Die japanische Original-Version habe ich schon vor längerem gesehen und kann mich an die Einzelheiten nicht mehr so erinnern. Ich glaube, dass in der US-Version hauptsächlich der Schluss verändert wurde, der dadurch deutlich verstörender wirkt, als der eher versöhnliche japanische Schluss.

Auf jeden Fall ist die US-Version von "Dark Water" weitaus gelungener als die ähnlich gelagerten US-Remakes von "The Grudge" und "The Ring", die an die japanischen Original-Fassungen in keiner Weise herankommen. Ein alles in allem durchschnittlicher Horror-Film, der überwiegend mit subtilem Grauen arbeitet.

Ein überaus düsterer Film ohne jeglichen Hoffnungsschimmer über ein 17 Jahre zurückliegendes Familiendrama, das zwar allen Beteiligten bekannt ist, über das der Zuschauer aber erst ganz am Schluss aufgeklärt wird. Dies führt nicht etwa zu erhöhter Spannung, sondern zu erheblichen Irritationen beim Zuschauer, da die Motivation der einzelnen Beteiligten ziemlich rätselhaft erscheint und erst im Nachhinein wenigstens teilweise nachvollziehbar ist.

Die an 1. Stelle der credits genannte Miranda Otto spielt nur eine Nebenrolle, darf relativ wenig sagen und dafür umso mehr bedeutungsschwangere Blicke werfen. Die Hautptrollen spielen Matthew MacFadyen und die in den credits nicht erwähnte junge und sehr begabte Emily Barclay.

Von den Filmen, die ich bisher mit Ben Stiller gesehen habe, der mit Abstand schlechteste! Allein schon die Grundidee (Enddreißiger heiratet in Torschlusspanik völlig überstürzt, merkt bereits bei der Fahrt in die Flitterwochen, welche Nervensäge er sich da angelacht hat, und begibt sich am Urlaubsort angekommen unverzüglich auf neue Brautschau)ist voll daneben. Die wirklich guten Gags sind selten, dafür feiert der Fäkalhumor wahre Triumphe (negativer Höhepunkt: Der von einer Feuerqualle heimgesuchte Ben Stiller wird zwecks Schmerzlinderung von seiner Frau bepinkelt, die allen völlig konsterniert Herumstehenden (rund 20 an der Zahl) fröhlich zuruft: "Das ist schon in Ordnung, ich bin ja seine Ehefrau!"

Typischer 50er-Jahre-Heile-Welt-Film, bei dem die Jugend vorsichtig am Lack der Honoratioren kratzt. Die reagieren aber dermaßen verständnisvoll, dass am Schluss alle happy-hippo sind. Die in den Castings genannten Freddy Quinn und Gisela Schlüter spielen absolute Nebenrollen, immerhin darf Freddy ein paar Liedchen trällern. Neben Walter Giller spielen in den Hauptrollen Gardy Granass und Wera Frydtberg sowie Michael Cramer. Richtig herzerfrischend, wie damals die Welt noch in Ordnung war! Aber Scherz beiseite: Der damalige Zeitgeist kommt sehr authentisch rüber. Man erfährt wahrscheinlich mehr über die Aufbruchsstimmung der Wirtschaftswunderzeit als aus seitenlangen gelehrten Abhandlungen.

Ein wunderbarer Langzeit-Film (erster und zweiter Teil zusammen mit rund 6 Stunden) über eine italienische Familie über fast vier Jahrzehnte hinweg, der vom italienischen Fernsehen produziert wurde und ursprünglich auch nur für eine dortige Ausstrahlung vorgesehen war (vermutlich gibt es deshalb auch keine Synchronfassung auf deutsch, sondern lediglich die italienische Originalfassung wahlweise mit oder ohne deutsche Untertitel, aber das stört wirklich überhaupt nicht). Im Mittelpunkt stehen die Brüder Nicola und Matteo und ihre Angehörigen und Freunde, beginnend mit dem Jahr 1966, als sie kurz vor ihrem Studienabschluss stehen. Ein anrührendes und trotzdem in keiner Weise kitschiges Meisterwerk! Besser geht es nicht!

Es handelt sich um ein nicht so ganz gelungenes US-Remake des deutschen Films "Bella Martha" mit Martina Gedeck. Catherine Zeta-Jones ist einfach zu attraktiv, um die Hauptrolle glaubwürdig verkörpern zu können. Ein absoluter Pluspunkt ist allerdings die kleine Abigail Breslin (einigen vielleicht aus "Miss Little Sunshine" bekannt). Viel Herz und Schmerz, aber irgendwie auch synthetisch wirkend! Wenigstens haben sie den Titelsong von Paolo Conte unverändert vom deutschen Vorbild übernommen.

Sehr empfehlenswert für zeitgeschichtlich bzw. filmhistorisch Interessierte. Es werden ausschließlich - mit einer Stimme aus dem Off durchaus auch ironisch kommentierte - Ausschnitte aus Filmen des Dritten Reiches (sowohl Spielfilme wie auch Wochenschauen oder Dokumentarfilme)gezeigt: also quasi 90 Minuten geballter Nazifilm, sortiert und zusammengestellt nach verschiedenen Themenbereichen (z.B. Krieg, Juden, Volksgemeinschaft etc.). Für Zuschauer ohne Vorkenntnisse empfiehlt es sich unbedingt, die Funktion "Mit Filmtitel" zu wählen, dann wird bei jeder Einspielung der Titel des Films eingeblendet, aus dem der jeweilige Ausschnitt stammt, ansonsten könnte es leicht verwirrend wirken. Ein absolut gravierender Fehler hat sich allerdings eingeschlichen, als eine Szene aus dem Film "M - eine Stadt sucht einen Mörder" (eigentlich ein Anti-Nazi-Film von Fritz Lang aus der Vor-Hitlerzeit) dem üblen Nazi-Machwerk "Der ewige Jude" zugeordnet wurde.

Obwohl es aufgrund der damaligen ökonomischen Gegebenheiten (das Drehen von Filmen erforderte einen immensen technischen und damit auch finanziellen Aufwand) eigentlich sonnenklar war, wurde es mir erst durch diesen Film so richtig bewusst, dass jedes, aber auch wirklich jedes Original-Filmdokument aus dieser Zeit - und zwar ganz gleichgültig, ob Spiel- oder Dokumentarfilm - keine "neutrale" Sicht wiedergibt, sondern inszeniert ist: Es wird die Sicht wiedergegeben, die das totaltitäre System und seine Handlanger von sich selbst und von den Deutschen hatte bzw. dargestellt wissen wollte. Und jeder Film verfolgte eine und sei sie auch noch so versteckte propagandistische Zielsetzung.

Der Film zerfällt in zwei Teile: Der erste Teil spielt in Delhi und handelt in typischer Bollywood-Manier (umfangreiche Gesangs- und Tanzeinlagen) eine Jungmädchen-Romanze ab, der zweite Teil - sieben Jahre später in Kaschmir (gedreht wurde im polnischen Wintersportort Zakopane) angesiedelt - beginnt als Action-Thriller (u.a. Schneemobil-Verfolgungsjagd und -schießerei á la James Bond) und endet überaus dramatisch in der schneeweißen Winter-Landschaft. Insgesamt eine gute und entspannende Unterhaltung für Bollywood-Fans.

Interessantes, leicht ironisches Zeitbild über das Gewese und Gehabe in der Links-Öko-Alternativ-Szene am Anfang der 80er. Negativ fallen technische Defizite bei den relativ vielen Dunkel-Schummerlicht-Szenen in der Berghütte auf. Die bei den credits als erste genannte Alexandra Neldel hübscht den Film zwar optisch auf, darf insgesamt aber nur zwei Sätze sagen. Die an zweiter Stelle genannte Anneke Kim Sarnau kommt immerhin auf etwa 10 Sätze (geschätzt). Die Hauptrollen spielen Valerie Koch und Hans-Jochen Wagner.

Der Film beobachtet wunderbar zärtlich drei Generationen einer großbürgerlichen italienischen Familie bei ihren Bemühungen, mit sich selbst und mit dem Rest der Welt - und vor allem mit den übrigen Familienmitgliedern - ins Reine zu kommen. Eine große Rolle spielen vermeintliche Familiengeheimnisse: Alle wissen davon, aber den anderen gegenüber gibt man sich ahnungslos.

Ein absoluter Höhepunkt für Freunde der klassischen MGM-Musicals aus den Dreißigern und Vierzigern! Die junge Judy Garland brilliert neben Fred Astaire in einem seiner letzten großen Tanz-Filme. Ein fulminanter Step-Auftritt von Ann Miller ist allein schon den ganzen Film wert. Außerdem gibt es einen tollen Bonus-Teil u.a. mit einer Dokumentation (ca. 30 Minuten) zur Entstehungsgeschichte dieses Meisterwerks.

Mindestens genauso gut wie der vorherige Film "Beste Zeit" (mit gleichem Regisseur und gleichen Darstellern). Im ersten Film ging es mehr um die Konflikte Jung-Pubertierender mit den Erwachsenen, jetzt - zwei Jahre später - geht es darum, dass sie selbst merken, wie sich zu Erwachsenen (und damit auch auseinander-)entwickeln. Irgendwie trennen sich langsam die Wege, und das schmerzt die Mädels ungeheuer.

Eine völlig unglaubwürdige Ausgangssituation - aber es wird ein überaus sympathischer Film daraus. Und Gott sei Dank endlich einmal Juliette Binoche in einer entspannten und entspannenden Rolle, das hat sie nämlich auch wunderbar drauf!

Eine tragikomischer Ensemble-Film ohne wirkliche Unterscheidung zwischen Haupt- und Nebenrollen. Es gibt Szenen, da zerreißt es einem schier das Herz und Szenen, da kann man nur noch losprusten. Kino so wie das Leben!

Im Prinzip eine klassische Tragödie wie bei den alten Griechen: Aus einer zunächst abwehrenden Haltung wird ein "Warum eigentlich nicht?", aus einem Schneeball wird eine Lawine, am Schluss ist derjenige, der eigentlich die Fäden ziehen wollte, ein hilflos Getriebener.

Hin und wieder blitzt subversiver Humor auf, wo man eigentlich losprusten will, wenn es nicht schon einige Leichen gegeben hätte.

Überragend ist Billy Bob Thornton als halbtumber Bruder. Als einziger bleibt er sich selbst treu bis zum bitteren Ende.

Die schrill-schräg-anarchistische Balkan-Komödie eröffnet einen Blick auf eine völlig andere Welt abseits der mitteleuropäischen Vollkasko-Mentalität. Wer offen für andere Lebensumstände und ein anderes Lebensgefühl ist, der wird seine helle Freude an dem überdrehten Spektakel haben. Bitte nicht allzu ernst nehmen!

Amüsantes Zeitbild über die Kinderstube der Fußball-Bundesliga von 1963 bis 1978. Wohltuend ist das Fehlen jeglichen nachträglichen Kommentars, man lässt die einzelnen Fußball- und Interview-Szenen einfach so im Raum stehen - da kann sich jeder seinen eigenen Reim darauf machen. Irgendwie waren damals auch die Stars noch menschlicher - keine solchen hypertrophen Lichtgestalten, wie sie jetzt gang und gäbe sind. Der Fußball im allgemeinen hat sich nicht zu seinem Vorteil verändert.

Durchschnitts-Thriller, konsequent und geradlinig ohne übertriebenen Firlefanz und technische Gimmicks erzählt.

Die Geschichte einer Hassliebe, schwankend zwischen allen denkbaren emotionalen Höhe- und Tiefpunkten, visuell ungewöhnlich kreativ und abseits der üblichen Sehgewohnheiten erzählt.

Wer einen Schenkelklopfer erwartet, wird enttäuscht sein. Definitiv keine Komödie, allenfalls eine Tragikomödie mit deutlichem Schwerpunkt auf der Tragik. Julie Walters gibt die alternde Schauspielerin, die sich selbst und allen um sie herum vorzumachen versucht, was für ein wundervolles exzentrisches Leben sie führt. Rupert Grint als mama-betütelter Jüngling mit deutlicher Reifeverzögerung ist anfangs fasziniert von ihr und nutzt die Gelegenheit für kleine Fluchten aus seiner vorgezeichneten Lebensbahn. Das Happy-End wirkt aufgesetzt.

Wie so oft bei Mystery-Thrillern, beginnt der Film sehr geheimnisvoll und spannend, um dann mehr und mehr abzuflachen bis zu einem - meistens - unbefriedigenden Ende. Immerhin schaffen es Regisseur und Drehbuchschreiber, den Zuschauer so zu fesseln, dass er die Widerhaken in der Story (erinnert sei nur an das berühmte Zeitreise-Paradoxon) schluckt und erst nach dem Film ins Sinnieren darüber kommt, dass da einiges in der Handlung nicht so ganz zusammenpasst. Allerdings ein großes Kompliment an Sandra Bullock, die in der tragischen Hauptrolle in Mimik und Körpersprache absolut überzeugt.

Nostalgische Komödie über die Anfänge des damals noch verpönten Profi-Football-Sports in den USA der 20er-Jahre.

Teils skurril-makabre, teils durchaus philosophisch angehauchte schwarze Komödie um den gewaltsamen Tod eines Ekels (sehr lebensnah dargestellt von Stefan Kurt). Die Spannung resultiert weniger aus der Frage nach dem Mörder (man erlebt das Verbrechen hautnah mit) sondern daraus, welche Irrungen und Wirrungen - auch auf Seiten der Zürcher Polizei - sich aus der Tat ergeben. Wunderbar überdreht agieren Friedrich von Thun und Hans-Michael Rehberg als elitäre alte Kumpel mit einem dunklen Fleck in der Vergangenheit. Die schweizerisch-österreichisch-deutsche Fernsehproduktion ist im Original auf Schwyzerdütsch gedreht; die DVD bietet auch eine hochdeutsche Synchronisation an, wodurch allerdings relativ viel Atmosphäre verlorengeht.

Größtenteils misslungener Versuch einer deutschen Screwball-Komödie. Til Schweiger ist nicht George Clooney, und das merkt man in jeder Szene.

Auch halbwegs gelungene Gags (z.B. Rick Kavanian als cholerischer Chefredakteur mit übertriebenem Bayern-Slang) werden dadurch totgeritten, dass sie drei mal wiederholt werden. Manche Gag-Versuche (mehr als ein Versuchsstadium kann man ihnen nicht zubilligen) scheitern einfach an der zu langen Ansage - Witz, Esprit oder auch Gag haben immer irgendwie was mit Überraschung zu tun.

Viele Cameo-Auftritte (z.B. der von Achim Rohde) werden geradezu verschenkt, wirklich gut ist eigentlich nur Jürgen Vogel (negativer Cameo-Höhepunkt: die wandelnde Schlaftablette Wolfgang Stumph als bräsiger Taxifahrer).

In guten Geschlechterkampf-Komödien gibt es eine Doppelbödigkeit von Dialog und wirklichem Denken - bei Til Schweiger sagen die Akteure immer genau das, was sie gerade wirklich denken (überraschungsfrei geht es eigentlich immer nur um das eine) und sparen dabei keine Peinlichkeit aus. Und wenn dann ansatzweise ein gewisses Tempo und ein gewisser Rhythmus erkennbar werden, dann wird gleich wieder die Luft herausgenommen. Kamera-Schwenks über treuherzige Kinderaugen bringen nun einmal eine Geschichte nicht wirklich voran.

Aus einem vor mehr als 20 Jahren gefloppten Musical wird in aller Regel kein guter Film. Auch wenn das Sujet zweifelsohne die überbordende Phantasie von Tim Burton angeregt und ihn auch zu einigen visuell-morbiden Höhepunkten inspiriert hat - hingewiesen sei nur auf den Barbierstuhl mit Kippmechanik zur reibungslosen Entsorgung in den Leichenkeller - , kann dies nicht über die schwachbrüstige Story und den geringen musikalischen Gehalt des Ganzen hinwegtäuschen. Weder die gesanglichen noch die schauspielerischen Leistungen von Johnny Depp und Helena Bonham Carter retten den Film.

Aus dem Rahmen fallendes Kammerspiel (allerdings in schöner Natureinsamkeit angesiedelt) mit drei Hauptfiguren, die verschiedene Sprachen sprechen (Russisch, Finnisch und Samisch - oder wie auch immer die Lappensprache heisst) und sich hauptsächlich durch Mimik und Tonfall verständigen bzw. auch missverstehen (zum Teil sehr witzig). Gott sei Dank keine Synchronfassung, sondern mit Untertiteln versehen, und selbst dadurch geht wohl einiges verloren. Ein Sieg der Menschlichkeit über das Grauen des Krieges.

Nicht ganz so gut wie der acht Jahre zuvor mit einem im wesentlichen gleichen Team (Regisseur und Hauptdarsteller) gedrehte Vorgänger-Film über Elizabeth I. als junge Königin. Über die Opulenz der Ausstattung geht viel vom eigentlichen Kern der Geschichte verloren.

Der Film basiert auf einer wahren Begebenheit und hat auch hinsichtlich der Handlung und Personenführung dokumentarischen Charakter. Er hat keine übertrieben exzessiv ausgemalten Gewaltszenen und wirkt dadurch umso bedrohlicher. Das Beste ist der Schluss.

Wahrscheinlich einer dieser polarisierenden Filme, die man entweder heftig liebt (so wie ich) oder die man zutiefst verabscheut. Meiner Meinung nach die überaus gelungene Gratwanderung zwischen tiefer Herzenswärme, Lebensklugheit und absolutem Kitsch. Die Tanz- und Gesangsszenen sind einfach bezaubernd.

Amüsante leichte Sommerkomödie über die nicht ganz ernst zu nehmenden Midlife-Crisis-Befindlichkeiten eines langsam älter werdenden Lehrer-Ehepaars. Die dem Film zugrundeliegende Walser-Novelle ist meiner Erinnerung nach (vor ca. 20 Jahren gelesen) bei weitem nicht so witzig, sondern eher von einer tiefschürfend gähnenden Langeweile gekennzeichnet. Für mich ein klassischer Fall, bei dem der Film besser ist als das Buch.

Kein Gefühlskino, sondern ein spröder Film, der immer wieder auf Distanz zu den handelnden Figuren geht.

Ein absoluter Gag-Kult-Klassiker. Nachdem ich ihn mir früher schon einmal dreimal im Kino angeschaut habe, musste ich ihn mir jetzt noch mal als DVD reinziehen: Genauso gemeckert wie vor dreißig Jahren!!!

Schräg-surreale Tragikomödie gebündelt mit überbordender visueller Phantasie und einer außergewöhnlichen Hauptdarstellerin.

Eine liebevolle, teilweise auch wehmütige Hommage an die Kinoknüller der letzten 20 Jahre mit einem herrlich überdrehten Jack Black, der neben Mos Def die Hauptrolle spielt. Die als Darsteller genannten Mia Farrow, Sigourney Weaver und Danny Glover spielen nur absolute Nebenrollen. Eine Hymne auf Phantasie und Kreativität mit deutlichen Akzenten gegen den aktuellen stupiden Blockbuster-Gigantismus.

Der Film zerfällt in zwei Teile. Der erste Teil spielt Ende der dreißiger Jahre auf einem englischen Landsitz, wo sichs die "upper class" gut gehen lässt: Atmosphärisch dicht und gleichzeitig spannend und irritierend (irgendwie hat Einheit von Zeit, Ort und Handlung nach wie vor was). Danach (vier Jahre später mitten im Krieg) zerfranst der Film völlig: Ziemlich unmotiviert werden Erlebnisse im Kessel von Dünkirchen neben Hospital-Szenen im heimischen Britannien gestellt. Vanessa Redgrave spielt nur eine Nebenrolle und sagt brav ihren kurzen Text auf.

Nächster Film von Lone Scherfig als dänisch-schottische Koproduktion nach ihrem zauberhaften Überraschungs-Erfolg "Italisch für Anfänger". Dessen Qualität wird allerdings nicht annähernd erreicht.

Eigentlich ist es eine todtraurige Geschichte. Ansätze von "Tragikomik" tauchen nur rudimentär auf - vielleicht habe ich allerdings auch keine Antenne für den spezisch dänischen bzw. schottischen Witz (diese Humor-Varianten werden im Bonus-Teil gesondert abgehandelt).

Die Einreihung in das Genre "Thriller" (wahrscheinlich aufgrund des Film-Titels) ist völlig daneben. Es handelt sich um ein Drama, das die Grundfragen des "American Way of Life" berührt, ähnlich dem Theaterstück "Tod eines Handlungsreisenden" von Arthur Miller. Der Film ist nicht zu empfehlen, wenn man selbst gerade Probleme hat, weil man durch den Film nur noch mehr heruntergezogen wird. Da weder Ansätze von Humor - nicht einmal Sarkasmus oder zynischer schwarzer Humor - noch von einer irgendwie gearteteten positiven Entwicklung auftauchen, leider nur eine 3 auf der Bewertungsskala.

Hervorragend geeignet für Leute, die Losern dabei zuschauen wollen, wie sie vollends und endgültig scheitern.

Gut gemachter durchschnittlicher Spannungsfilm, irgenwie zwischen Horror und Science Fiction angesiedelt - allerdings mit einem absolut außergewöhnlichen Ende.

Ein tragikomisches Meisterwerk ("fremdsprachiger" Oscar 1996) über das Leben auf einem holländischen (oder auch belgischen, so ganz wird das nicht klar) Bauernhof über vier Frauen-Generationen hinweg, manchmal distanziert aus der Ferne betrachtet, manchmal todtraurig und manchmal auch ironisch oder auch extrem witzig. Die Männer haben angesichts der geballten Frauenpower nicht viel zu melden.

Trotz des "schlüpfrigen" Sujets ein sehr ernsthafter Film über Sex-Tourismus (dieses mal ausnahmsweise von US-Single-Ladies mit Karibik-Boys) und die damit verbundene gegenseitige physische und psychische Ausbeutung.

Für Spanner ungeeignet!

Ein interessanter Einblick in die für uns Deutsche wohl eher unbekannte Geschichte des irisch-britischen Konflikts nach dem 1. Weltkrieg. Überraschend und durchaus verstörend wirken die rüden und gewalttätigen Aktionen der britischen Besatzungssoldaten, die auch vor Folter nicht zurückschrecken.

Der Film pendelt ziemlich unentschlossen zwischen Slasher-Grusel a la "Hannibal Lector" und normalem Krimi, wobei hier noch der Konflikt zwischen den cleveren Großstadt-Bullen und dem doofen Dorfpolizisten besonders thematisiert wird. Das Pulver ist bereits nach der ersten Hälfte des Films verschossen. Auch der wie fast immer hervorragende Wotan Wilke Möhring und ständig wiederkehrende mythische Verweise auf das biblische Motiv der Sohnes-Opferung durch Abraham können den Film nicht über den Standard-Durchschnitt herausheben.

Ein absoluter Genuss für alle Freunde anspruchsvoller Historienfilme. Teilweise mit ungewöhnlichen Kamera-Einstellungen gefilmt, bietet dieser Film sowohl hinsichtlich der Darsteller wie auch der Kostüme und der Kulissen Geschichte und Geschichten vom Feinsten.

Bewegendes Familien-Drama über das Auseinanderbrechen und - vielleicht (?) - Wieder-Zusammenkommen einer Familie nach einem tragischen Schicksalsschlag.

Ein sehr bewegender Film über ein unmögliches Paar und eine unmögliche Liebe - und eigentlich der erste Film, den ich mit Kenneth Branagh gesehen habe, bei dem er sich etwas zurücknimmt und nicht versucht, alle anderen an die Wand zu spielen. Möglicherweise liegt das allerdings auch an Helena Bonham Carter, die völlig abseits ihrer üblichen Rollen eine herausragende Leistung zeigt.

Ein klassischer Ensemble-Film, wie wir ihn eigentlich nur von Robert Altman gewohnt sind: Viele verschiedene Handlungsstränge, bei denen an den Knotenpunkten dann auf einmal die gleichen Personen auftauchen. Anspruchsvoll, aber nicht überkandidelt. Die meisten Akteure haben große Probleme, doch für einige - nicht für alle - tun sich im Verlauf des Films Türen auf, hinter denen es ihen wahrscheinlich besser gehen wird. Die Atmosphäre ist sehr stimmig eingefangen, nicht zuletzt auch durch die Sprache (teilweise sehr gewöhnungsbedürftiges Wienerisch, wodurch sich aber niemand abschrecken lassen sollte).

Ein emotional sehr bewegender Film über einen Familienkonflikt in der dänischen High Society: Der einzige Sohn eines Stahlkonzern-Bosses sieht sich nach dessen Tod in der Pflicht, das Erbe anzutreten, obwohl seine ursprüngliche Lebensplanung ganz anders ausgerichtet war. Hervorragende Darsteller in Haupt- und Nebenrollen und ein überaus realistisches Finale.

Zwei überragende Schauspielerinnen in einem Psycho-Drama der Extra-Klasse. Für fünf Sterne reichte es allein deshalb nicht, weil das eigentliche Vergehen (schon ziemlich am Anfang des Films passierend) mit dem psychologischen Profil der Rolle von Cate Blanchett, wie sie im Laufe des Films nach und nach entwickelt wird, in meinen Augen nicht so ganz zusammenpasst.