Dialogstarke Suche nach der Wahrheit.

War er es? Oder war er es nicht? Darum geht es in Simon Kaijser Da Silvas Film -Spinning Man-. Eine Studentin wird vermisst und später tot aufgefunden. Der Uniprofessor Dr. Birtch(Guy Pearce) gerät unter Verdacht, doch hieb und stichfeste Beweise gibt es nicht. Der Ermittler Malloy(Pierce Brosnan) fügt die Puzzleteile des Falls zusammen, die jedoch kein Bild ergeben. Birtchs Frau Ellen(Minnie Driver) steht zu ihrem Mann und misstraut ihm doch. Es beginnt ein Verwirrspiel, bei dem es keine Gewinner gibt.

-Spinning Man- ist mit Sicherheit nicht jedermanns Sache. Handlungsarm, wortgewaltig, mit unsortierten Rückblenden und jeder Menge Interpretationsspielräumen. Wer auf Action oder Thriller steht, ist hier vollkommen falsch. Bei -Spinning Man- geht es um Sprache, die Realität, Wahrnehmungen und die Wahrheit. Aber: Auch das kann unterhaltend sein.

Pierce Brosnan und Guy Pearce füllen ihre Rollen perfekt aus. Das erinnert eher an Hitchcock als an Besson. Wer auf intellektuelles, gut inszeniertes Kino steht, der sollte sich den Film anschauen. Wer mit handlungsarmen Filmen nicht klar kommt, sollte die Finger von -Spinning Man- lassen.

Immer noch eine starke Geschichte.

Auch 45 Jahre nach Michael Winners -Ein Mann sieht rot- mit dem unvergessenen Charles Bronson in der Hauptrolle, ist die Geschichte vom einsamen Rächer, der in der Unterwelt aufräumt noch immer ein Bringer. In -Peppermint- nimmt Jennifer Garner(Riley North) die Rolle von Charles Bronson ein. Der Rest bleibt gleich. Nachdem die Familie von Riley getötet wurde und die Verbrecher Dank korrupter Richter und Polizisten freikommen, setzt Riley 5 Jahre später einen Rachefeldzug an, der seines Gleichen sucht.

Pierre Morel hat seinen -Peppermint- knallhart, skrupellos und doch hier und da sogar mit einer Prise Humor inszeniert. Die Story ist einfach, Gut und Böse klar verteilt, große Überraschungen gibt es nicht. Braucht es auch nicht. Die Geschichte, und vor allem Jennifer Garner, tragen den Plot mühelos von A bis Z. Das mag brutal und klischeehaft sein, aber in Sachen Actionfilm ist das hervorragende Unterhaltung.

Fazit: Man muss das Kino nicht neu erfinden, um einen guten Film zu machen. -Peppermint- ist dafür ein verdammt gutes Beispiel.

Film und Musik ab! Perfektes Kino!

Ich werde es nie verstehen. Filme wie -La La Land-, die sicher gut gemacht sind, heimsen Oscars ein, und Filme wie -Anna und die Apokalypse-, die fast keiner kennt, sind um Klassen kreativer, unterhaltsamer, cleverer und vor allem: Frischer. Was John McPhail da auf die Filmrolle gezaubert hat, ist anders als alles, was man bisher gesehen hat. Ein Mischmasch aus -Shaun of the Dead-, der Rocky -Horror Picture Show- und George Romeros -Zombie-. Eigentlich geht so etwas gar nicht, aber hier funktioniert es perfekt. Gute Story, brillante Musik, toller Plot. Für mich: Ganz großes Kino!

Anna(Ella Hunt) freut sich mit John(Malcolm Cumming) auf die Weihnachtsfeier in der Schule. Auch wenn der griesgrämige Schulleiter Savage(Paul Kaye) einem die Freude verderben kann. Doch während die Party steigt, weitet sich eine tödliche Seuche im Land aus. Die Menschen verwandeln sich in Zombies. Aus der Abschlussfeier wird ein lebensgefährlicher, und ziemlich blutiger, Wettlauf ums eigene Leben. Anna will nur zu ihrem Vater(Mark Benton). Doch der Weg ist weit und tödlich.

Seit -Wo die wilden Menschen jagen- hat mich kein Film mehr so positiv überrascht. -Anna und die Apokalypse- hat alles, was Filmzuschauer wie mich begeistert. Wenn sie diesbezüglich nur ein bisschen so ticken wie ich, schauen sie sich das UNBEDINGT an! Sie würden sonst etwas verpassen glauben sie mir…

Und noch Mal Lisbeth Salander…

… war mein erster Gedanke nach Vicky Jewisons -Close-. Noomi Rapace ist eine hervorragende Schauspielerin und wird in Jewisons Film leider wieder nur auf ihre erfolgreichste Rolle reduziert. Im Filmbusiness ist so etwas selbstverständlich. Aber in Filmen wie -What happend to Monday- konnte man sehen, dass es auch anders geht. -Close- ist charakteristisch zweidimensional angelegt. Gut und Böse klar getrennt. Vorhersehbar und manchmal unlogisch. Spannend und actionreich, aber nicht komplett durchdacht. Krimikost im 08/15-Modus. Nicht schlecht, aber auch nicht wirklich gut. Durchschnitt.

Die Personenschützerin Sam(Noomi Rapace) soll die schwerreiche Tochter eines verstorbenen Industriellen bewachen. Zoe(Sophie Nelisse) ist ein verhätscheltes großes Kind, das seine Stiefmutter hasst. Die will das Familienimperium an sich ziehen. Als Zoe in Marokko entführt werden soll, muss Sam mit ihr fliehen. Die ungleichen Frauen müssen zusammenarbeiten, um zu überleben. Für beide ist das alles andere als einfach…

Wie gesagt: Kann man sich anschauen, muss man aber nicht. In -Close- gibt es nichts, was wir woanders nicht schon besser, aber auch schlechter gesehen haben. Fans von Noomi Rapace sollten sich den Film anschauen. Fans von cleveren Krimis eher nicht.

Noch immer extrem unterhaltsam.

Für die 8. Staffel einer Serie ist das ein großes Kompliment. Allerdings bin ich mir sicher: Mit den Charakteren von Shameless geht noch jede Menge mehr. Hier treffen exquisite Drehbücher auf starke Schauspieler. All das zusammen ergibt einen Mix, der aus Shameless eine ganz besondere Serie macht. Ich weiß mittlerweile nicht mehr, welchen Charakter der Gallaghers ich am tiefsten in mein Herz geschlossen habe.

Frank(William H.Macy) will endlich ein ehrlicher Mann werden. Er nennt sich zu Francis um, wird fast ein Heiliger und verfällt dann wieder in alte Verhaltensmuster. Fiona(Emmy Rossum) gibt als Hausbesitzerin eine gute Figur ab. Ihr Liebesleben ist wie immer kompliziert. Debbie(Emma Kenney) will Karriere als Schweißerin machen. Carl(Ethan Cutkosky) will wieder auf die Militärschule, muss aber erst eine verrückte Freundin loswerden. Lip(Jeremy Allen White) ist noch immer in Sierra verliebt und bemüht sich krampfhaft trocken zu bleiben. Ian(Cameron Monaghan) ist wieder verliebt und wird zu einer Art Jesus. Dann sind da natürlich noch Kev(Steve Howey) und Veronica(Shanola Hampton), die mit ihrer Bar Achterbahn fahren. Bei all dem Durcheinander ist nur eins gewiss: Die Gallaghers kommen irgendwie durch…

Ich liebe diese Serie. Viel verrückter geht es nicht. Ich kann nur hoffen, dass wir demnächst wieder von den Gallaghers hören werden. Sie würden mir ansonsten sehr fehlen.

Gott macht keine Fehler.

Als die Wissenschafterin, und ehemalige Soldatin, Lina(Natalie Portman) in den Schimmer eintaucht, kann sie daran nicht mehr glauben. Eine fremde Kraft hat Teile eines Naturschutzgebietes in einen menschenfeindlichen Raum verwandelt. Dort scheinen die Naturgesetze nicht mehr zu gelten. Linas Mann Kane(Oscar Isaac) ist in diesem Schimmer verschwunden. Jetzt folgt ihm Lina mit einem Team aus Wissenschaftlerinnen, um die fremde Kraft zu erforschen. Noch nie kehrte jemand aus dem Schimmer zurück. Es scheint, als würden die Frauen das gleiche Schicksal erleiden. Doch sie gelangen zur Quelle des Schimmers…

Alex Garland hat gut gemachtes Science-Fiction Kino auf die Leinwand gebannt. Vor Kulissen, die an Bilder von Salvador Dali erinnern, lässt er seine Protagonisten agieren. Das gelingt bis zum Ende spannend und überzeugend. Am Schluss scheitert Garland und gibt die Kontrolle ab. Der Film verliert sich in verschwurbelten Bildern, die an -2001: Odyssee im Weltraum- erinnern und wenig Sinn ergeben. Das schwächt den wirklich guten Gesamteindruck.

Für Science Fiction Fans ist -Auslöschung- sicher nicht die schlechteste Wahl. Der Film hat eine gute Spannungskurve und in geschickt gesetzten Rückblicken rückt man dem Ende näher. Das ist, meiner Ansicht nach, leider misslungen. Aber: Entscheiden sie selbst.

Tucker Crowe kehrt zurück.

Seit mehr als 20 Jahren hat man vom amerikanischen Musiker Tucker Crowe(Ethan Hawke) nichts mehr gehört. Doch für seine Fans ist der Mann eine Legende. Im englischen Sandcliff sitzt mit Duncan(Chris O’Dowd) Tuckers größter Fan. Zum Leidwesen von Duncans Freundin Annie(Rose Byrne). Die hat Duncans verrückte Tucker-Verehrung satt. Als ein Demo Band von Tuckers ersten Album auftaucht, schreibt Annie eine vernichtende Kritik auf Duncans Fan-Website. Das führt dazu, dass die Beziehung Duncan-Annie zerbricht und Annie im Netz Bestätigung findet; ausgerechnet vom verschollenen Tucker Crowe. Ab da beginnt eine wirklich verrückte Geschichte…

Verfilmungen von Nick Hornby Romanvorlagen sind immer interessant. Bei -Juliet Naked- sollte man nicht zu viel erwarten. Mit -High Fidelity- kann dieser Stoff nicht mithalten, aber: Der Film entwickelt sich! Was sperrig und hakig anfängt, gleitet ab dem ersten Kontakt Tucker-Annie in eine richtig gute Story, die immer besser wird. Auch das Ende von Jesse Peretz Film hat mir extrem gut gefallen. Genauso, wie der unbeschreiblich gute Soundtrack und das herrliche Schauspiel von Ethan Hawke und Rose Byrne.

Schauen sie rein in -Juliet Naked- und lassen sie sich einfach überraschen. Mich hat dieser Film nach und nach mitgenommen und dafür gesorgt, dass ich mich von Minute zu Minute besser habe unterhalten lassen.

Die Sterne über San Francisco.

Die gibt es für den 74jährigen Rory MacNail(Brian Cox) nicht zu sehen. Anders als über der kleinen schottischen Hebrideninsel, von der Rory stammt. Doch jetzt trifft er, nach mehr als 15 Jahren, seinen Son Ian(JJ Feild) in San Francisco wieder. Vater und Sohn verstehen sich nicht. Ians Frau Emily(Thora Birch) hat nur ihren Job im Kopf und Ian hat zu Hause nichts zu melden. Was Ian nicht weiß: Rory ist nur in der Stadt, weil er krank ist und eine Untersuchung beim Spezialisten braucht. So treffen Welten aufeinander und ein Streit jagt den nächsten. Doch da ist noch Enkelkind Jamie. Der kleine Junge kann zwar noch nicht laufen, aber Rorys Herz erobert er im Sturm. Das verändert alles…

Ein Herz-Schmerz-Schmonzette mit herrlichen Landschafts- und Stadtaufnahmen haben Oded Binnun und Mihal Brezis auf die Filmrolle gebannt. Sicher kein Meisterwerk, aber ein ordentlicher Familienfilm. Zwar mit vorhersehbarer Story, aber auch einem wunderbar agierenden Brian Cox als absolutem Mittelpunkt der Produktion. In den Nebenrollen punktet -Das etruskische Lächeln- mit Namen wie Rosanna Arquette, Treat Williams und Peter Coyote.

Für einen entspannten Abend vor dem Bildschirm ist Brian Coxs Ausflug in die große Stadt eine gute Wahl. Die unterhaltsame Geschichte hat sicher nicht das Zeug, um Filmpreise einzuheimsen, aber sie nimmt den Zuschauer mit. Allein das, schaffen nicht viele Filme.

Jurassic Park trifft den Weißen Hai.

Und mittendrin rettet Jason Statham(Jonas Taylor) alles, was nicht schnell genug aus dem Wasser kommt. Damit ist die Story von Jon Turtletaubs Actionstreifen -Meg- eigentlich schon erzählt. Letztendlich dreht sich der gesamte Streifen um die Präsenz von Jason Statham und der spielt seine Rolle(wie immer) gut. Über Drehbuch, Plot, Dialoge und starke Charaktere braucht man sich dann keine Gedanken mehr machen. Die sind mehr oder weniger unwichtig. Wer auf Statham steht, kann sich das anschauen. Wer nicht, sollte es lieber lassen.

Auf einem Forschungslabor auf hoher See kommt es zu einem Unfall. Ein Tauchboot sitzt in über 11.000 Metern Tiefe fest, weil es von einer unbekannten Kreatur angegriffen wurde. Der Rettungsspezialist Taylor wird geholt, um die Crew des Tauchboots zu retten. Dabei muss er feststellen, dass in der Tiefe des Meeres noch ein Megalodon, ein riesiger Urzeithai, existiert. Der bahnt sich seinen Weg zur Oberfläche und versetzt die Menschheit in Angst und Schrecken. Jetzt kann nur noch Jonas Taylor helfen…

Popcornkino in reinster Form. Darauf müssen sie sich bei -Meg- einstellen. Ich fand es manchmal schon unfreiwillig komisch. Bis auf, natürlich… Jason Statham. Der war gut wie immer.

Meditativ schön!

Das trifft es, meiner Meinung nach. John Currans Verfilmung von Robyn Davidsons Geschichte ihrer Wanderung quer durch die australische Wüste lebt vor allem von überwältigenden Bildern. Im Jahr 1977 macht sich Robyn(Mia Wasikowska) auf, um den australischen Kontinent zu durchwandern. Die menschenscheue junge Frau hat ihren Hund Diggity und vier Kamele bei sich. Auf sie warten über 2700 Kilometer Hitze, Sand und Einsamkeit. Sporadisch wird sie vom Fotografen Rick Smolan(Adam Driver) aufgesucht, der für das Magazin National Geographics Fotos schießt. Ob Robyn ihren Trip erfolgreich abschließen kann, steht in den Sternen…

Was für eine Geschichte. Ruhig und bedächtig erzählt. Die Kamera ist als stiller Begleiter immer ganz nah dabei. Sie zeigt einen Menschen, der auf sich allein zurückgeworfen ist und eine Natur, die so ursprünglich ist, wie wir das kaum noch kennen. -Spuren- kommt ohne jeden Schnickschnack und Nebenschauplätze aus. Kurze Rückblicke in Robyns Leben werden passgenau eingefügt. Das hat John Curran wunderbar hinbekommen.

Spuren ist das genaue Gegenteil von Blockbusterkino. Wer das mag, wird von dem Film begeistert sein. Mich hat er jedenfalls komplett überzeugt.

Klassischer Horror im Stil von Jules Verne und Herman Melville.

Das ist die spanisch-französische Produktion -Cold Skin-. Regisseur Xavier Gens hat ganz sicher -Die geheimnisvolle Insel- und -Moby Dick- gelesen oder gesehen. Nach dem Roman -Im Rausch der Stille- von Albert Sanchez Pinols hat Gens einen atmosphärisch dichten, spannenden Film mit einfacher, aber wirkungsvoller Botschaft auf die Filmrolle gebannt. Im Mittelpunkt stehen nur drei Figuren. Der Leuchtturmwärter Gruner(Ray Stevenson), der Wetterbeobachter Friend(David Oakes) und die Fischfrau Aneris(Aura Garrido). Die Story und die Erzählstimme von Friend sorgen für einen angenehmen Grusel im Oldschool-Stil.

Der Wetterbeobachter Friend wird im September 1914 auf eine einsame Insel verfrachtet. Dort soll er ein Jahr Aufzeichnungen betreiben. Auf dem Eiland hält sich nur der Leuchtturmwärter Gruner auf. Schnell merkt Friend, dass mit Gruner etwas nicht stimmt. Als Friend nachts von seltsamen Fischwesen überfallen wird, muss er in den Leuchtturm fliehen. Dort muss er feststellen, dass Gruner eine Fischfrau als Gefährtin bei sich hat und den Fischkreaturen den Krieg angesagt hat. Friend kann nur bei Gruner bleiben, wenn er sich seinem Kampf anschließt. Doch Friend ist kein Krieger. Er versucht hinter das Geheimnis der Fischwesen zu kommen. Das bringt ihn in Lebensgefahr.

Vom Aufstieg und Fall der ganz großen Liebe!

Davon handelt Bradley Coopers -A Star Is Born-. Cooper hat Mut. Der Stoff wurde 1937 zum ersten Mal verfilmt. Es folgten Cover in den Jahren 1954 und 1976. Größen wie Barbra Streisand und Kris Kristofferson spielten unter anderem die Hauptrollen. Coopers Mut wurde belohnt. Er holt die Story in die Gegenwart und wagt es, mit Lady Gaga(Ally) eine Sängerin als Schauspielerin agieren zu lassen. Den männlichen Part des Sängers Jackson übernahm Cooper selbst. So entstand aus einem alten Stoff, besetzt mit einer Sängerin, die schauspielert, und einem Schauspieler, der singt, ein wunderbarer Film.

Jackson Maine ist ganz oben im Country- und Rockstar-Himmel. Der erfolgreiche Sänger hat nur ein Problem: Sich selbst. Drogen, Alkohol, Unzufriedenheit und Ruhelosigkeit treiben ihn. Nach einem Gig hört er in einer Bar die junge Ally singen. Jackson ist hin und weg. Er sucht den Kontakt zu Ally, lässt sie auf seinen Konzerten singen, verliebt sich haltlos und macht aus Ally einen Star. Alles scheint gut zu werden, doch Jacksons Sucht ist scheinbar stärker als die Liebe zu Ally. Als alles zu zerbrechen scheint, sucht Jackson den Ausweg…

Ein Stoff, der damals, heute, und auch in Zukunft begeistern wird. Bradley Cooper hat 130 Minuten feinsten Geschichtenstoff auf die Filmrolle gebannt. Zu Recht hagelte es Filmpreise, unter anderem einen Oscar und zwei Grammys. Sehens- und Hörenswert!

Liebe in den Zeiten von Mensch und Maschine.

Die zeigt uns Drake Doremus in -Zoe-. Wie schon in -Equals- interessiert Doremus was Geschöpfe miteinander verbindet. Hier lässt er zu, dass sich der Entwickler von synthetischen Menschen in eine seiner Schöpfungen verliebt. Doch Cole(Ewan McGregor) weiß, dass „seine“ Zoe(Lea Seydoux) kein Mensch ist. Zoe glaubt zunächst sie sei ein Mensch, bis Cole sie aufklärt. Zoes Liebe zu Cole wird von diesem nicht so erwidert, wie sich Zoe das vorstellt. Cole versagt auf ganzer Linie, als er sich Zoes Liebe stellen soll. So driftet die Beziehung an den Rand des Abgrundes…

Drake Doremus macht es sich nicht einfach. -Zoe- kommt schwerfällig in Gang und nimmt erst nach und nach an Fahrt auf. Zu surrealen Bildern gesellt sich ein traumhafter Soundtrack der perfekt passt. Ewan McGregor und Lea Seydoux spielen das tragische Paar Mensch/Maschine mit jeder Menge Herzblut. Der Plot behält seine Geheimnisse bis zum Schluss. -Zoe- ist alles andere als Blockbuster oder Popcorn-Kino. Der Zuschauer muss Geduld aufbringen. Doremus arbeitet mit sehr viel Gefühl, Ruhe und Beharrlichkeit. Nicht jedermanns Sache, aber auf jeden Fall ein sehr ambitioniertes Stück Film.

Zwei „Verlierer“ retten die Welt.

Eddie Brock(Tom Hardy) hat einen Job als Journalist und eine Beziehung mit Anne(Michelle Williams). Nachdem er eine Reportage über den Visionär Carlton Drake(Riz Ahmed) veröffentlicht, wird Eddie seinen Job und auch Anne los. Eddie ist am Boden, doch dann erfährt er Details über Drakes schmutzige Geschäfte. Drake will Symbionten, die aus dem All stammen, in menschliche Körper „pflanzen“. Als Eddie der Sache nachgeht, landet der Symbiont Venom in Eddies Körper. Das ist zwar nicht gerade eine Freundschaft fürs Leben, doch Eddie verwandelt sich von einem Verlierer in eine Art Superheld. Auch Venom, der auf seinem Heimatplaneten nicht gerade ein Erfolgsmodel ist, profitiert von der Symbiose. Gemeinsam sagen Eddie und Venom Carlton Drake den Kampf an…

Das ist Popcorn-Kino vom Allerfeinsten. Unterhaltsam, witzig, sympathisch und clever inszeniert. Marvel weiß noch immer, wie es geht. Die Besetzungsliste, die Kulissen, die Animation und die Story stimmen. Vor allem Venoms schwarzer Humor tut dem Film extrem gut. Ich gehe davon aus, dass wir von dieser Geschichte eine Fortsetzung sehen werden. Darauf freue ich mich schon jetzt.

Geschönt und wunderschön zugleich.

Das ist -Bohemian Rhapsody-, Bryan Singers Requiem für Freddie Mercury. Gleich vorweg: Der Film hält sich nicht immer an die Fakten und stellt Freddie Mercury komplett in den Focus. Wer die Karriere von Queen in „Echtzeit“ miterlebt hat, der wird schnell erkennen, dass da einiges nicht stimmt. Doch das ist zu verschmerzen, denn der Plot funktioniert auch mit Lücken und Fehlern. Grund dafür ist die phantastische Musik und das gute Schauspiel der Akteure. Rami Malek(Freddie Mercury) erhielt einen Oscar für seine Rolle. Dabei sind, rein optisch gesehen, Brian May(Gwilym Lee), Roger Taylor(Ben Hardy) und John Deacon(Joseph Mazello) noch um Klassen besser gelungen. Über allem steht bei -Bohemian Rhapsody- die Musik. Die hebt den Film ganz weit nach oben.

Als Einwanderer Sohn hat Farrokh Bulsara in Englands Musikszene keine Chancen. Als er sich der Band Smile anschließt, nennt er sich in Freddie Mercury um. Aus Smile werden später Queen und eine fantastische Karriere beginnt. Doch Freddie Mercury sprengt mit seiner unglaublichen Präsenz fast die Band. Er geht seinen Affären nach und ist irgendwann isoliert. Dazu erkrankt Mercury schwer. Erst die Rückkehr zur Band bringt den vielleicht besten Frontmann der Musikgeschichte wieder in die Spur.

-Bohemian Rhapsody- ist ein kurzweiliger, unterhaltsamer Musikfilm. Ausgestattet mit einer fetten Tonspur kann man noch einmal ganz tief in die herrliche Musik von Queen eintauchen.

Bären oben, Mäuse unten.

So sieht es die Welt vor, in der Ernest, der Bär & Célestine, die Maus, leben. Den Mäusekindern impft man die Angst vor Bären ein und umgekehrt. Doch Célestine, die malende Maus, glaubt nicht an diese Geschichten. Sie macht sich auf den Weg nach oben und trifft dort Ernest. Der will sie zwar zuerst tatsächlich fressen, wird dann aber doch ihr bester Freund. Als Célestine Ernest zeigt, wie er seinen Hunger stillen kann, sind die beiden bald wie Bonnie und Clyde auf der Flucht…

Die französisch-belgisch-luxemburgische Produktion, nach dem gleichnamigen Kinderbuch von Gabrielle Vincent, erzählt schlicht und schön das Märchen von der Maus und dem Bären. Für die ganz Kleinen ist das hier und da vielleicht noch ein bisschen zu gruselig, aber das hält sich in Grenzen. Es sind vor allem die einfachen Zeichnungen, die so unglaublich überzeugen. Allerdings hat die Geschichte auch eine wertvolle Botschaft.

Mir hat der Film gut gefallen. Die Geschichte ist lehrreich, witzig und kindgerecht umgesetzt. Für einen gemeinsamen Filmnachmittag mit der ganzen Familie die richtige Wahl.

Total Eclipse Of The Heart.

Bonnie Tylers Hit am Ende des Films ist vermutlich der absolute Höhepunkt von Nicolas Monettes -Menage A Trois-. Ich habe selten so gelacht. Bis dahin geht es rund in der Beziehung von Estelle(Melissa Desormeaux-Poulin) und Simon(Martin Matte). Die beiden sind seit 10 Jahren verheiratet, haben eine Tochter, die in der Schule regelmäßig die Jungs verprügelt, und sind in ihren Jobs so einigermaßen zufrieden. Nur mit der Liebe, da läuft es nicht mehr so richtig. Estelle gibt sich die Schuld und ergreift die Initiative. Sie will Simon eine Menage A Trois schenken. Doch das ist gar nicht so einfach. Erst einmal braucht man eine dritte Person und dann müsste man seine eigenen Probleme erst einmal hinter sich bringen. Eine Achterbahnfahrt der Gefühle beginnt…

Monette hat ein altes Thema sehr schön aufpoliert. Gute Schauspieler, ganz wunderbare Dialoge und ein Drehbuch, das stimmig ist. Hier und da holpert die Geschichte ein wenig, kommt aber jedes Mal sehr schnell wieder in die Fahrspur. Auf der Suche nach dem gemeinsamen Glück gibt es bei Estelle und Simon jede Menge zu erleben. Ich habe mich dabei sehr gut unterhalten lassen.

Leider den Schwung ein wenig verloren…

… hat meiner Ansicht nach die 5. Verfilmung von Rita Falks Eberhorfer Roman Reihe. -Sauerkrautkoma- glänzt wieder mit diesen wunderbar schrägen und zugleich liebenswerten Figuren, die uns schon in den ersten 4 Filmen ans Herz gewachsen sind. Doch anders als bei den Vorgängern wirkt -Sauerkrautkoma- drehbuchtechnisch ideenlos und nicht wirklich kreativ. Die Story ist banal und hat Längen. Diesen Umstand können auch die Charaktere der Geschichte nicht ganz wettmachen. -Sauerkrautkoma- ist noch immer eine vortreffliche Komödie, reicht aber an keinen ihrer Vorgänger wirklich heran.

Franz Eberhofer(Sebastian Bezzel) wird nach München versetzt. Der Karriere wegen, sagt der Bürgermeister(Thomas Kügel). Doch tatsächlich will er Eberhofer los werden. Beim Umzug in die Metropole, Franz will bei seinem alten Spezi Rudi Birkenberger(Roland Schwarz) einziehen, liegt auf einmal eine Leiche im Wagen von Papa Eberhofer(Eisi Gulp). Es ist das Au-pair Mädchen des Bürgermeisters. Franz nimmt die Ermittlungen auf und vergisst dabei völlig, dass er seiner Susi(Lisa Maria Potthof) eigentlich noch einen Heiratsantrag machen müsste. Ein ganz schwerer Fehler…

Irgendwie hakt es in dieser Geschichte. Ich war von allen vorherigen Verfilmungen begeistert, doch hier fehlte mir der Punkt auf dem i. Ich hoffe, dass sich das bei der nächsten Eberhofer Verfilmung wieder gibt. Es wäre schade, um diese wunderbaren Charaktere.

Hui und Pfui zugleich.

Ich habe mich schon gefragt: Wie geht das? Da hat Bill Holdermann für seinen -Book Club- das Starensemble Jane Fonda(Viviane), Diane Keaton(Diane), Mary Steenburgen(Carol), Candice Bergen(Sharon), Don Johson(Arthur), Richard Dreyfuss(George), Andy Garcia(Mitchell), Craig T. Nelson(Bruce, am Start und lässt diese Stars ein Drehbuch herunter spielen, das jedes Klischee erfüllt und stark vorhersehbar ist. Doch damit nicht genug. Die guten Schauspielleistungen finden zum Teil im Studio statt und gaukeln dort Außenaufnahmen vor. Leider sieht man das in einigen Szenen extrem. Da muss man vermuten, bei der Gage für die Stars hat der Rest des Budgets nicht mehr für das Aufsuchen von respektablen Drehorten gereicht. Schade.

Die vier Freundinnen Viviane, Diane, Carol und Sharon haben einen Buchclub. Sie treffen sich und abwechselnd werden Bücher vorgeschlagen, die gelesen werden. Viviane bringt -50 Shades of Grey- mit, um damit ihre Freundinnen wieder ein wenig liebestechnisch „aufzumöbeln.“ Das funktioniert. Diane lernt einen Piloten kennen, Sharon meldet sich auf einem Datingportal an, Carol versucht mehr Pep in ihre Ehe zu bekommen und Viviane trifft ihre alte Flamme Arthur wieder. Das Ende dieser Episoden ist ungewiss.

Da wäre viel mehr drin gewesen. Zu banal und aufgesetzt kommt die Story rüber. Das Schauspiel in -Book Club- ist „Hui.“ Der Rest eher „Pfui.“

Analog schlägt Digital.

Ja, das gibt es auch noch. Jedenfalls in -Johnny English 3-. Da will der Daten-Fiesling Jason(Jake Lacy) mit seinem Internet Imperium die Welt beherrschen. Er outet alle britischen Geheimagenten und legt Londons Verkehr lahm. Der MI-7 hat jetzt nur noch einen Mann, der unter dem „Internet Radars“ Jasons operieren kann: Johnny English(Rowan Atkinson). Der wird von seinem Lehrerjob losgeeist und bekommt seinen alten Partner Bough(Ben Miller) zur Seite gestellt. Die beiden Analog-Spione sagen der Datenkrake den Kampf an. Das man nebenbei noch eine bildschöne russische Agentin(Olga Kurylenko) und die Premierministerin(Emma Thompson) kennenlernt, ist wie ein kleiner Bonus für English.

Rowan Atkinson kann es noch immer. Seine Situationskomik ist nicht mehr so stark wie vor 20 Jahren, aber sie funktioniert. Im Zusammenspiel mit Ben Miller ist Atkinson in -Johnny English 3- sehr humorig unterwegs. Regisseur David Kerr hat vor allem eines richtig gemacht: Er hat die Story nicht auf 2 Stunden Spielzeit aufgebläht, sondern sie kurz und knapp in 80 Minuten abgespult. In denen werden Hotels abgebrannt, versehentlich Raketen per Handysignal gezündet und der Einsatz einer virtuellen Brille erklärt. In diesen Dingen ist Rowan Atkinson noch immer eine Institution.

Typisch französisch…

… und doch sehr kreativ, kommt -It Boy- daher. David Moreau hat es geschafft, einen Film mit jeder Menge Klischees an den Start zu bringen, dem man das weder ansieht noch übel nimmt. Virginie Efira(Alice) und Pierre Niney(Balthazar) sind perfekt in der Darbietung des sonderbaren Paares ältere Frau/sehr junger Mann. Mich hat das sehr gut unterhalten.

Der junge Student Balthazar landet durch Zufall in der ersten Klasse im Flieger von Rio nach Paris. Dort lernt er Alice kennen, eine in die Jahre gekommene Business Frau, die zum Lachen in den Keller geht. Die beiden unterschiedlichen Charaktere kommen sich auf sonderbare Art und Weise näher. Als Alice in Frankreich um ihren Job bei der Modezeitung fürchten muss, da sie als bieder und Auslaufmodell gilt, fängt sie eine Affäre mit Balthazar an. Das bringt sie im Job nach vorn und in Sachen Gewissen ganz weit nach hinten. Als sie das Spiel beenden will, ist das Kind schon komplett in den Brunnen gefallen. Es gibt eine Katastrophe…

Das ist eine wirklich gut gemachte Komödie. Die Story ist gut, der Soundtrack hervorragend und die Schauspieler haben Spaß bei der Arbeit. Was will man mehr? Bei den Kritikern hat -It Boy- seinerzeit übrigens auch ziemlich gut abgeschnitten.

„Ich war besoffen, seit ich ein Kind war.“

Das ist die bestürzende Bilanz des Cartoonisten John Callahan(Joaquin Phoenix). Selbst ein schwerer Autounfall mit anschließender Lähmung bekam John nicht von der Flasche weg. Erst als er sich den Anonymen Alkoholikern anschließt, deren Gruppe von Donnie(Jonah Hill) geführt wird, fasst John den Entschluss trocken zu werden. Dabei hilft ihm Annu(Rooney Mara), die wie durch ein Wunder in sein Leben tritt. Doch der Weg ist schwer und John glaubt mehr als einmal, dass er es nicht schaffen wird. Vor allem die Schatten seiner Kindheit lassen ihn nicht los…

Gus Van Sant hat die Geschichte von John Callahan detailgetreu auf die Leinwand gebannt. Am Anfang holpert und wackelt der Plot sich in die Erzählspur. Später läuft es dann viel besser. Vor allem die Besetzungsliste punktet. -Dont worry - weglaufen geht nicht- ist bis in die Nebenrollen exquisit besetzt. Callahans Geschichte sorgt dafür, dass man den Charakter des Cartoonisten zugleich liebt und hasst. Erst die Einsicht, sich dem eigenen Schicksal zu stellen, pellt den Callahan aus dem Ei, den man sich wünscht.

-Dont worry - weglaufen geht nicht- ist ganz sicher nicht jedermanns Sache. Intellektuell, mit manchmal nervtötender Musik von Danny Elfman, aber auch jeder Menge starken Szenen. Sie wissen ja: Sie müssen selbst entscheiden, was sie davon halten.

Der Traum vom Fliegen

Den träumt der Gärtner und Hobbypilot Schorsch(Elmar Wepper) schon seit Jahrzehnten. Doch im richtigen Leben hat er Schulden, Eheprobleme und sein Flugzeug wird gepfändet. Für Schorsch reicht das, um abzuhauen. Er entwischt dem Kuckuckskleber und will zum Nordkap fliegen. Doch er landet zunächst in der Schwäbischen Alb, dann in Düsseldorf, auf Sylt und in Brandenburg. Eine echte Odyssee. Auf der lernt er Philomena(Emma Bading) und Hannah(Dagmar Manzel) kennen. Das verändert alles. Doch das alte Leben stirbt nicht in der Flucht. Schorsch muss seine Rechnungen bezahlen…

Was für ein wunderbarer Film! Herrliche Bilder, ein Elmar Wepper in brillanter Spiellaune und eine Emma Bading, die mit einem frischen Gesicht und jeder Menge Kreativität agieren kann. Dazu eine traumhafte Besetzung der übrigen Rollen und eine Geschichte, die von A bis Z punktet. Vor allem das Ende hat mich überzeugt. Vor 20 Jahren wäre dieser Film anders beendet worden.

Regisseur Florian Gallenberger hat alles richtig gemacht. Von der Filmmusik bis zum Drehbuch ist Grüner wird’s nicht perfekte Kinounterhaltung. Der Streifen zieht vom Drama bis zur Komödie alle Register. Ich liebe es, mich von einer Geschichte derart kurzweilig unterhalten zu lassen. Elmar Wepper ist einer der ganz Großen des deutschen Films. Das stellt er hier wieder einmal eindrucksvoll unter Beweis. Wie er vom alten Grantler zum lebensbejahenden Alten wird; das ist Schauspielkunst vom Allerfeinsten.

KRIEG!

Wir Europäer haben seit mehr als 70 Jahren nicht mehr am eigenen Leib gespürt, was Krieg tatsächlich bedeutet. Regisseur Victor Danell verschafft uns dieses Gefühl per Leinwand. Beklemmend, unterschwellig, bedrohlich und gleichzeitig extrem real kommt sein -The Unthinkable- beim Zuschauer an. Wäre da nicht ein ungelenkes, pathetisch überzogenes Ende, hätte dieser Film von mir die volle Punktzahl erhalten. Angelehnt an die russische Inbesitznahme der Krim zeigt Danell vor allem, wie sich die Kriegsführung verändert hat. Wem das keine Angst macht, der hat vermutlich ein sehr sonniges Gemüt.

Der erfolgreiche Musiker Alex(Christoffer Nordenrot) kehrt in seine Heimat zurück, um ein Klavier zu kaufen. Doch insgeheim sehnt er sich auch nach seiner Jugendliebe Anna(Lisa Henni). Von seinen Eltern will er nichts mehr wissen. Seine Mutter ist vor Jahren vor dem Vater Björn(Jesper Barkselius), einem ehemaligen Soldaten, getürmt. Zum Vater, der in einem Kraftwerk arbeitet, hat Alex jeden Kontakt abgebrochen. Wieder in der Heimat gerät Alex mitten hinein in den Angriff einer unbekannten Macht. Schweden wird per Anschlägen und Cyberangriffen attackiert. Als auch noch Bio-Kampfstoffe eingesetzt werden, geht es ums nackte Überleben. Alex trifft mit wenigen Überlebenden auf seinen Vater. Gemeinsam stellen sie sich der Bedrohung.

Spannend, zermürbend, manchmal kaum auszuhalten. So wirkt -The Unthinkable- auf den Zuschauer. Bis auf das Ende ein kleines Meisterwerk.

Kohle, Stasi und Musik.

Darum geht es in Andreas Dresens Biopic -Gundermann-. Ein Film, der bewegt, ergreift, zurückführt, mitnimmt und begeistert. Mitten im Lausitzer Braunkohlerevier macht Gerhard Gundermann(Alexander Scheer) Musik mit seiner Band Die Seilschaft. Obwohl Gundermanns Musik die Menschen erfüllt, geht Gundermann weiter auf Schicht im Revier. Als Baggerfahrer gräbt er sich tief in die Lausitzer Erde. Der Erfolg seiner Musik bringt die Stasi, in Form eines Führungsoffiziers(Axel Prahl) auf den Plan. Gundermann spielt mit. Er glaubt an die Ideale des Sozialismus. Nach dem Zusammenbruch der DDR wird Gundermann von der eigenen Vergangenheit eingeholt. Er entscheidet sich dafür, seine Tätigkeit als IM offenzulegen. Damit stößt er alte Wegbegleiter vor den Kopf. Nur seine Frau Conny(Anna Unterberger) hält noch immer zu ihm.

Eine wunderbare Geschichte, fantastisch auf die Filmrolle gebannt. Andreas Dresen kann es halt. Die Besetzungsliste stimmt, die Kulissen und das Drehbuch tun ein Übriges, um aus -Gundermann- großes, unverbrauchtes Kino zu machen. Dazu, für uns Westler, völlig unbekannte Musik, die jeden Hörer mit Wort und Melodie verzaubert. Gundermanns Geschichte zeigt auf beeindruckende Art und Weise, wie wichtig es ist, sich Gedanken zu machen und seine Entscheidungen in Richtung Zukunft zu überdenken. -Gundermann- hat sich jeden Preis und jede Auszeichnung redlich verdient.

Nichts ist schöner als das, was vor unseren Augen verschwindet…

Mögen sie japanische Filme? Ich schon. Im japanischen Kino geht es oft um Gefühle, Tiefe und den Gehalt einer Geschichte. Da sind schnelle Schnitte und rasante Wendungen nicht nötig. Das Drama -Radiance- ist so eine Geschichte. Nichts für Zuschauer, die permanent unterhalten werden wollen, sondern eher etwas für Menschen, die auf die Zeit zwischen zwei Atemzügen achten können.

Misako(Ayame Misaki) schreibt Audiosricptionen für Filme. Damit können sehbehinderte Menschen Filme erfahren. In einer Testgruppe wird Misakos Arbeit gehört. Das Ergebnis ist eher niederschmetternd. Vor allem der ehemalige Fotograf Nakamori(Masathosi Nagase), der kurz vor der vollständigen Erblindung steht, kritisiert Misakos Arbeit. Doch die beiden kommen sich auf ungeahnte Weise näher. Das verändert ihre Leben…

Regisseurin Naomi Kawase setzt voll und ganz auf ihre beiden Hauptdarsteller und eine Story, die 100 Prozent Gefühl ist. -Radiance- ist eine klassische japanische Filmerzählung, die man mag oder nicht. Mir hat diese mit Bedacht, Intellekt und Behutsamkeit erzählte Geschichte sehr gut gefallen.

Einstimmig!

Fällt das Komitee der Sowjetunion seine Beschlüsse. Jedenfalls in der französisch-englischen Komödie von Armando Ianucci. Die Bewertung des Films durch die Zuschauer wird ganz sicher nicht so eindeutig ausfallen. Wer auf gewiefte Dialoge, das Spiel mit der Geschichte(die hier ganz sicher nicht historisch genau dargestellt wird), gute Schauspieler und intellektuelle Gags steht, der wird vor Freude durchdrehen. Wer die Lacher auch ohne Geschichtsabitur verstehen möchte und ganz nebenbei auch noch gute Unterhaltung erwartet, ist vielleicht überfordert. Mir war das zu surreal. Es ging zwar Richtung Humor ala Monty Python, erreichte dieses Vorbild jedoch nie.

Stalin ist 1953 der uneingeschränkte, gefürchtete Machthaber der UdSSR. Als er stirbt, entbrennt ein Machtkampf um sein Erbe. Sein Sohn ist ein haltloser Trinker, die Tochter verhuscht. Stalins Komitee besteht aus dem wankelmütigen Malenkow(Jeffrey Tambor), dem hinterhältigen Beria(Simon Russel Beale), dem zurückhaltenden Molotow(Palin) und dem cleveren Chruschtschow(Steve Buscemi). Nur einer kann Stalin beerben. Der Rest ist in Lebensgefahr…

Teilweise extrem lustig. Schwarzer Humor, wie man ihn mag. Aber auch mit Längen und überspielten Dialogen. Da verliert man leicht den Faden. Mich hat Ianuccis Film nicht von den Socken gehauen. Ob er ihnen gefällt, müssen sie selbst entscheiden.

„Unsere eigenen Gedanken gehören immer noch uns!“

So sieht es der Ex-Soldat und Vater Will(Ben Foster). Ansonsten aber will er nichts mit der Zivilisation zu tun haben. Mit seiner Tochter Tom(Thomasin McKenzie) lebt er in den Wäldern Portlands, um seiner Vergangenheit zu entfliehen. Will hält es unter einem Dach nicht aus und Tom kennt kein anderes Leben. Doch dann werden die beiden aufgegriffen und landen in den Händen der Stadtverwaltung. Die weist ihnen eine Wohnung auf einer Farm zu. Tom gefällt das, aber Will hält es nicht aus. Zusammen mit Tom flieht er, aber die Reise von Vater und Tochter kann so nicht weitergehen…

Nach der gleichnamigen Novelle von Peter Rock inszenierte Regisseurin Debra Granik einen Film, der ereignislos beginnt, hier und da statisch wirkt, den Zuschauer aber trotzdem mitnimmt. Es sind vor allem das pure Spiel von Foster und McKenzie, so wie die traumhaften Aufnahmen der Wälder, die den Zuschauer in den Bann ziehen. Der Film bezieht seine Spannung aus dem Gegenspiel von Vater und Tochter, die scheinbar nicht mehr miteinander, aber auch nicht ohneeinander auskommen.

Für Freunde ernster Themen, einer guten Kameraarbeit und starkem Schauspiel ist -Leave No Trace- ganz sicher ein Gewinn. Wer mehr auf Action, schnelle Schnitte und Hochspannung steht, muss sich den Film nicht unbedingt anschauen.

„Mit einem richtigen weißen Mann kriegen wir alles hin!“

So jedenfalls die Aussage von Ron Stallworth(John David Washington), dem ersten schwarzen Polizisten beim Colorado Springs Policedepartment. Eigentlich soll Stallworth die Aktenhaltung machen, doch dann ermittelt er Under Cover gegen den Ku Klux Klan. Telefonisch knüpft er die Kontakte und sein jüdischer Kollege Flip Zimmerman(Adam Driver) tritt dann als Ron beim Klan auf. Natürlich geht das nicht lange gut. Aber lange genug, um alles auf den Kopf zu stellen, was die Polizei in Colorado Springs in den Siebziger Jahren gemacht hat…

Spike Lee ist wieder da. Mit der Geschichte des echten Ron Stallworth hatte er die passende Vorlage für einen Abgleich der Unruhen in den Siebzigern mit der aktuellen Politik von Donald Trump. Dieser Abgleich ist vortrefflich gelungen. Witzig, clever, humorig, aber auch mit ein paar Gags, bei dem einem das Lachen im Hals stecken bleibt, kommt -Blackkklansman- daher. Brillant besetzt, mit zwei wunderbaren Mini-Gastauftritten von Alec Baldwin und Harry Belafonte, punktet der Film enorm.

Wir glauben, diese schwarz/weiß Geschichte schon lange hinter uns gelassen zu haben. Ein Irrtum! Spike Lee zeigt nicht nur, wie es war, sondern wie es teilweise noch immer ist. Lediglich die Farben und Volksgruppen haben sich verändert. Allerdings gibt es Hoffnung. Ich glaube nicht, dass Ron Stallworth geglaubt hat, dass 40 Jahre nach seiner Geschichte Amerika einen schwarzen Präsidenten wählt.

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit.

Was Marcel Prousts Gesellschaftsroman mit Denzel Washingtons -The Equalizer 2- zu tun hat, ist nur schwer zu erklären. Schauen sie einfach mal rein. In jedem Fall sind die Handlungen extrem unterschiedlich. Während Proust es eher seicht und beschaulich angehen lässt, mag Washington es lieber knallhart und unbeirrbar. Als Taxifahrer und ehemaliger Agency-Agent Robert McCall räumt er mit all den Bösewichten auf, die ihm im Weg stehen. Als seine ehemalige Kollegin Susan(Melissa Leo) unter mysteriösen Umständen stirbt, findet sich McCall bei seinen Ermittlungen sehr schnell in den Reihen von Agency-Agenten wieder. Doch das ist McCall egal. Sein Weg ist die Gerechtigkeit, ohne Wenn und Aber.

Antoine Fuqua hat seinen -The Equalizer 2- cool, beinhart und gnadenlos inszeniert. Es gibt einen kleinen Nebenerzählstrang mit dem Jungen Miles(Ashton Sanders). Ansonsten heißt es, Robert McCall bei der Arbeit zuzuschauen. Die macht er gründlich. Da, wo „normale“ Strafverfolger nicht mehr agieren können, erledigt McCall die ganz bösen Jungs auf seine Weise.

Wenn schon ein Rache-Thriller mit bedenklichen Moralvorstellungen, dann bitte so einen wie -The Equalizer 2-. Denzel Washington ist noch immer eine Topbesetzung für den einsamen Wolf. Mir hat das sehr gut gefallen.

Leider nur ein müder Abklatsch des Originals.

Fortsetzungen müssen nicht unbedingt schlechter sein, als die Ausgangsgeschichten bestimmter Stoffe. Manchmal allerdings beschleicht einen das Gefühl, dass die Fortsetzung nur da ist, weil das Original so erfolgreich war. Eine eigene Idee und eine kreative Fortführung der Geschichte ist dann leider Fehlanzeige. Bei Danny Boons -Die Sch’tis in Paris- hatte ich genau dieses Gefühl. Nur komisch reden und Gags aus der Mottenkiste reichen nicht aus, um echte Lacher zu produzieren. Hat Danny Boon 2008 da noch alles richtig gemacht, ist er 2018 mit -Die Sch’tis in Paris- leider auf dem Holzweg gelandet.

Valentin(Danny Boon), der als erfolgreicher Designer in Paris lebt, hat seine Kindheit in Frankreichs Norden verdrängt. Obwohl er dort eine Familie hat, gibt er sich als Waise aus. Das hilft zwar bei den Verkäufen, aber als dann die „Landeier“ seiner Familie in Paris auftauchen, weil sie in Geldnot sind, ist das für Valentin eine Katastrophe. Als Valentin dann noch einen Unfall hat und sein Gedächtnis verliert, ist das Chaos perfekt…

Mehr als eine mittelmäßig unterhaltsame Komödie ist bei Danny Boons -Die Sch’tis in Paris- leider nicht herausgekommen. Auch die gute Besetzungsliste hebt diesen Stoff nicht auf ein höheres Niveau. Kann man sich anschauen, muss man aber nicht.

Vergossenes Blut trocknet nie!

Niemand weiß das besser als Charly Mattei(Jean Reno). Eigentlich hat der ehemalige Mafiosi mit der Vergangenheit abgeschlossen und will sich nur noch Frau und Kindern widmen. Doch dann wird er Opfer eines Attentats. 22 Kugeln treffen ihn und doch stirbt Charly nicht. Schnell erfährt er, wer hinter dem Attentat steckt, und Charly weiß: Wenn er nicht zurückschlägt, sind er und seine Familie in Lebensgefahr. Es beginnt ein Rachefeldzug, bei dem jeder, der sich Charly in den Weg stellt, dem sicheren Tod entgegen tritt…

Wäre Jean Reno 20 Jahre jünger gewesen und man hätte die Story ein wenig mehr in die Vergangenheit verfrachtet, dann hätte 22 Bullets(Original: L‘ Immortel) das Prequel zu -Leon der Profi- sein können. Knallhart, brutal, geradlinig und zum Teil extrem verstörend. Eine Geschichte, die sich ihren Weg mit dem Vorschlaghammer sucht. Mittendrin ein Jean Reno in Bestform. Niemand spielt den einsamen Rächer besser als er.

In -22 Bullets- stimmt für das Genre Gangsterepos schlichtweg alles. Der fiese Bösewicht Zacchia(Kad Merad), die unkonventionelle Polizistin Mary Goldman(Marina Fois), die Drehorte in Marseille, die brutale Welt der Mafia und der Charakter von Charly Mattei, der denkt, er könne mit der Mafia abschließen, obwohl er selbst am besten weiß, dass das unmöglich ist. Alles in allem ein hervorragender, aber auch extrem harter Film. Für mich war das ganz großes Kino mit einem exzellenten Jean Reno.

„Finde deine Stärke!“

Das ist leicht gesagt von Tau(Johannes Haukur Johanneson), dem Anführer einer Gruppe von Menschen vor 20.000 Jahren in Europa. Sein Sohn Keda(Kodi Smit-McPhee) ist nicht aus so hartem Holz geschnitzt wie der Vater. Bei der Jagd wird Keda eine Klippe hinuntergestoßen und ist scheinbar tot. Doch Keda lebt. Er muss versuchen, irgendwie nach Hause zu kommen. Schwerverletzt wird er dann auch noch von Wölfen angegriffen. Dieser Kampf endet mit einer Gemeinschaft, die es so noch nicht gab: Wolf und Mensch! Nur zusammen können sie den Weg nach Hause schaffen…

Ein wunderbarer Film. Unglaublich schöne und zugleich archaische Landschaftsaufnahmen, die einem den Atem stocken lassen. Dazu diese pathetische Geschichte, die nicht nach Authentizität schielt, sondern märchenhaft ihren Weg zum Herz des Zuschauers sucht. Kameramann Martin Gschlacht schöpft mit Farben, Formen, Spot Lenses und Animationen aus dem Vollen. Das hat mich von A bis Z begeistert.

Könnte es so angefangen haben? Die Geschichte von Hund und Mensch? Natürlich nicht! Aber das ist bei -Alpha- völlig egal. Der Zauber dieser Produktion lebt nicht vom dokumentarischen Charakter, sondern von einer Sage, die wunderschön erzählt wird. Mit Bildern, die einzigartig sind. Lassen sie sich mitnehmen. 20.000 Jahre zurück. Zu den Anfängen…

„Wir sind die dritte Option!“

Nach Diplomatie und Krieg ist diese Option die geheime Organisation „Overwatch.“ Sie lösen Krisen mit Gewalt. James Silva(Mark Wahlberg) leitet das Einsatzteam. Als in einem asiatischen Land Cäsium verschwindet, besteht der Verdacht, dass damit schmutzige Bomben gebaut werden sollen. Nur über den Spion Li Noor(Iko Uwais) kann Silva herausbekommen, wo das Cäsium ist. Doch Li Noor will nur sprechen, wenn er nach Amerika gebracht wird. Von der Botschaft bis zum Flughafen sind es 22 Meilen, auf denen der Tod wartet…

Nichts Neues auf der Leinwand. Peter Berg hat seinen –Mile 22- nach 08/15 Strickmuster abgedreht. Wieder mal schmutzige Bomben, böse Russen und fiese Asiaten. Dazu Action bis zum Abwinken und ein Drehbuch ohne großen Inhalt(das Ende der Geschichte einmal ausgenommen). Schade. Ein Mark Wahlberg kann wesentlich komplexere Rollen ausfüllen, als in –Mile 22-.

Wer auf Geballer ohne Ende steht und auf irren Technik-Schnickschnack, den es nur im Kino und nicht in der Wirklichkeit gibt, der wird bei -Mile 22- vermutlich vor Freude Purzelbäume schlagen. Wer aber doch lieber etwas Unterbau und Gehalt in der Geschichte mag, dem rate ich ab, sich den Film anzuschauen.

Eine Insel im Meer…

… und eine Großfamilie, die eigentlich nur für einen Tag eine Goldene Hochzeit feiern will und anschließend, wegen eines Sturms, der den Fährverkehr zum Erliegen bringt, mehrere Tage lang aufeinander hockt. Es beginnt harmonisch und endet im Desaster. Geldsorgen, Ex-Frauen, Eifersucht, Seitensprünge, Lügen, Verrat, falsch verstandene Familienbande, Hass, Liebe und Neid treffen ohne jede Warnung aufeinander. Zurück bleiben Menschen, die erkennen müssen, dass das Leben niemals einfach und schon gar nicht normal ist. Das ist lustig, traurig, erschreckend, absurd und dramatisch zugleich. Familie halt…

Gabriele Muccinos Film lief sehr erfolgreich in Italien und vereint alles an Klischees, Vorurteilen und Meinungen, die wir dem Dolce Vita und Amore in Italien so zuschreiben. Das ist manchmal fast schon brüllend hysterisch komisch und dann doch wieder so traurig, dass man heulen könnte. Muccino stellt jeden einzelnen Menschen in den Mittelpunkt und lässt ihn scheitern. Das gelingt grandios. Am Ende bleiben von all den Eltern, Brüdern, Tanten, Onkeln und Cousins eigentlich nur zwei Jugendliche übrig, die als normal durchgehen würden. Eine wirklich sehr gelungene Dramödie aus Italien mit starken Darstellern. Muccinos Hollywooderfahrung(Väter & Töchter, Sieben Leben, Das Streben nach Glück, Kiss the Coach) ist deutlich spürbar. Absolut sehenswert.

„Du bist die beste Oma der Welt!“

Allein dieser Satz zeigt, dass Regisseur Peyton Reed bei seiner Marvel Verfilmung -Ant-Man and The Wasp- jede Menge Humor hat einfließen lassen. Der Film überzeugt durch rasante Action, jede Menge Witz, hervorragende Animationen, dem Spiel mit Groß und Klein, sowie der Besetzungsliste Paul Rudd(Scott Lang), Michael Douglas(Dr. Hank Pyme), Lawrence Fishburn(Dr. Bill Foster), Michelle Pfeiffer(Janet Van Dyne) und Evangelina Lilly(Hope Van Dyne).

Ant-Man Scott hat Hausarrest. Hält er den nicht ein, landet er 20 Jahre im Gefängnis. Aber die Pflicht ruft. Dr. Pyme will seine Gattin Janet aus der Quantenebene zurückholen. Das geht nur mit Scotts Hilfe. Der muss jedoch erst überzeugt werden. Als dann noch ein schemenhafter Verfolger und der alte Begleiter Dr. Foster ins Spiel eingreifen, wird es unübersichtlich. Vom FBI und der Mafia wollen wir da gar nicht erst reden…

Das hat mir gut gefallen. Ein bisschen wie Time Tunnel und Die Reise durch den menschlichen Körper im Zusammenspiel mit einem Klasse-Marvel Comic. Sehr, sehr humorig und mit einem Ende ausgestattet, das Lust auf viel, viel mehr macht. Ich bin schon jetzt gespannt.

Jeder Krieg beginnt leise…

… und ein Krieg findet definitiv statt. Nach einer Seuche sterben fast alle Kinder auf der Welt. Diejenigen, die überleben, haben urplötzlich besondere Fähigkeiten. Aus Angst sperrt die Regierung sie in Lager und stuft ihre Gefährlichkeit ein. Die kleine Ruby(Amanda Stenberg) kann dabei verbergen, dass sie der höchsten Gefahrenstufe zuzuordnen ist. Als das auffliegt, muss sie fliehen. Kopfgeldjäger suchen nach Kindern wie ihr. Sie braucht Schutz. Entweder schließt sie sich der League an, die gegen die Regierung kämpft, oder bleibt bei ihren neuen Freunden Chubs(Skylan Brooks), Zu(Miya Cech) und Liam(Harris Dickinson). Eine schwierige Entscheidung…

Es scheint an neuen Geschichten zu fehlen. Nach Filmen wie -Tribute von Panem, Die Bestimmung oder Maze Runner-(man könnte noch ein Dutzend mehr nennen) surft auch -The Darkest Minds-, wie auch die anderen genannten Filme, auf einer leicht veränderten Welle der eigentlichen „Ur-Geschichte“ des Herrn der Ringe. Was natürlich an den Buchautoren liegt. Da sind keinerlei Neuigkeiten zu erwarten. Es scheint wesentlich profitabler zu sein Bewährtes leicht zu verändern, als Neues zu schaffen.

Wenn man diesen Schwachpunkt, den viele Filme ihre eigen nennen dürfen, auslässt unterhält -The Darkest Minds- vortrefflich und ist technisch gut gemacht. Schlichtweg Popcorn-Kino zum Weiterschauen. Denn: Eine Fortsetzung ist sicher(wie bei allen Filmen dieses Genres).

Ein Mord, ein Verdächtiger, und eine fantastische Geschichte.

„Rühren sie sich nicht und reden sie mit Niemand!“ Das ist der Standardsatz des erfolglosen New Yorker Anwalts John Stone(John Turturro), der sich seine Klienten direkt aus den Arrestzellen der Polizei „angeln“ muss. Da landet auch Nasir Khan(Riz Ahmed), der verdächtigt wird die junge Andrea(Sofia Black D’elia) ermordet zu haben. Nasir ist ein Unschuldslamm und doch spricht alles gegen ihn. Ermittler Dennis Box(Bill Camp) und Staatsanwältin Helen Weiss(Jeanine Berlin) brauchen nur die Beweise einsammeln und auf den Richtertisch legen, um Nasirs Schuld zu belegen. Doch da ist noch John Stone. Der hat einen unglaublichen Ausschlag, eine Katzenallergie, eine gescheiterte Beziehung und einen Sohn, der nichts von ihm wissen will. Aber all das zählt nicht. John Stone gibt nicht auf, wenn er an etwas glaubt. Und da liegt Nasirs Chance…

Für John Turturro war das hier vielleicht die Rolle seines Lebens. Wenn man bedenkt, dass der viel zu früh verstorbene James Gandolfini in der Pilotfolge die Rolle spielte und nach seinem Tod Robert De Niro absagte. Was Turturro hier zeigt, natürlich auch geschuldet einem genialen Drehbuch, das ist Schauspielkunst der allerhöchsten Güte. -The Night Of- ist spannend, clever, atemberaubend, kritisch, brillant getaktet und vor allem: Menschlich! Eine der besten Serien der letzten Jahre. Mein Tipp: Anschauen! Unbedingt!

Komplett sinnfreies, aber auch unterhaltsames, B-Movie.

Wenn sie gern Polizeieinsätze mit ballernden Cops sehen und Ganoven mögen, die zwar völlig motivlos, aber doch irgendwie clever sind, dann ist -Reprisal- etwas für sie. Stellen sie aber bitte keine Fragen. Das Drehbuch ist so banal wie ein schwacher Dreizeiler und bis auf den Sidekick Bruce Willis(James) sind auch die Schauspieler gutes Mittelmaß, aber nicht mehr. Immerhin, unterhaltsam ist es hier und da. Ich war jedenfalls nie geneigt abzuschalten.

Jacob(Frank Grillo) arbeitet in einer Bank. Nachdem diese brutal ausgeraubt wird, hat Jacob schlaflose Nächte. Er will den Bankräuber stellen. Dazu holt er sich die Hilfe seines Nachbarn, des Ex-Cops James. Tatsächlich findet er die Spur des Täters. Doch der findet auch ihn. So gerät Jacobs Familie in Lebensgefahr…

Wie gesagt, dieses Drehbuch ist kein Meisterwerk. Bruce Willis gibt eine gute Nebenrolle ab und man kann sich das anschauen. Muss man aber nicht. Für ein B-Movie okay. Für mehr leider zu schwach.

Spannendes Durcheinander.

Francis Lawrence hat mit Black Sparrow einen Agententhriller alter Schule auf die Filmrolle gebannt. Und so, wie es mir bei John LeCarre Romanen geht, erging es mir auch bei -Red Sparrow-. Ein paar Wendungen und Überraschungen sind ja ganz nett, man kann es aber auch übertreiben. Das Verwirrspiel im Plot ist mir zu viel und wirkt daher unglaubhaft; aber: Das ist auch schon mein einziger Kritikpunkt. Der Rest des Films passt. Wenn auch die ein oder andere Szene vielleicht besser FSK 18 gewesen wäre. -Red Sparrow- ist nichts für zart Besaitete.

Nate Nash(Joel Edgerton) ist ein US-Agent in Moskau. Er muss seine Tarnung auffliegen lassen und nach Amerika fliehen, um einen Informanten zu schützen. Um den Namen genau dieses Informanten herauszubekommen setzt der russische Geheimdienst Domenika Egorova(Jennifer Lawrence) auf Nash an. Das scheint zu klappen, doch die ehemalige Tänzerin und Nichte des stellvertretenden Geheimdienstchefs hat andere Pläne…

Das war spannend und unterhaltsam, aber nicht Besonders. Francis Lawrence hat voll und ganz auf seine Hauptdarsteller gesetzt und nebenbei die Nebenrollen noch mit Stars wie Charlotte Rampling, Ciaran Hinds und Jeremy Irons besetzt. Wer auf Agentenfilme der alten Schule steht, wird -Red Sparrow- lieben. Wer auf kreativere Plots steht, wird etwas enttäuscht sein. Ich hätte 3,5 Sterne gegeben. Da das nicht geht, sind es vier geworden.

„So etwas wie die Wahrheit gibt es nicht!“

Das ist natürlich Quatsch, denn: Die Vorgänge rund um Tonya Harding sind passiert. Was allerdings, bis in kleinste Detail, genau geschah, das wissen wir nicht. Ich weiß nur, dass Regisseur Craig Gillespie einen genialen Film über diese Geschichte gedreht hat. Die Idee, die Handlung nach den, alles andere als identischen, Aussagen der Beteiligten zu gestalten ist brillant. Es gibt Kritiker, die halten -I, Tonya- für einen der besten Filme des Jahres. Da schließe ich mich gern an.

Tonya(Margot Robbie) hat es nicht leicht. Die Eltern sind getrennt und Mutter Lavona(Allison Janney) ist ein Drache in Menschengestalt. Die Familie ist arm und Tonya hat Talent zum Eislaufen. Das reicht Lavona, um Tonya gnadenlos und mit purer Gewalt in den Sport zu treiben. Tonya wird gut, lernt irgendwann ihren Freund Jeff(Sebastian Stan) kennen, lieben und hassen. Jeff ist ein Gernegroß und Schläger, der Tonya immer wieder Gewalt antut. Irgendwann stehen dann die ganz großen Meisterschaften ins Haus. Doch es gibt starke Konkurrenz. Die soll aus dem Weg geschafft werden…

Eine unglaubliche Geschichte. So lustig und dramatisch zugleich aufgebaut, wie das nur wenige Regisseure hinbekommen. Der Erzählstil, die Kommentare aus dem Plot heraus, der Soundtrack, die Sprache, der Aufbau und dazu all diese grandiosen Schauspieler. Das macht aus -I, Tonya- ein Filmerlebnis der Spitzenklasse Deluxe.

„Gesetze sind Lügen!“

Auf dieser Aussage beruht der Umstand, dass Scott Speers komplett sinnfreie Geschichte doch noch gut rüberkommt. -I Still See You- sollte story- und logiktechnisch nicht hinterfragt werden, wenn man Spaß am Film haben will. Und den kann man durchaus haben, denn der Stoff ist spannend und unterhaltsam.

Bei einer Explosion in einem Chicagoer Labor wird eine Katastrophe ausgelöst. Tausende Menschen sterben. 10 Jahre später sind ein Teil dieser Toten noch immer vor Ort. Als Hologramme sind die Jenseitigen, wie sie genannt werden, noch immer sichtbar. Doch sie können in das Leben der Menschen nicht eingreifen. Auch Veronicas(Bella Thorne) Vater ist bei dem Unglück gestorben. Als Veronica plötzlich von dem Jenseitigen Brian(Thomas Elms) aufgesucht wird, glaubt sie, dass Brian ihr etwas antun will. Zusammen mit ihrem neuen Mitschüler Kirk(Richard Harmon) versucht sie herauszubekommen, was es mit Brian auf sich hat. Ziemlich schnell stellen sie fest, dass er vermutlich ein Mörder ist. Doch oft täuscht der erste Eindruck…

Wie gesagt… das ist weder logisch noch unglaublich clever gemacht, aber: Es funktioniert. Ich habe mich von -I Still See You- jedenfalls kurzweilig unterhalten lassen und kann den Film Freunden von Mysteryproduktionen empfehlen.

Über den Dächern von Paris.

Auch dort spielt Rachid Hamis Film -Der Klang von Paris-. Der Berufsgeiger Simon Daoud(Kad Merad) soll einer Pariser Schulklasse das Geige spielen beibringen. Simon ist momentan ohne Engagement, da passt sich der Ausflug ins Lehrergeschäft. Doch die Klasse ist extrem schwierig und Daoud scheint schnell zu scheitern. Allerdings ist da der Schüler Arnold(Renely Alfred). Er ist talentiert und das Geigenspiel lenkt ihn von seinen alltäglichen Problemen ab. Über Arnold schafft es Simon tatsächlich die Klasse zu erreichen, doch dann erhält Simon das Engagement für eine Tour, auf das er so lange gewartet hat…

Ruhig, gelassen und mit einer starken Erzählkraft kommt -Der Klang von Paris- daher. Die Charaktere sind stimmig und die Besetzungsliste punktet voll und ganz. Rachid Hami beschwört die magische Kraft der Musik. Aber er zeigt auch auf, welche Probleme die Kinder von sozial schwachen Familien haben. Es dauert einen kleinen Moment, bis man in der Geschichte ist, aber dann nimmt sie einen bis zum Ende mit. Mir hat das sehr gut gefallen. Auch wenn man kein Freund von klassischer Musik ist, kommt bei -Der Klang von Paris- keine Langeweile auf.

Sind sie Star Trek-Fan?

Lieben sie kleine, feine Filme? Mögen sie es, wenn ein Drehbuch mit Herzblut geschrieben wird? Sollten sie diese drei Fragen mit „Ja“ beantworten, dann schauen sie sich bitte -Please Stand By- an. Ben Lewin hat eine wundervolle Geschichte auf die Filmrolle gebannt und da ich die ersten drei Fragen mit „Ja“ beantwortet habe, sind mir beim Anschauen auch ein paar Tränen über die Wangen gerollt. Das ließ sich bei dieser Story nicht vermeiden…

Wendy(Dakota Fanning) ist Autistin und Star Trek-Fan. Als sie erfährt, dass Paramount Pictures einen Drehbuchwettbewerb ausgeschrieben hat, legt Wendy los. Sie kann weiß Gott nicht alles im Leben, aber schreiben, das kann sie. Das Problem ist nur: Das Drehbuch muss bis zum 16. Februar, 17 Uhr, bei Paramount sein. Das sind noch zwei Tage. Ein Sonntag und ein Feiertag. Da es an diesen Tagen keine Post gibt, macht sich Wendy von San Francisco aus allein auf den Weg. Na ja, nicht ganz allein. Sie hat den kleinen Hund Pete dabei. Während ihre Betreuerin Scottie(Toni Collette) und ihre Schwester Audrey(Alice Eve) Wendy suchen, unternimmt die eine Reise, die so spannend und gefährlich wie die Erforschung neuer Welten ist…

Ich sage mal: Perfekt! Jedenfalls für meinen Filmgeschmack. Die Idee Star Trek und die Geschichte der an Autismus leidenden Wendy zusammenzubringen ist schlichtweg genial. Mit wenig Aufwand hat Ben Lewin hier einen Film gemacht, den man nicht nur mit den Augen, sondern auch mit dem Herzen schauen kann.

„Anonymität ist der Feind!“

So sieht es in der unbestimmten Zukunft des Police Detectives Sal Frieland(Clive Owen) jedenfalls aus. Die gesamte Menschheit ist gedanklich digitalisiert worden und im „Ether“ miteinander verbunden. Jeder Mensch nimmt ständig sein Handeln auf. Die Aufzeichnungen werden als Erinnerungen gespeichert. Die Strafverfolgungsbehörden haben kompletten Zugang und so sind Verbrechen immer aufklärbar. Doch dann passieren Morde, bei denen keinerlei Aufzeichnungen vorhanden sind. Die mysteriöse Anon(Amanda Seyfried) scheint nicht nur die Mörderin sondern auch noch eine unglaubliche Hackerin des „Ether“ zu sein. Je tiefer Sal in den Fall einsteigt, desto weniger weiß er, was er glauben soll. Nur eines wird ihm klar: Nichts kann bewiesen werden!

Das ist mal eine andere Aussicht auf Datenschutz und Digitalisierung. Andrew Niccol hat ein cleveres Drehbuch geschrieben und Regie geführt. -Anon- hat eine puristische und sehr coole Optik, erinnert hier und da an berühmte Vorgänger wie -Minority Report, Matrix oder Der Plan-; ist dabei jedoch komplett eigenständig. Man muss aufpassen, um den Faden nicht zu verlieren. Die Spannung gibt es graits obendrauf. Die Aufklärung des Falls empfand ich als ein wenig bieder, ansonsten aber war das ein richtig guter Film.

Vom besten Freund des Menschen…

… handelt Wes Andersons Film -The Isle Of Dogs-. Anderson ist alles andere als ein konventioneller Filmemacher und, ganz ehrlich, manche seiner Filme konnte ich nicht leiden. Bei -Isle Of Dogs- ist das anders. Warmherzig, tiefsinnig, gefühlvoll und punktgenau kommt Anderson auf die Beziehung Hund - Mensch. Kein anderes Tier ist je eine so nahe Verbindung zu uns eingegangen wie der Hund. Andersons Figuren sind charakteristisch für alles, was Menschen und Hunde ausmacht. In vereinfachter Zeichentrickform passt da jeder Deckel direkt auf den Topf.

Megasaki City wird von Bürgermeister Kobayashi beherrscht. Er hasst alle Hunde und hat die Tiere auf die verseuchte Insel Trash-Island transportieren lassen. Darunter auch Spots, den Hund seines Mündels Atari. Der macht sich auf die Suche nach seinem Hund und versucht ihn zurückzuholen. Doch ohne die Hilfe der Hunde Chief, Rex, King, Boss und Duke wird das nichts. Ataris Reise wird zu einem unglaublichen Abenteuer, an dessen Ende das Schicksal aller Hunde von Megasaki City steht.

Das Drehbuch, die Produktion, der Tiefgang und der Humor von -Isle Of Dogs- vereinen sich in einem wunderbaren Filmerlebnis, das einer Märchenerzählung näher kommt als einem Festivalfilm. Die deutsche Synchronisation der Hundestimmen ist dabei genau so ideal gewählt, wie man es sich nur wünschen kann. Ich habe jede Minute genossen. Wer weiß, vielleicht geht es ihnen genau so. Probieren sie es einfach aus…

„Ich bin nur hier, um ein Bild zu malen.“

Dieser Satz aus dem Mund von Catherine Weldon(Jessica Chastain) ist die Untertreibung schlechthin. Denn Weldon wird dabei sein, wenn der letzte große Indianerhäuptling in die ewigen Jagdgründe einzieht. Frei nach dem Leben der Malerin Caroline Weldon hat Susanna White einen mitreißenden, tief bewegenden Film geschaffen, der sich nicht immer an die tatsächlichen Ereignisse hält, aber den Kern des „Verbrechens“ an der indianischen Urbevölkerung perfekt trifft.

Die Malerin Catherine Weldon will 1889 ausbrechen. Ihr Mann ist verstorben und sie weint ihm keine Träne nach. Sie will ins Dakota Territorium reisen und ein Porträt von Sitting Bull(Michael Greyeyes) malen. Die irrwitzige Idee findet bei der Armee keine Freunde. Doch Weldon ist stur. Sie trifft Sitting Bull und unterstützt ihn, als die Weißen den Indianern mit einem Gesetz das Land wegnehmen wollen. Sowohl Weldon als auch Sitting Bull kämpfen auf verlorenem Posten; aber: Sie kämpfen!

Atemberaubende Landschaften, eine brillante Jessica Chastain und ein in sich ruhender Michael Greyeyes. Dazu eine Geschichte, die auch nach 130 Jahren noch immer das Unrecht zeigt, das geschah. -Die Frau die vorausgeht- ist ein starker Film mit Botschaft, den sie sich auf jeden Fall anschauen sollten.

Narzissten, Dialoge und ein Puma.

Das sind die Zutaten zu Victor Levins -Destination Wedding-. Und zwar in ziemlich radikaler Form. Wer auf Woody Allen Filme steht, der könnte mit Levins Streifen gut klar kommen. Wer sich jedoch nach einer unterhaltsamen, seichten Komödie umsieht, sollte den Film nicht auf die Liste nehmen. In Levins Film gibt es nur zwei Protagonisten: Lindsay(Winona Ryder) und Frank(Keanu Reeves). Beide sind nervig, unsympathisch, selbstverliebt und komplett beziehungsuntauglich. Damit muss man erst Mal klarkommen.

Lindsay und Frank lernen sich auf dem Flughafen kennen. Sie müssen zu ihrem Entsetzen feststellen, dass sie zur gleichen Hochzeit auf dem Land eingeladen sind. Ziemlich schnell merken die beiden, dass sie sich nicht leiden können. Allerdings können sie die Hochzeitsgäste noch weniger leiden. Also hocken die beiden aufeinander und nerven sich, bis… ja das sollen sie sich dann schon selbst anschauen.

Man braucht eine Viertelstunde, um in die Story reinzukommen. Zu sperrig und dialoglastig wirkt das am Anfang. Da braucht man starke Nerven. Aber dann entwickeln sich die Charaktere und die Story. Es gibt Liebe im Haferstroh, die so skurril wie unsexy ist und Sprüche, die man sich erst einmal einfallen lassen muss. Dieser Film wird die Zuschauer ganz sicher spalten. Von totaler Begeisterung bis zu extremer Ablehnung werden alle Reaktionen dabei sein.