Mary, eine verhärmte Frau mittleren Alters, bringt sich und ihre kranke Mutter mehr schlecht als recht durch den Verkauf an der Küste gesammelter Fossilien über die Runden. In diese von Armut geprägte Welt verschlägt es, zum beiderseitigen Missvergnügen, eine an „Melancholie“ leidende junge Ehefrau aus der Londoner Oberschicht. Mary lässt nach und nach ihre schroffe Fassade fallen, mit der sie Menschen auf Distanz hält, und die beiden Frauen kommen sich sehr nahe. Ein Film der leisen Töne, ein Stimmungsbild mit innerer Dramatik.

In einem Sumpf aus matschigen Böden, allgegenwärtiger Gewalt, Korruption, Krankheiten und Prostitution treiben Männer und Frauen den Bau der Union-Pacific-Bahnstrecke Richtung Westen voran. Die Protagonisten lassen sich nicht unbedingt nach Kriterien wie „gut“ oder „böse“ einordnen – einige sind beides: fürsorgliche Beschützer und eiskalte Mörder. Wie glaubwürdig das ist, sei dahingestellt. Ein bösartiger und irrer Charakter wie „der Schwede“ jedenfalls ist an faszinierender Skurrilität nicht zu übertreffen. Manche blutigen Szenen in späteren Staffeln hätten wohl eher in einen Horrorfilm „ab 18“ gehört. Ein Manko der Serie ist es, dass etliche Entwicklungen der Handlung nur der Dramaturgie der Serie dienen, im realen Leben aber nie und nimmer so stattgefunden hätten, was manchmal derart auf die Spitze getrieben wird, dass man sich als Zuschauer für dumm verkauft fühlt. Spannende Unterhaltung und Einblicke in das grausam harte Leben im „Wilden Westen“ bietet die Serie aber allemal, deshalb dreieinhalb Sterne.

Eine in den offenbar sorgfältig recherchierten historischen Kontext eingebettete faszinierende Reise in die britische Vergangenheit um die Mitte des 20. Jahrhunderts. Die Serie beleuchtet, glaubwürdig dargestellt, die höchst anspruchsvolle Rolle, die Elisabeth in jungen Jahren übernehmen musste. Nicht eine Filmminute ist langweilig, insbesondere auch dank der geschliffenen, geistreichen Dialoge, die den grundverschiedenen Charakteren passgenau auf den Leib geschneidert sind. Bei manchen Wortgefechten, etwa denen zwischen Elisabeth und Churchill, vergisst man, dass sie von sprachgewandten, historisch bewanderten Drehbuchautoren erfunden sind. Köstlich ist nicht zuletzt auch Prinzgemahl Philip mit seiner sarkastischen Offenheit („Wir sind die Tanzbären“). Die beste Serie, die ich im Lauf der Jahrzehnte gesehen habe.

Die Serie braucht ein wenig Anlaufzeit; anfangs sieht es nach deutlichen Parallelen zu der recht locker erzählten spanischen Serie „Grand Hotel“ aus, aber dann schlägt „The Restaurant“ mit glaubwürdigen Charakteren und überraschenden Entwicklungen eine eigene, unverwechselbare Richtung ein. Es geht um Liebe, Intrigen und Drogenabhängigkeit, um kriminelle Machenschaften im Nachkriegs-Schweden, um gebrochene KZ-Häftlinge, für die nach dem Ende der Nazi-Diktatur keineswegs alles vorbei ist, um die für ihre Rechte kämpfenden Arbeiterinnen. Eine vielschichtige, anspruchsvolle, spannende Serie mit tragischen, humorvollen und berührenden Szenen.

In der zweiten Staffel entwickelt die Serie nicht zuletzt dank der begabten Schauspielerin Trine Dyrholm ihr ganzes Potenzial. Die chaotischen Verhältnisse innerhalb der Familie nehmen dramatische Züge an, man folgt dem Geschehen mit gespannter Aufmerksamkeit.

Ein stimmungsvoller, einfühlsamer, subtil erotischer Film mit überzeugenden Darstellerinnen und klugen Dialogen, etliche Szenen gefilmt an der wild romantischen französischen Atlantikküste.

Politische Betonköpfe des Sowjet-Kommunismus lassen einem hoch begabten Künstler kaum eine andere Wahl, als in Frankreich Asyl zu beantragen. Hätte man Nurejew etwas mehr Freiheit eingeräumt, wäre er wohl bei seinem Ensemble geblieben. Obwohl man von Anfang an weiß, wie die Geschichte ausgeht, folgt man gebannt vor allem dem Höhepunkt des Films, einer Szene auf dem Pariser Flughafen. Der Film ist auch deshalb sehenswert, weil er ein eindrucksvolles Psychogramm einer äußerst komplexen und komplizierten Persönlichkeit präsentiert.

Ein mitreißendes deutsch-französisches Drama über die Tragik eines schuldlos Schuldigen und über die Gnade, eine grausame Wahrheit vorenthalten zu bekommen. Ein tiefgründiger Film mit begabten Darstellern, überzeugenden Charakteren und fesselnden Dialogen, in denen jeder Satz seine Berechtigung hat. Fast ist es deplatziert, formale Details zu hinterfragen, etwa, warum die Gespräche zwischen Anna und Adrien in der deutschen Filmfassung großenteils auf Französisch geführt und untertitelt werden, obwohl Adrien gutes Deutsch spricht. Nicht konsequent und unnötig ist meiner Meinung nach auch der Wechsel zwischen Schwarzweiß und Farbe, der einen Wechsel in der Atmosphäre oder Stimmung anzeigen soll. Aber das Gesamtbild dieses überragenden und ergreifenden Films wird durch solche Nebensächlichkeiten kaum getrübt.

Das holländische Tulpenfieber bietet den Rahmen für eine doppelte Liebesgeschichte. Man glaubt gern, hier tatsächlich einen Blick in das Amsterdam des 17. Jahrhunderts zu werfen. Trotz eines stoisch ruhigen Christoph Waltz ist der Film ausgesprochen kurzweilig. Auch wer Lovestorys nicht viel abgewinnen kann, dürfte dem Geschehen zumeist gebannt folgen, die Ereignisse sind ständig in Bewegung. Die Handlung ist nicht immer glaubwürdig, aber schließlich ist auch das Tulpenfieber, obwohl historische Realität, aus heutiger Sicht kaum zu glauben.

Nicht nur das dargestellte kleine Mathe-Genie ist hochbegabt, sondern auch das Mädchen, das dieses Genie darstellt. Man mag kaum glauben, dass ein etwa siebenjähriges Kind eine derart überzeugende schauspielerische Leistung präsentiert und fühlt sich deshalb manchmal in reales Geschehen versetzt. Ein Film mit tragischen, glücklichen und komischen Momenten, ein geistreicher, ergreifender, fesselnder Film.

Für Claire geht das Auftauchen von Beatrice, der Geliebten ihres verstorbenen Vaters, mit einer Phase des Umbruchs in ihrem Leben einher, aber auch mit schmerzlichen Erinnerungen. Je mehr die Fassade bröckelt, die Beatrice um ihre Persönlichkeit aufgebaut hat, umso stärker verwandelt sich Claires Abneigung gegen Beatrice in Sympathie. Ein anspruchsvoller, etwas melancholischer Film, dessen innere Dramatik den Zuschauer vor allem auch wegen der überzeugenden Hauptdarstellerinnen in ihren Bann zieht.

Die schwer durch Arthritis gezeichnete Maud hat alles verloren: Sie ist körperlich behindert, arm und schließlich auch allein und ohne Unterkunft. Der Film zeigt ihren sehr, sehr holprigen Weg in ein bescheidenes Glück. Ein einfühlsamer, berührender, ermutigender Film über eine Frau, die in einer hoffnungslosen Lage das eigentlich Unmögliche schafft und ihr Schicksal wendet. Eine großartige Frau, ein großartiger Film.

„Mr. Turner“ verlässt eingetretene Pfade: Der Film erzählt weniger eine fortlaufende Geschichte, sondern bietet eher ein Kaleidoskop an Szenen, die nur teilweise inhaltlich zusammenhängen – ungewohnt, etwas irritierend, insgesamt aber keineswegs schlecht. Schließlich geht es darum, eine Persönlichkeit in ihrer Zeit und ihrer Welt zu beleuchten. Der Film zeichnet diese Persönlichkeit als seltsam und äußerst widersprüchlich, ob zu Recht, mögen Historiker entscheiden. Wie hier bereits MKT in einer treffenden Kritik angemerkt hat, geht leider aus dem Filmgeschehen nicht immer hervor, was manche der auftretenden Personen überhaupt mit Turner zu haben. Die Charaktere als solche allerdings, sei es Turners bedauernswerte Haushälterin oder ein hochnäsiger Adelssprössling, sind in ihrem Erscheinungsbild, ihrem Auftreten und ihrer Ausdrucksweise ebenso glaubwürdig wie die meinem Eindruck nach auch atmosphärisch sehr gelungene Darstellung der Welt des frühen bis mittleren 19. Jahrhunderts.

Es kommt selten vor, dass, wie hier, der deutsche Filmtitel einfühlsamer ist als der englische Originaltitel. John May (Eddi Marsan, passender kann man eine Rolle nicht besetzen) organisiert als städtischer Angestellter die Bestattungen derjenigen, die vereinsamt und zumeist verarmt gestorben sind. Jeder dieser Fälle berührt ihn persönlich, wohl auch deswegen, weil John May Parallelen zu seinem eigenen, einsamen Leben sieht. Ein sehr ruhiger, tiefgründiger, bewegender Film, trotz heiterer Momente alles andere als leichte Kost.

Meiner Meinung nach der bislang beste Spielfilm zum Thema Künstliche Intelligenz. "Ex Machina" glänzt durch spannende Dialoge und kann deshalb auf Actionszenen weitgehend verzichten. Hochinteressant, was sich in den Gesprächen zwischen Mensch und Maschine abspielt, ohne dass man dies gleich durchschaut; die Entwicklungen in der zweiten Filmhälfte waren für mich jedenfalls nicht vorhersehbar und überraschend. Den berühmten Turing-Test hätte die Künstliche Intelligenzbestie übrigens trotz allem nicht bestanden, obwohl dies im Film als selbstverständlich vorausgesetzt wird: Sie hat sich schon bei einer der ersten an sie gerichteten Fragen als Maschine geoutet.

Eine der besten französischen Komödien. Kein Klamauk, sondern ein zumeist feinsinniger Humor, ein einfühlsamer, herrlich komischer Film, der eine beschwingte Atmosphäre vermittelt. Es ist kein Kunststück vorherzusagen, dass die junge Hauptdarstellerin Louane Emera am Anfang einer großen Karriere steht.

Kein Actionfilm, eher ein Film noir. Für einen Gangsterfilm gibt es erfreulich wenige Gewaltszenen bzw. Schießereien, die Freigabe ab 12 Jahren ist trotzdem daneben. Spannung erzeugen Atmosphäre und Dialoge sowie am Ende die überraschende Erkenntnis, dass einer der Protagonisten von ganz anderem Kaliber ist, als man annehmen musste. Einen dicken Pluspunkt gibt es dafür, dass der Film, unerwartet in diesem Genre, aber gelungen in den Plot integriert, für den Tierschutz Stellung bezieht.

Drei junge Frauen entwickeln unabhängig voneinander praktisch gleichzeitig im selben Gebiet im Grunde dieselben Symptome einer so schweren Geisteskrankheit, dass sie nicht einmal mehr den elementarsten Bedürfnissen ihres Körpers nachkommen können. Das ist ganz schön dick aufgetragen und vor allem deshalb schade, weil der Film ansonsten durchaus Besonderes zu bieten hat, vor allem in Gestalt von Tommy Lee Jones und Hilary Swank. Die genretypischen Schusswechsel spielen in diesem Western eine untergeordnete Rolle, im Vordergrund steht der intellektuelle Zweikampf der beiden Protagonisten, der sich unmerklich dramatisch zuspitzt. Für drei gewöhnliche Sterne erscheint mir ‚The Homesman’ zu ungewöhnlich, vier Sterne sind angesichts der logischen Defizite zugegebenermaßen ein wenig geschmeichelt.

Einem britischen Psychiater wächst sein Beruf ebenso über den Kopf wie die Beziehung zu seiner Freundin: Er gönnt sich eine Auszeit und versucht, auf einer Reise über drei Kontinente dem nachzuspüren, was man Glück nennt. Und damit er nicht gleich wieder vergisst, was er über das Glück in Erfahrung gebracht hat, notiert er seine Erkenntnisse ("Glück ist, wenn ...") sorgfältig in einer Kladde. Der Film bietet angenehm leichte, teilweise auch spannende Unterhaltung mit einem erfrischenden Schuss Humor, tiefschürfende philosophische Betrachtungen über das Glück als solches bleiben dem Zuschauer glücklicherweise erspart. Meiner Meinung nach fehlt in Hectors Kladde als wichtigster Eintrag: "Glück ist, wenn du auf der Suche nach dem Glück überfallen wirst und gerade noch mit dem Leben davonkommst." Mit vier Glückssternchen kann der Film glücklich sein, dreieinhalb hätten es auch getan.

Eine erneut oscarreife Leistung von Emma Thompson, hier als Buchautorin Mrs. Travers. Eine schrullige, schroffe Britin, die zum großen Vergnügen des Zuschauers keine Gelegenheit auslässt, ihre Gesprächs- und Geschäftspartner runterzuputzen, ist auf Kollisionskurs mit dem lockeren US-amerikanischen way of life. Doch nach und nach erkennt man, dass es um weit mehr geht als um scharfzüngige Wortgefechte: Die Autorin, das enthüllen die Rückblenden Schritt für Schritt, hat in ihrem Buch "Mary Poppins" traumatische Ereignisse ihrer Kindheit verarbeitet. Der Film bietet eine gelungene Kombination aus Komik und Tragik. Man sollte nicht gleich ausschalten, wenn der Abspann beginnt: Es folgen amüsante Original-Tondokumente.

Ein spannendes, schnörkelloses Racheepos ohne unnötigen Tiefgang bei der Darstellung der Charaktere. Das Böse tritt mit Bibel und Kreuz auf, so etwas soll es geben. Ed Harris hat eine Paraderolle als sonderbarer Sheriff; schon für seinen skurrilen Part lohnt es sich, den Film zu sehen.

Auch die zweite Staffel bietet anspruchsvolle Unterhaltung, sie ist fesselnd und überraschend. Der überragende Star ist Claire Danes, sehr überzeugend in ihrer Rolle als manisch-depressive CIA-Agentin Carrie. Das Thema der Serie, die Bedrohung der freien Welt durch gewalttätige Islamisten, ist im Wortsinn brisant und hoch aktuell. Die muslimischen Terroristen allerdings taktieren im Film allzu clever: Dass es von religiösem Wahn getriebene Gotteskrieger sein sollen, nimmt man ihnen nicht ab; sie agieren geschickt wie Mossad-Agenten. Der Spannung tut das keinen Abbruch.

Ein atemberaubender und sehr brutaler Thriller in düsterer Atmosphäre, der keinem üblichen Krimimuster folgt. Ein Ermittler (absolut überzeugend: Jake Gyllenhaal) verzweifelt an seiner Aufgabe, im Wettlauf gegen die Zeit das Verschwinden zweier kleiner Mädchen aufklären zu müssen. Der Vater eines der Mädchen fühlt sich im Stich gelassen und nimmt eigene "Recherchen" auf. Die Lösung des Falles ist überraschend und bizarr, aber keineswegs absurd: Wenn Menschen sich den Verstand vernebeln lassen, fällt Wahnsinn leicht auf fruchtbaren Boden.

Ein hoch spannendes Drama um einen Piratenangriff auf die "Maersk Alabama". Die Filmhandlung ist eng an die tatsächlichen Ereignisse angelehnt - mit dem kleinen, aber nicht gerade feinen Unterschied, dass der Kapitän im Film offenbar zu Unrecht glorifiziert wird (siehe den Wikipedia-Artikel "Maersk Alabama", den man wegen Spoiler-Gefahr erst nach dem Anschauen des Films lesen sollte). Tom Hanks ist großartig, absolut überzeugend, wie er beispielsweise die Reaktion auf ein traumatisches Erlebnis darstellt. Und während man sich als Zuschauer immer tiefer in das chaotische Geschehen an Bord hineinziehen lässt, kann man leicht vergessen, dass die Filmpiraten in Wirklichkeit Schauspieler sind.

Als ein ehemaliges Mitglied einer Untergrundbewegung verhaftet wird, werden die früheren Aktivisten, die Jahrzehnte unter neuen Identitäten gelebt haben, von ihrer Vergangenheit eingeholt. Erstklassig besetzte Rollen, Spannung ohne Schusswechsel oder sonstige Gewaltszenen, keine Schwarzweißmalerei, kein gut oder böse, stattdessen in scharfsinnigen Dialogen sorgfältig ausgeleuchtete Motive.

Schweden zu Beginn des Zweiten Weltkriegs, Nazi-Deutschland hat weite Teile Skandinaviens besetzt. Die Schicksale zweier Familien, einer schwedischen und einer aus Deutschland emigrierten jüdischen (großartig: Jan Josef Liefers als Familienvater), verbinden sich. Simon und Isak, die Söhne dieser Familien, erkennen, dass der Vater des jeweils anderen ihre Fähigkeiten und Begabungen weit besser fördern kann als der eigene Vater; innerfamiliäre Konflikte sind damit unabwendbar. Ungleich dramatischer jedoch ist die Bedrohung beider Familien durch die nationalsozialistische Rassenideologie. Ein stimmungsvoller und tiefgründiger Film - tragisch, zugleich aber voller Hoffnung. Im Übrigen stimme ich der Rezension von DerAmi zu, der hier mutig demonstriert, dass man deutschsprachige Inhalte auch dann überzeugend vermitteln kann, wenn man als "non-native speaker" in der deutschen Grammatik noch nicht perfekt ist.

Einer der besten Hitchcock-Filme - wenn auch nicht vom Master of Suspense, dem (Welt-)Meister der Spannung, sondern über ihn. Der Film verbindet geschickt die Entstehungsgeschichte des Thrillers 'Psycho' mit 'Hitchs' Beziehung zu seiner Frau Alma, dargestellt von der unvergleichlichen Helen Mirren. Eine Beziehung, die charakterisiert ist durch eine explosive Mischung aus Wertschätzung, Eifersucht, Bosheiten und eine vor allem auch beruflich sehr weitgehende Abhängigkeit Alfreds von Alma. Die pointierten Dialoge zwischen den beiden sind ein Hochgenuss. Ebenso köstlich sind die Einblicke in die Verfilmung von 'Psycho': Hitchcocks Obsession, den Film gegen alle Widerstände realisieren zu müssen, sein über das berufliche Interesse hinausgehendes Faible für blonde Schauspielerinnen, der Kampf gegen eine allmächtige Zensurbehörde, Hitchcocks bizarre Vorbereitungen für den Filmstart. Das alles macht 'Hitchcock' zu einem überaus empfehlenswerten Filmvergnügen.

Wohl kein anderer Film bietet eine solche Fülle an köstlicher Situationskomik. Die siebzehnjährige Tochter einer etwas seltsamen, aber durch und durch sympathischen Familie verhält sich als Folge ihres Tourette-Syndroms in sozialen Situationen oft so, wie sie auf gar keinen Fall reagieren sollte. Und das ist unglaublich komisch. Schon Evas Mimik, wenn sie ihre Ticks zu unterdrücken versucht, ist grandios. Dann diese unglaublichen verbalen Ausfälle ... Dabei macht sich der Film keineswegs über eine Behinderung lustig - ganz im Gegenteil: Gerade wegen ihrer Behinderung wächst einem Eva schnell ans Herz. Die überdrehte Story der Komödie ist eigentlich Nebensache. Es gibt wenige Filme, die ich ein zweites Mal sehen möchte, dieser gehört ohne wenn und aber dazu.

Warum dieser Film hier derzeit im Schnitt nicht mal 2 Sterne hat, lässt sich wohl nur so erklären, dass die Zuschauer ein anderes Filmgenre erwartet haben: 'Love is all you need' ist keine Komödie in dem Sinn, dass reichlich Situationskomik geboten würde. Als Drama und Lovestory braucht sich der Film überhaupt nicht zu verstecken. Stiller Star ist die sympathisch agierende Trine Dyrholm, eindrucksvoll und überzeugend in ihrer Rolle als krebskranke Mutter der Braut. 'Love is all you need' ist ein weitgehend ruhiger, emotionaler, keineswegs oberflächlicher Film, der vorwiegend in einem landschaftlich reizvollen, sonnendurchfluteten italienischen Ambiente spielt.

Ein bemerkenswertes Psychodrama mit der großartigen Helen Mirren. Ungarn Anfang der sechziger Jahre: Schriftstellerin Magda und ihr Mann engagieren eine ältere Nachbarin als Haushaltshilfe. Die Nachbarin zeigt ein bizarres Verhalten: herrschsüchtig, abweisend und zugleich überfürsorglich. Nach und nach gewährt sie Magda Einblicke "hinter die Tür", in ihre traumatische Vergangenheit. Helen Mirren beweist in dieser schwierigen Charakterrolle erneut, dass sie eine der bedeutendsten Schauspielerinnen der Gegenwart ist.

Ein bewegender Film über das tragische Schicksal eines Kindes und eine anrührende Freundschaft zwischen Mensch und Wolf. Ein Junge wird zur Zeit der Franco-Diktatur aus seiner Familie gerissen und muss bei einem Ziegenhirten in einer Felshöhle in den Bergen hausen. Dort gewinnt er das Vertrauen eines Wolfsrudels. Ein Film mit herrlichen Tier- und Landschaftsaufnahmen, ein eindrucksvolles Plädoyer für den Wolf – auch wenn man nicht alles, was an Wolfsverhalten gezeigt wird, für bare Münze nehmen sollte. Der Film enthält Szenen, die für sechsjährige Kinder ungeeignet sind.

Eine überaus gelungene Hommage an die Filmikone des 20. Jahrhunderts. Michelle Williams taucht tief und überzeugend in ihre schwierige Rolle der zerbrechlichen und zerrissenen Persönlichkeit Marilyns ein. Ein fesselnder, emotionaler und amüsanter Film mit einem angenehm zurückhaltend agierenden Eddi Redmayne als Marilyns Begleiter Colin. Ein Film, der köstliche Einblicke in die 1956 am Set in England herrschende Atmosphäre und in die teilweise chaotisch verlaufenden Dreharbeiten gewährt. Auch wenn das Filmgeschehen zu großen Teilen nicht authentisch sein mag: Marilyn Monroe, das sei hier dreist spekuliert, hätte sich in diesem Film wiedergefunden.

Ein anspruchsvolles und mitreißendes Drama über den Umgang mit Gewalt und Tod. Elias wird von Mitschülern gemobbt, ein Klassenkamerad verteidigt ihn mit rabiaten Mitteln. Zwischen den Jungen, beide aus zerstörten Familien, entwickelt sich eine verhängnisvolle Freundschaft. Währenddessen kämpft der Vater von Elias, Arzt und überzeugter Pazifist, in einem afrikanischen Flüchtlingslager um das Leben von Frauen, die unvorstellbar grausamer Gewalt ausgesetzt waren (FSK! Also bitte …). Ein bemerkenswerter Ausnahmefilm, psychologisch einfühlsam, atemberaubend, beklemmend, aber mit hoffnungsvoller Perspektive.

Ein verheirateter Geschäftsmann, dessen Tochter ums Leben gekommen ist und dessen Ehe am Abgrund steht, entwickelt väterliche Gefühle für eine minderjährige Prostituierte und will sie von ihrem Weg abbringen. Ein sehenswertes Psychodrama, das den Zuschauer psychologisch fesselt und kaum Sex- oder Gewaltszenen enthält. Erstaunlicherweise hat die sonst wenig zimperliche FSK diesen Film erst ab 16 freigegeben, offenbar weil es verbal ganz schön derb zur Sache geht.

Der Portier eines Wohngebäudes offenbart eine sehr dunkle Seite seiner Seele und versucht mit unglaublich perfiden Mitteln, das Leben einer jungen Frau zu zerstören. Dieser Psychothriller erinnert an Hitchcock-Filme: Jemand wird ohne eigenes Verschulden mörderischen Ereignissen ausgesetzt, die Handlung beginnt recht gemächlich und eskaliert dann zu dramatischen Höhepunkten. Eher nicht für Leute geeignet, die unter Schlafstörungen leiden.

Ein norwegischer Headhunter legt seine Klienten rein, gerät dabei an den Falschen und muss feststellen, dass jetzt auf seinen eigenen Kopf Jagd gemacht wird. Eine mörderische Auseinandersetzung mit etlichen Kollateralschäden ist die Folge. Ein clever gemachter, spannender Thriller mit überraschenden Wendungen. Ob die Ereignisse realitätsnah sind, hinterfragt man besser nicht – und beim Abendessen sollte man den Film auch nicht schauen.

Skurril, chaotisch, komisch, mit herrlichem Soundtrack. Zwei zwölfjährige Außenseiter, cool wie Erwachsene und doch sympathisch, entdecken ihre Liebe für einander und fliehen in die Wildnis einer Inselwelt. Ein köstlich verrückter Film, angenehm leichte Unterhaltung, aber nicht ganz ohne Tiefgang.

J. Edgar Hoover – was an diesem verbiesterten Kommunistenhasser und Schlafzimmerverwanzer mit seinen mausgrauen Anzügen könnte schon so bemerkenswert sein, dass man ihm einen hochkarätig besetzten Film widmen sollte … Überraschenderweise ist "J. Edgar" eine spannende Charakterstudie über eine hochinteressante, facettenreiche Persönlichkeit, die ein halbes Jahrhundert eine der einflussreichsten US-Behörden geprägt hat. Selbstverständlich basiert der Film großenteils auf künstlerischer Freiheit, es ist schließlich kein Dokumentarfilm. Die kriminalistische Arbeit des FBI spielt konsequenterweise nur dann eine Rolle, wenn dies zur Erhellung der Persönlichkeit Hoovers von Bedeutung ist. Warum allerdings der Mord an John F. Kennedy, eines der "Jahrhundertverbrechen" auf US-amerikanischen Boden, im Film nur beiläufig gestreift wird, ist schwer nachzuvollziehen. Leonardo DiCaprio jedenfalls zeigt in "J. Edgar" eindrucksvoll, dass er einer der besten Schauspieler unserer Zeit ist.

Eine ergreifende Hommage an jene Millionen Pferde, die ebenso wie zahllose andere Tiere vom Menschen für seine Kriege missbraucht und gnadenlos in Schlachten "verheizt" wurden. Der Film schildert aufwühlend und manchmal etwas rührselig die Geschichte eines dieser Kriegspferde, würdigt mitfühlende Menschen unter den einfachen Soldaten und Offizieren, die in den Pferden kein Kriegsgerät sehen, denen das Schicksal der Tiere nicht einerlei ist. Zu den dramatischen Höhepunkten des Filmes gehört eine bewegende Szene, in der ein englischer und ein deutscher Soldat – eben noch erbitterte Feinde – todesmutig aus ihren Schützengräben steigen, um gemeinsam das im Stacheldraht verhedderte Pferd zu befreien. Eine Szene, die zu schön ist, als dass sie jemals hätte wahr sein können, aber eine Szene von eindringlicher Symbolkraft: Zwei junge Männer, die genauso wenig auf das Schlachtfeld gehört hätten wie das hilflose Pferd, werden inmitten des sinnlosen Tötens für einen Augenblick zu Verbündeten, um einem leidenden Tier zu helfen.

Ein spannendes Psychodrama mit überzeugenden Akteuren. Ein Familienvater sieht Katastrophenszenarien, die er nicht einzuschätzen weiß: Sind sie Zeichen einer beginnenden Psychose, oder hat er die prophetische Gabe, heraufziehendes Unheil vorherzusehen? Er begibt sich in ärztliche Behandlung, trifft aber gleichzeitig rücksichtslos und besessen Vorkehrungen für eine Unwetter-Katastrophe, stürzt sich und seine soziale Umwelt dadurch ins Chaos. Einzig der Schluss dieses kaum durch Trickeffekte, sondern vor allem psychologisch fesselnden Filmes ist ein wenig enttäuschend: Den Abspann hätte man sich an dieser Stelle nicht gewünscht.

Ein finnisches Roadmovie: drei Freunde auf einer skurrilen Tour durch die Polarnacht. Sympathische Charaktere, verrückte Begegnungen, gelungene Gags einschließlich einer köstlichen Schlusspointe, manchmal ein bisschen brutal, aber kein bisschen stupide. Und irgendwie sind die Drei auf ihrer kompromisslosen Jagd nach der "Digibox" das tatsächlich: Helden des Polarkreises. Gute Unterhaltung!

Ein ganz besonderer Film, der den Zuschauer nicht zuletzt wegen der intelligenten Dialoge von Anfang an in seinen Bann zieht. Die Schicksale zweier iranischer Familien, die beide aus verschiedenen Gründen am Abgrund stehen, werden durch eine scheinbar harmlose Auseinandersetzung auf dramatische Weise miteinander verknüpft. Der Film bietet neben anspruchsvoller Unterhaltung hochinteressante Einblicke in das Leben im Iran. Ob allerdings die Rechtsprechung in einem muslimischen Gottesstaat wirklichkeitsnah dargestellt ist, ob dort beispielsweise die Aussage einer Frau vor Gericht tatsächlich denselben Beweiswert hat wie die eines Mannes, sei dahingestellt.

Ein einfühlsamer und bewegender Film über eine Ost-West-Liebe, an der die innige Beziehung von Zwillingsschwestern zueinander, aber auch ihre Karrieren als DDR-Sportlerinnen zu zerbrechen drohen. "Westwind" kommt weitgehend ohne äußerliche Spannungsmomente aus und hat wohl deshalb hier eine bislang eher bescheidene Durchschnittsbewertung erhalten. Der Film lebt von seiner inneren Dramatik, langweilig fand ich ihn keine Minute, die schauspielerische Leistung der beiden Hauptdarstellerinnen ist überragend. Interessante Details kann man dem ausgezeichneten Kommentar der Video-Buster-Redaktion entnehmen.

Ein mitreißendes Drama um einen düsteren Ort am lichtdurchfluteten Strand der estländischen Ostsee – angesiedelt in einer historischen Zeit, über die zumindest hierzulande die wenigsten etwas wissen und die uns deshalb ebenso fremd erscheint wie das architektonisch bizarre Gut Poll. Hier führt Odas Vater seine makaberen anatomischen Sektionen durch. Erst die aus Berlin anreisende Oda bringt Leben in diesen vom Tod geprägten, erstarrten Ort, dessen Bewohner die Zeichen der Zeit nicht zu deuten wissen. Ein Film von beklemmender atmosphärischer Dichte, atemberaubend, mit pointierten Dialogen, bei denen man manchmal ganz genau hinhören muss, um die Sprecher zu verstehen. Ein Film, der einen so schnell nicht wieder loslässt, sehr empfehlenswert. – Die FSK allerdings ist mal wieder allzu freigebig: Zwölfjährige sollten nicht zur Zielgruppe gehören.

Offenbar finden Freunde des Balletts tendenziell weniger Gefallen an "Black Swan" als andere: Ich jedenfalls habe ein packendes Drama gesehen, wenngleich mit nicht allzu sorgfältig ausgefeilten Charakteren. Irritierend ist allerdings, dass der Zuschauer nicht zwischen Wahn und Wirklichkeit im Leben der Protagonistin zu unterscheiden vermag. Auch deshalb überrascht mich, dass manche Rezensenten den Schluss vorhersehen konnten. Alles in allem ein lohnender Film: vielleicht nicht überragend, aber doch kurzweilig, streckenweise atemberaubend und auf jeden Fall "better than average".

Amüsante Gaunergeschichte mit drei weiblichen Protagonisten – humorvoll, gewaltfrei, originell. Mit dieser sympathischen Bande lässt man sich gern auf einen Bankraub ein, der eigentlich gar keiner ist. Angesichts einer derart kurzweiligen Unterhaltung verzeiht man dem Drehbuchautor leicht, dass nicht alles so ausgeht wie im richtigen Leben.

Schön skurril, mit herrlich schrägen Typen, zusammengebastelt aus parodistischen Anspielungen auf Filmklassiker wie "12 Uhr Mittags" und "Chinatown". Wer eine stimmige Geschichte erwartet, wird allerdings enttäuscht. Denn ein logischer Handlungsverlauf spielt für diesen technisch brillanten Film, der eher eine Collage ist, eine untergeordnete Rolle. Das mag man als Manko empfinden, muss man aber nicht, man kann es auch für konsequent halten. Da die FSK-Einstufung offenbar häufig missverstanden wird: "Ab 6 Jahre" bedeutet lediglich, dass Eltern ihre mindestens sechsjährigen Kinder nicht aus dem Zimmer zu schicken brauchen, wenn der Film läuft. Die FSK prüft nicht, ob Kinder des betreffenden Alters dem Filmgeschehen folgen können.