder auch das gesellschaftlich-sexuelle Umfeld.

Fazit: Ein bunter Bilderbogen - allerdings auch in kleinsten Nebenrollen hochkarätig besetzt - ohne allzu großen Nährwert (zumindest für diejenigen, die mit Ludwigs Lebensgeschichte in Ansätzen vertraut sind).

In den meisten Kritiken zu diesem Film wird hervorgehoben, dass er nicht nur dramatische, tragische oder traurige Szenen hat, sondern auch viele komische oder zumindest tragi-komische Elemente.

Meiner Meinung nach hat man es aber im Film damit übertrieben: Dass es einem bei einer über halbjährigen Chemotherapie auch einmal (wahrscheinlich eher sogar in der meisten Zeit) richtig elend oder dreckig geht, das wird nicht zum Thema gemacht (hätte wahrscheinlich auch niemanden so wirklich interessiert). Da bringt man lieber ein paar skurrile und völlig überzogene Handlungs-Elemente (die zu Tode gerittene Perücken-Story oder auch den Disco-Brechreiz ...).

Fazit: Relativ kurzweilig, aber von der harten Realität meilenweit! entfernt.

Ein interessanter Blick in das Alltagsleben in Riad (Hauptstadt Saudi-Arabiens) abseits der üblichen "Ölscheich"-Klischees: Die Emanzipation der Frauen befindet sich noch auf Steinzeit-Nivau, althergebrachte Sitten und Gebräuche sowie die Religion regulieren den Alltag von Frauen und Kindern aufs Detaillierteste. Aber auch die Männer sind nicht so wirklich frei.

Der Film ist anfangs sehr nüchtern und steigert sich dann in emotionale Höhepunkte hinein, ohne zu übersteuern.

Bei den Extras ein sehr interessantes Making-Of über die Dreh-Arbeiten in Riad (für die arabische Regisseurin nicht unproblematisch) mit einem arabisch-deutsch gemischten Drehteam.

Ein extrem sperriges Stück Film: fast vier Stunden Laufzeit, schwarz-weiß (allerdings Breitwand-Format), äußerst gewöhnungsbedürftige Dialog-Sprache (Hunsrück-Dialekt, anfangs unbedingt die Funktion "hochdeutsche Untertitel" empfehlenswert).

Dennoch wird man nach und nach von diesem Film hineingesogen. Man muss sich Zeit lassen dafür und man muss bereit sein, sich auf diesen Film einzulassen.

Nichts für oberflächlichen Nebenbei-Konsum.

Ein Film über die intensive - rein platonische - Beziehung zwischen einem Siebzigjährigen (in Wirklichkeit ist Michael Caine allerdings bereits über 80) und einer Dreißigjährigen.

Den Kritiken der Tagespresse "Gefühlvoll, aber nicht gefühlsduselig" bzw. "Anrührend, aber nicht rührselig" ist nichts hinzuzufügen.

Allein wegen einiger Durchhänger am Ende gibt es einen Stern Abzug.

Reinrassiger monumentaler Abenteuer-Film auf den Spuren von "Lawrence von Arabien". Spektakelmäßig kann er damit Schritt halten, die faszinierende Ausstrahlung eines Peter O'Toole kann allerdings Tahar Rahim auch nicht annähernd erreichen. Auch die übrige Besetzung bleibt eher blass. Freida Pinto ist wunderschön - aber das ist wirklich das einzige, was man über sie sagen kann. Antonio Banderas gibt eine Mischung aus Machtmensch und Clown (im Bonusteil darf er dann sogar zum Besten geben, dass er - als gebürtiger Spanier - mit Sicherheit auch arabische Wurzeln hat).

Die drei Schwestern sind schwer in Ordnung: Sie haben ihre Stärken und sie haben ihre Schwächen. Eine von ihnen fühlt, dass sie bald sterben wird. Sie kämpft - nicht gegen den Tod, sondern dafür, den Abschied ihren Schwestern nicht allzu schwer zu machen. Trotz einer eigentlich sprunghaften Handlung strahlt der Film insgesamt eine große Ruhe aus.

Bollywood ist in der Hiphop-Musik angekommen. Shahid Kapur und Genelia D'Souza bringen ihre sympathische Ausstrahlung und ihre noch unverbrauchten Gesichter in eine typische Bollywood-Story ein. Knappe zwei Stunden (statt der bollywood-üblichen zweieinhalb) reichen dafür völlig aus.

Der relativ seichte und oberflächliche Film bedient sämtliche Klischees, die im Kopf des "kleinen Max" im Zusammenhang mit einer orientalischen Stadt im Mittelalter vorhanden sind. Die Hauptdarsteller (beispielhaft: Tom Payne) sind überwiegend blass und farblos. Einzig herausragend ist Olivier Martinez als Shah von Isfahan. Der ist wirklich grandios und rettet den Film in eine durchschnittliche Bewertung.

Schöner warmherziger Film über das Sich-Annähern zweier alleinerziehender Singles - kurz bevor jeweils die Töchter flügge werden und aufs College gehen. Viel Humor und Selbstironie helfen dabei, kleinere oder auch größere atmosphärische Störungen zu überwinden und zueinander zu finden.

Einzig wegen der allzu konstruiert wirkenden Grund-Idee gibt es einen Stern Abzug und deshalb nur vier Sterne. Ein gelungener letzter Film mit James Gandolfini, entstanden kurz vor seinem allzu frühen Tod.

Kleiner Tipp: Die lediglich im Bonus-Teil als "alternatives Ende" angebotene Version finde ich wesentlich besser als die im Hauptfilm verwendete Fassung.

Im übrigen kann ich mich allen Vor-Kritikern nur anschließen: Absolut herausragendes Kino!

Richtige Western-Action gibt es erst zum Ende hin. Bis dahin handelt es sich um einen ruhigen - fast komplentativen - kurz vor der Jahrhundert-Wende (19./20. Jahrhundert) angesiedelten Spät-Western um eine Gruppe deutsch-stämmiger Goldsucher (genaugenommen sind sie noch keine Goldsucher, sondern befinden sich erst auf dem Weg zu den großen Gold-Gebieten). Der Film ist an den Original-Schauplätzen in West-Kanada gedreht und liefert zusätzlich zu den - überwiegend gruppen-internen - Konflikten auch schöne Natur- und Landschaftsaufnahmen.

Insgesamt scheint mir der Film, sowohl was die Handlung wie auch die Personen anbelangt, sehr realistisch angelegt

Ein warmherziger Film, der die Probleme einer Familie mit einem nach einem Gehirnschlag völlig wesens-veränderten Vater aufzeigt - mit allen Höhen und Tiefen. Vor allem die Mutter ist zutiefst verunsichert. Gleichzeitig sind ihre beiden Kinder völlig abhängig von ihrer Unterstützung. Und da gibt es noch einen Gast in der Familie: Ein amerikanischer Arzt, der den Patienten zunächst ganz neutral als rein medizinische Fallstudie beobachten will, und der sich dann doch den emotionalen Irrungen und Wirrungen nicht entziehen kann ...

Juliane Köhler ist überragend in ihrer äußerst zwiespältigen Rolle - einerseits als Opfer, andererseits als Täterin.

Wichtiger Hinweis: Meiner Meinung nach funktioniert der Film nur in der Original-Fassung und in den Original-Sprachen Deutsch + Norwegisch (für das Norwegische kann man eine Untertitel-Funktion zuschalten).

Eine rabenschwarze Satire mit sehr viel Widerhaken - Man kann nicht wirklich darüber lachen, wenn einem bewusst wird, welche Manipulations-Möglichkeiten die Medienbranche derzeit bereits hat und was erst in Zukunft auf uns zukommt.

Gute Story und - überwiegend - gute Darsteller ergeben einen überdurchschnittlich guten Film. Lediglich Frederick Lau wirkt irgendwie deplatziert. Meiner Ansicht nach ist er für die Rolle einfach zu alt, außerdem nervt sein ständig gleicher Gesichts-Ausdruck (so, als ob er in jedem Augenblick gleich zu heulen anfangen würde).

Eine - wie bei Nicholas Sparks (Autor der Buchvorlage) nicht anders zu erwarten - qualitativ unterirdische Story voller Klischees. Auch bei den Akteuren muss man sich gar nicht erst mit komplizierteren Charakteren herumschlagen: Es ist auf den ersten Blick klar, ob es ein "Guter" oder ein "Böser" ist. Auch wenn man glaubt, dass das Schmalzpotential eigentlich bereits voll ausgeschöpft und keine Steigerung mehr möglich ist, gelingt es Autor Sparks und Regisseur Hallström in den letzten fünf Film-Minuten, noch gewaltig einen draufzusetzen.

Halbwegs gerettet wird der ausschließlich an Original-Schauplätzen gedrehte Film zum einen durch die Lokalität (Southport in North Carolina ist ein dermaßen idyllisches Hafenstädtchen, dass es fast schon weh tut) und zum anderen durch die Hauptdarstellerin Julianne Hough. Ein American Dream Girl vom Allerfeinsten: Blond, wohl-proportioniert, nett und einfach nur zum Reinbeißen süß.

Fazit: für die Handlung 0, für Southport 3 und für Julianne Hough 5 Sterne.

Was ganz selten gelingt, hat Regisseur Ron Howard in diesem Film hingebracht: Spektakel-Kino mit Tiefgang und gleichzeitig ein Eintauchen in die völlig übergeschnappte Welt der Siebziger-Jahre. Die 68er-Jahre inkl. sexuelle und politische Umwälzungen hinter sich und die großen Probleme wie z.B. AIDS und Umweltverschmutzung noch nicht einmal dem Namen nach bekannt. Die Formel-1-Rennfahrer waren Rockstars. Ihre einzige Frage war: Was kostet die Welt?

Der Film ist sehr lang (rd. 140 Minuten) und zerfällt in drei scharf voneinander abgegrenzte Teile, wobei zwischen dem zweiten und dem dritten Teil 15 Jahre liegen. Der erste Teil ist überragend, sowohl vom Hauptdarsteller Ryan Gosling wie auch von der Atmosphäre (Schnitt, Kameraführung und Musik) her. Der zweite Teil ist mehr als seriöser Problemfilm angelegt, den dritten kann man sich eigentlich schenken, weil er einfach nur langweilig ist.