Rivalitäten, Eifersüchteleien, aber auch Anerkennung und Zuneigung, zwischen diesen Polen pendeln die Beziehungen zwischen den drei Schwestern. Ausgelöst wird die Chose durch die Rückkehr des Nesthäkchens (zugleich auch die am meisten rebellische) von der Großstadt nach 15-jähriger Abwesenheit in ihr Heimat-Provinznest anläßlich des 70. Geburtstag ihres Vaters. Es brechen alte Wunden auf, aber es tun sich auch völlig überraschend auch positive Entwicklungen auf. Weder Komödie noch Liebesfilm, am ehesten passt die Bezeichnung Drama - auch wenn nicht alles todernst daherkommt.

Ein klassisches MGM-Musical aus der goldenen (Nachkriegs-)Musical-Ära. Gene Kelly tanzt alle anderen an die Wand. Der blutjunge schmächtige Frank Sinatra hat noch wenig Ähnlichkeit mit dem späteren womanizer. Esther Williams braucht nicht groß zu schauspielern (hatte sie wahrscheinlich eh nicht drauf), ein bißchen Trällern langt auch, und in erster Linie ist sie schön - und eine Swimmingpool-Szene versteht sich nahezu von selbst.

Für mich einer der besten Filme in dem schwierigen Genre der Theater-Verfilmungen. Er schafft es tatsächlich, aus beiden Sparten (Theater und Kino) das Beste zu einem stimmigen Ganzen zu vereinen. Überragend die drei männlichen Hauptdarsteller Al Pacino, Jeremy Irons und Joseph Fiennes, denen mit Lynn Collins ein gleichwertiges weibliches Pendant gegenübersteht.

Zärtlicher Coming-of-age-Film über die pubertären Probleme und Nöte von heranwachsenden Mädchen in der französischen Provinz, alles vor dem Hintergrund einer Synchron-Schwimm-Gruppe. Anfangs war ich etwas enttäuscht, da es leider nur eine französische Original-Version mit deutschen Untertiteln gibt, aber das ist - wie ich bereits öfters bei anderen Filmen gemerkt habe - wirklich kein Problem. Nach spätestens 5 Minuten merkt man das gar nicht mehr.

Elitär abgehobenes Arthouse-Kino (m.a.W.: ein unsäglicher Schmarrn), hochgelobt von den Kritikern weltweit (u.a. Auszeichnungen in Cannes und beim Sundance Festival).

Eine kurze Szenenbeschreibung möge reichen: Ein Mann steht wartend an der Bushaltestelle und klopft mit einer Münze rhythmisch an einen Laternenpfahl. Ein kleiner Junge kommt dazu und fragt: "Was machst Du da?". Der Mann antwortet: "Ich bin dabei, wenn die Zeit vergeht!" und gibt dem Jungen die Münze. Der Bus kommt, der Mann steigt ein, der Bus fährt weg. Der Junge stellt sich an den Laternenpfahl und klopft rhythmisch mit der Münze dagegen ...

Mehr gaga ist eigentlich kaum vorstellbar!

Durch den irreführenden Trailer wird mit Sicherheit das falsche Publikum angelockt. Es ist keine Komödie, sondern allenfalls eine Tragikomödie mit deutlichem Schwerpunkt auf den tragischen Akzenten.

Einige Loser (geschieden, arbeitslos, alleinerziehend oder irgendwie sonst vom Leben enttäuscht) treffen sich regelmäßig in ihrer Sauna "Schwitzkasten" und behecheln ihre frustrierende Situation. Manchmal witzig, manchmal deprimierend, meistens leidlich unterhaltsam.

Ein Film, der mit dem Chanson "La mer" von Charles Trenet beginnt, kann gar nicht schlecht sein. Und genauso ist es: Eine sehr berührende, über weite Passagen mit subjektiver Kamera (mit den Augen der Hauptperson) gefilmte und mit diversen Zeitsprüngen abgehandelte Darstellung eines tragischen Schicksalsschlages und dessen Folgen. Am meisten beeindruckt hat mich die schier unermessliche Geduld, mit der das Klinik-Personal versucht, dem Patienten zu helfen und wie sehr man sich auch noch über die kleinsten Fortschritte freut.

Oberflächliche Heldensaga vorrangig über Kindheit und Jugend des späteren Dschingis Khan, angereichert mit schönen Landschaftstotalen und einigen blutigen Gemetzeln. Die Persönlichkeit von Dschingis Khan wird nur ansatzweise erkennbar. Merkwürdigerweise spielen ein Japaner und ein Chinese in den beiden männlichen Hauptrollen - zwei einander in Hassfreundschaft verbundene Mongolenfürsten.

Der von Privatleuten initiierte und produzierte Film kann natürlich in keiner Weise den technischen Aufwand bieten, den Ritterfilme a la Hollywood voraussetzen. Er hat auch gar nicht die Absicht, mit denen in Konkurrenz zu treten. Er ist dafür umso authentischer (angefangen bei den in der damaligen Zeit "üblichen" faulen Zähnen bis hin zum äußerst realistisch dargestellten "Rädern" - eine damals gebräuchliche Art der Hinrichtung). Er ist - auch in den eher seltenen Kampfszenen - relativ ruhig und hat keine heftigen Schnitte. Positiv habe ich die einfallsreiche Kameraführung und Bildgestaltung empfunden, und richtig begeistert hat mich eigentlich die Filmmusik - unaufdringlich im Hintergrund, aber ständig präsent. Die Darsteller - soweit ich weiß, überwiegend Laien - überzeugen in dieser pessimistischen Geschichte über den Niedergang des Rittertums. Ein Film abseits der üblichen Sehgewohnheiten. Nichts für Action-Freaks!

Eine zärtliche Ode auf ein Altwerden in Würde. Überragend sind die beiden Frauenfiguren (Jessica Tandy und Bridget Fonda), die sich über ihre gemeinsame Liebe zur Musik langsam näherkommen. Der in den Credits genannte Graham Greene spielt nur eine - wenn auch sehr prägnante und nachhaltig in Erinnerung bleibende - absolute Nebenrolle. Im übrigen ist der Film weit entfernt von den Genres, unter denen er abgelegt ist (Drama, Abenteuer, Lovestory).

Sehr sympathischer Film aus Italien, in dem die Sorgen und Nöte der Mitglieder einer Großbürger-Familie abgehandelt werden. Das nach vielen Jahren aus Rom zurückgekehrte "Schwarze Schaf" wirkt als Katalysator, der die innerhalb der Familie schwelenden Konflikte offenlegt, so dass langsam Ansätze für eine positive Entwicklung erkennbar werden. In einigen Szenen von überaus skurrilem Humor geprägt.

Dem Aschenputtel-Motiv nach-empfundenes, absolut belangloses Teenager-Märchen. Hilary Duff erhält die Gelegenheit, vier Liedchen zu trällern. Einzig der in einigen Szenen auftauchende bissige Humor verhindert die Schlechtest-Bewertung *.

Ein überragender Film für alle Freunde der gehobenen Unterhaltung. Gleichzeitig werden wichtige Facetten des britischen National-Charakters herausgestellt - und es wird auch deutlich, weshalb dieses vermeintlich verschrobene Volk es als einziges in Europa geschafft hat, sich erfolgreich gegen die Nazi-Barbarei zu wehren.

Insgesamt unterdurchschnittlich. Es kommt weder besondere Spannung auf (am Schluss des Films ist es dem Zuschauer eigentlich ziemlich egal, ob Rettung kommt oder nicht), noch wird man neugierig auf die beiden Personen, die da irgendwie den Tod vor Augen haben. Man weiß am Anfang nichts von ihnen, erfährt auch später nichts und am Schluss will man eigentlich auch nichts Näheres von ihnen wissen. Open Water 2 (hat außer mit dem Titel und der Tatsache, dass Menschen im Meer um ihr Leben kämpfen, nichts mit Open Water zu tun) finde ich wesentlich besser und zumindest sehr kurzweilig (außerdem treten mehr und hübschere Frauen auf).

Einige heiße Szenen und viel wortreiches Gehabe drum herum. Die beiden weiblichen Protagonisten wirken ziemlich cool, während die Männer - angeblich sind es hochrangige Manager - nur als Karikaturen gezeichnet werden.

So wie in diesem Film gehts wohl in keiner Firma zu - oder aber in Frankreich gibt es tatsächlich eine andere Unternehmenskultur. Richtig albern ist dann der esoterische Schluss mit Anleihen aus der ägyptischen Geschichte bzw. Mythologie (Brüderchen und Schwesterchen Pharao, die sich gaaaaanz, gaaaaanz lieb haben).

Die erste Hälfte des Films kann man sich getrost schenken - wie kann man bloß auf die grandios bescheuerte Idee kommen, Sharukh Khan als Playboy-Student (für die Rolle ist er mindestens 20 Jahre zu alt) und die damenhaft-elegante Kajol als burschikoses College-Girl (mindestens 10 Jahre zu alt) zu besetzen?

Der zweite Teil entschädigt dann voll und ganz: Klassisches Bollywood mit Gefühl, Musik, Tanz und Humor vom Feinsten.

Der Film gilt zwar als absoluter Musical-Kult-Klassiker, hat mich aber nicht wirklich vom Hocker gerissen. Vielleicht liegt es einfach daran, dass er für die damalige Zeit zwar ziemlich viele neue Ideen brachte, diese aber mittlerweile so Allgemeingut geworden sind, dass man sie aus heutiger Sicht gar nicht mehr richtig würdigen kann. Für meinen Geschmack viel zu wenig Tanznummern, kein Vergleich mit dem etwa zur gleichen Zeit (ein Jahr früher) entstandenen "Osterspaziergang" mit dem Gespann Fred Astaire/Judy Garland!

Da sich der Film trotz der vielversprechenden Ausgangssituation und der zauberhaften Landschaft doch sehr in die Länge zieht, kommt er leider über eine durchschnittliche Bewertung nicht hinaus.

Nur wegen der optisch und auch überraschenderweise schauspielerisch überzeugenden Sienna Miller eine 2, ansonsten wäre die 1 fällig geworden. Es handelt sich um ödes abgefilmtes Kammerspiel-Theater (2-Personen-Stück) mit belanglosem Psycho-Gewabere. Weder die beiden Hauptfiguren noch die überkonstruierte Handlung können ein irgendwie geartetes Interesse wecken.

Die 68er-Irrungen und -Wirrungen und die nachfolgende Entwicklung der Terroristen-Szene sind sehr gut und spannend dargestellt. Allerdings habe ich schon vor längerer Zeit die Buchvorlage gelesen, so dass der reine Informationsgehalt für mich nicht sehr groß war, weil mir das meiste schon vorher bekannt war. Ich befürchte, dass die Nachgeborenen den Film als reines Action-Kino konsumieren, und das würde den Opfern in keiner Weise gerecht werden.

Heino Ferch und Jan-Josef Liefers spielen nur absolute Nebenrollen. Überzeugend sind Martina Gedeck als Ulrike Meinhof und Johanna Wokalek als Gudrun Ensslin.

Gute Grund-Idee und gute Schauspieler, insgesamt aber schlecht umgesetzt. Statt sich auf einen Handlungsfaden zu konzentrieren - Kevin Costner als biederer erfolgreicher Geschäftsmann mit nicht unterdrückbarem Hang zum Töten - werden weitere Handlungsstränge (u.a. die privaten Befindlichkeiten der ermittelnden Polizistin) ausgebaut und abschließend alles zu einem relativ ungenießbaren Mischmasch zusammengerührt. Wirklich schade um die Grundidee und die Schauspieler!

Eine sehenswerte historische Variante zu den üblichen Bollywood-Schmonzetten. Sie legt deutliches Gewicht auf Kampf- und Action-Szenen und reduziert dafür die Tanz-/Musiknummern.

Die japanische Original-Version habe ich schon vor längerem gesehen und kann mich an die Einzelheiten nicht mehr so erinnern. Ich glaube, dass in der US-Version hauptsächlich der Schluss verändert wurde, der dadurch deutlich verstörender wirkt, als der eher versöhnliche japanische Schluss.

Auf jeden Fall ist die US-Version von "Dark Water" weitaus gelungener als die ähnlich gelagerten US-Remakes von "The Grudge" und "The Ring", die an die japanischen Original-Fassungen in keiner Weise herankommen. Ein alles in allem durchschnittlicher Horror-Film, der überwiegend mit subtilem Grauen arbeitet.

Ein überaus düsterer Film ohne jeglichen Hoffnungsschimmer über ein 17 Jahre zurückliegendes Familiendrama, das zwar allen Beteiligten bekannt ist, über das der Zuschauer aber erst ganz am Schluss aufgeklärt wird. Dies führt nicht etwa zu erhöhter Spannung, sondern zu erheblichen Irritationen beim Zuschauer, da die Motivation der einzelnen Beteiligten ziemlich rätselhaft erscheint und erst im Nachhinein wenigstens teilweise nachvollziehbar ist.

Die an 1. Stelle der credits genannte Miranda Otto spielt nur eine Nebenrolle, darf relativ wenig sagen und dafür umso mehr bedeutungsschwangere Blicke werfen. Die Hautptrollen spielen Matthew MacFadyen und die in den credits nicht erwähnte junge und sehr begabte Emily Barclay.

Von den Filmen, die ich bisher mit Ben Stiller gesehen habe, der mit Abstand schlechteste! Allein schon die Grundidee (Enddreißiger heiratet in Torschlusspanik völlig überstürzt, merkt bereits bei der Fahrt in die Flitterwochen, welche Nervensäge er sich da angelacht hat, und begibt sich am Urlaubsort angekommen unverzüglich auf neue Brautschau) ist voll daneben. Die wirklich guten Gags sind selten, dafür feiert der Fäkalhumor wahre Triumphe. Negativer Höhepunkt: Der von einer Feuerqualle heimgesuchte Ben Stiller wird zwecks Schmerzlinderung von seiner Frau angepinkelt, die allen völlig konsterniert Herumstehenden (rund 20 an der Zahl) fröhlich zuruft: "Das ist schon in Ordnung, ich bin ja seine Ehefrau!"

Typischer 50er-Jahre-Heile-Welt-Film, bei dem die Jugend vorsichtig am Lack der Honoratioren kratzt. Die reagieren aber dermaßen verständnisvoll, dass am Schluss alle happy-hippo sind. Die in den Castings genannten Freddy Quinn und Gisela Schlüter spielen absolute Nebenrollen, immerhin darf Freddy ein paar Liedchen trällern. Neben Walter Giller spielen in den Hauptrollen Gardy Granass und Wera Frydtberg sowie Michael Cramer. Richtig herzerfrischend, wie damals die Welt noch in Ordnung war! Aber Scherz beiseite: Der damalige Zeitgeist kommt sehr authentisch rüber. Man erfährt wahrscheinlich mehr über die Aufbruchsstimmung der Wirtschaftswunderzeit als aus seitenlangen gelehrten Abhandlungen.

Ein wunderbarer Langzeit-Film (erster und zweiter Teil zusammen mit rund 6 Stunden) über eine italienische Familie über fast vier Jahrzehnte hinweg, der vom italienischen Fernsehen produziert wurde und ursprünglich auch nur für eine dortige Ausstrahlung vorgesehen war (vermutlich gibt es deshalb auch keine Synchronfassung auf deutsch, sondern lediglich die italienische Originalfassung wahlweise mit oder ohne deutsche Untertitel, aber das stört wirklich überhaupt nicht). Im Mittelpunkt stehen die Brüder Nicola und Matteo und ihre Angehörigen und Freunde, beginnend mit dem Jahr 1966, als sie kurz vor ihrem Studienabschluss stehen. Ein anrührendes und trotzdem in keiner Weise kitschiges Meisterwerk! Besser geht es nicht!

Es handelt sich um ein nicht so ganz gelungenes US-Remake des deutschen Films "Bella Martha" mit Martina Gedeck. Catherine Zeta-Jones ist einfach zu attraktiv, um die Hauptrolle glaubwürdig verkörpern zu können. Ein absoluter Pluspunkt ist allerdings die kleine Abigail Breslin (einigen vielleicht aus "Miss Little Sunshine" bekannt). Viel Herz und Schmerz, aber irgendwie auch synthetisch wirkend! Wenigstens haben sie den Titelsong von Paolo Conte unverändert vom deutschen Vorbild übernommen.

Sehr empfehlenswert für zeitgeschichtlich bzw. filmhistorisch Interessierte. Es werden ausschließlich - mit einer Stimme aus dem Off durchaus auch ironisch kommentierte - Ausschnitte aus Filmen des Dritten Reiches (sowohl Spielfilme wie auch Wochenschauen oder Dokumentarfilme)gezeigt: also quasi 90 Minuten geballter Nazifilm, sortiert und zusammengestellt nach verschiedenen Themenbereichen (z.B. Krieg, Juden, Volksgemeinschaft etc.). Für Zuschauer ohne Vorkenntnisse empfiehlt es sich unbedingt, die Funktion "Mit Filmtitel" zu wählen, dann wird bei jeder Einspielung der Titel des Films eingeblendet, aus dem der jeweilige Ausschnitt stammt, ansonsten könnte es leicht verwirrend wirken. Ein absolut gravierender Fehler hat sich allerdings eingeschlichen, als eine Szene aus dem Film "M - eine Stadt sucht einen Mörder" (eigentlich ein Anti-Nazi-Film von Fritz Lang aus der Vor-Hitlerzeit) dem üblen Nazi-Machwerk "Der ewige Jude" zugeordnet wurde.

Obwohl es aufgrund der damaligen ökonomischen Gegebenheiten (das Drehen von Filmen erforderte einen immensen technischen und damit auch finanziellen Aufwand) eigentlich sonnenklar war, wurde es mir erst durch diesen Film so richtig bewusst, dass jedes, aber auch wirklich jedes Original-Filmdokument aus dieser Zeit - und zwar ganz gleichgültig, ob Spiel- oder Dokumentarfilm - keine "neutrale" Sicht wiedergibt, sondern inszeniert ist: Es wird die Sicht wiedergegeben, die das totaltitäre System und seine Handlanger von sich selbst und von den Deutschen hatte bzw. dargestellt wissen wollte. Und jeder Film verfolgte eine und sei sie auch noch so versteckte propagandistische Zielsetzung.

Der Film zerfällt in zwei Teile: Der erste Teil spielt in Delhi und handelt in typischer Bollywood-Manier (umfangreiche Gesangs- und Tanzeinlagen) eine Jungmädchen-Romanze ab, der zweite Teil - sieben Jahre später in Kaschmir (gedreht wurde im polnischen Wintersportort Zakopane) angesiedelt - beginnt als Action-Thriller (u.a. Schneemobil-Verfolgungsjagd und -schießerei á la James Bond) und endet überaus dramatisch in der schneeweißen Winter-Landschaft. Insgesamt eine gute und entspannende Unterhaltung für Bollywood-Fans.

Interessantes, leicht ironisches Zeitbild über das Gewese und Gehabe in der Links-Öko-Alternativ-Szene am Anfang der 80er. Negativ fallen technische Defizite bei den relativ vielen Dunkel-Schummerlicht-Szenen in der Berghütte auf. Die bei den credits als erste genannte Alexandra Neldel hübscht den Film zwar optisch auf, darf insgesamt aber nur zwei Sätze sagen. Die an zweiter Stelle genannte Anneke Kim Sarnau kommt immerhin auf etwa 10 Sätze (geschätzt). Die Hauptrollen spielen Valerie Koch und Hans-Jochen Wagner.

Der Film beobachtet wunderbar zärtlich drei Generationen einer großbürgerlichen italienischen Familie bei ihren Bemühungen, mit sich selbst und mit dem Rest der Welt - und vor allem mit den übrigen Familienmitgliedern - ins Reine zu kommen. Eine große Rolle spielen vermeintliche Familiengeheimnisse: Alle wissen davon, aber den anderen gegenüber gibt man sich ahnungslos.

Ein absoluter Höhepunkt für Freunde der klassischen MGM-Musicals aus den Dreißigern und Vierzigern! Die junge Judy Garland brilliert neben Fred Astaire in einem seiner letzten großen Tanz-Filme. Ein fulminanter Step-Auftritt von Ann Miller ist allein schon den ganzen Film wert. Außerdem gibt es einen tollen Bonus-Teil u.a. mit einer Dokumentation (ca. 30 Minuten) zur Entstehungsgeschichte dieses Meisterwerks.

Mindestens genauso gut wie der vorherige Film "Beste Zeit" (mit gleichem Regisseur und gleichen Darstellern). Im ersten Film ging es mehr um die Konflikte Jung-Pubertierender mit den Erwachsenen, jetzt - zwei Jahre später - geht es darum, dass sie selbst merken, wie sich zu Erwachsenen (und damit auch auseinander-)entwickeln. Irgendwie trennen sich langsam die Wege, und das schmerzt die Mädels ungeheuer.

Eine völlig unglaubwürdige Ausgangssituation - aber es wird ein überaus sympathischer Film daraus. Und Gott sei Dank endlich einmal Juliette Binoche in einer entspannten und entspannenden Rolle, das hat sie nämlich auch wunderbar drauf!

Eine tragikomischer Ensemble-Film ohne wirkliche Unterscheidung zwischen Haupt- und Nebenrollen. Es gibt Szenen, da zerreißt es einem schier das Herz und Szenen, da kann man nur noch losprusten. Kino so wie das Leben!

Im Prinzip eine klassische Tragödie wie bei den alten Griechen: Aus einer zunächst abwehrenden Haltung wird ein "Warum eigentlich nicht?", aus einem Schneeball wird eine Lawine, am Schluss ist derjenige, der eigentlich die Fäden ziehen wollte, ein hilflos Getriebener.

Hin und wieder blitzt subversiver Humor auf, wo man eigentlich losprusten will, wenn es nicht schon einige Leichen gegeben hätte.

Überragend ist Billy Bob Thornton als halbtumber Bruder. Als einziger bleibt er sich selbst treu bis zum bitteren Ende.

Die schrill-schräg-anarchistische Balkan-Komödie eröffnet einen Blick auf eine völlig andere Welt abseits der mitteleuropäischen Vollkasko-Mentalität. Wer offen für andere Lebensumstände und ein anderes Lebensgefühl ist, der wird seine helle Freude an dem überdrehten Spektakel haben. Bitte nicht allzu ernst nehmen!

Amüsantes Zeitbild über die Kinderstube der Fußball-Bundesliga von 1963 bis 1978. Wohltuend ist das Fehlen jeglichen nachträglichen Kommentars, man lässt die einzelnen Fußball- und Interview-Szenen einfach so im Raum stehen - da kann sich jeder seinen eigenen Reim darauf machen. Irgendwie waren damals auch die Stars noch menschlicher - keine solchen hypertrophen Lichtgestalten, wie sie jetzt gang und gäbe sind. Der Fußball im allgemeinen hat sich nicht zu seinem Vorteil verändert.

Durchschnitts-Thriller, konsequent und geradlinig ohne übertriebenen Firlefanz und technische Gimmicks erzählt.

Die Geschichte einer Hassliebe, schwankend zwischen allen denkbaren emotionalen Höhe- und Tiefpunkten, visuell ungewöhnlich kreativ und abseits der üblichen Sehgewohnheiten erzählt.

Wer einen Schenkelklopfer erwartet, wird enttäuscht sein. Definitiv keine Komödie, allenfalls eine Tragikomödie mit deutlichem Schwerpunkt auf der Tragik. Julie Walters gibt die alternde Schauspielerin, die sich selbst und allen um sie herum vorzumachen versucht, was für ein wundervolles exzentrisches Leben sie führt. Rupert Grint als mama-betütelter Jüngling mit deutlicher Reifeverzögerung ist anfangs fasziniert von ihr und nutzt die Gelegenheit für kleine Fluchten aus seiner vorgezeichneten Lebensbahn. Das Happy-End wirkt aufgesetzt.

Wie so oft bei Mystery-Thrillern, beginnt der Film sehr geheimnisvoll und spannend, um dann mehr und mehr abzuflachen bis zu einem - meistens - unbefriedigenden Ende. Immerhin schaffen es Regisseur und Drehbuchschreiber, den Zuschauer so zu fesseln, dass er die Widerhaken in der Story (erinnert sei nur an das berühmte Zeitreise-Paradoxon) schluckt und erst nach dem Film ins Sinnieren darüber kommt, dass da einiges in der Handlung nicht so ganz zusammenpasst. Allerdings ein großes Kompliment an Sandra Bullock, die in der tragischen Hauptrolle in Mimik und Körpersprache absolut überzeugt.

Nostalgische Komödie über die Anfänge des damals noch verpönten Profi-Football-Sports in den USA der 20er-Jahre.

Teils skurril-makabre, teils durchaus philosophisch angehauchte schwarze Komödie um den gewaltsamen Tod eines Ekels (sehr lebensnah dargestellt von Stefan Kurt). Die Spannung resultiert weniger aus der Frage nach dem Mörder (man erlebt das Verbrechen hautnah mit) sondern daraus, welche Irrungen und Wirrungen - auch auf Seiten der Zürcher Polizei - sich aus der Tat ergeben. Wunderbar überdreht agieren Friedrich von Thun und Hans-Michael Rehberg als elitäre alte Kumpel mit einem dunklen Fleck in der Vergangenheit. Die schweizerisch-österreichisch-deutsche Fernsehproduktion ist im Original auf Schwyzerdütsch gedreht; die DVD bietet auch eine hochdeutsche Synchronisation an, wodurch allerdings relativ viel Atmosphäre verlorengeht.

Größtenteils misslungener Versuch einer deutschen Screwball-Komödie. Til Schweiger ist nicht George Clooney, und das merkt man in jeder Szene.

Auch halbwegs gelungene Gags (z.B. Rick Kavanian als cholerischer Chefredakteur mit übertriebenem Bayern-Slang) werden dadurch totgeritten, dass sie drei mal wiederholt werden. Manche Gag-Versuche (mehr als ein Versuchsstadium kann man ihnen nicht zubilligen) scheitern einfach an der zu langen Ansage - Witz, Esprit oder auch Gag haben immer irgendwie was mit Überraschung zu tun.

Viele Cameo-Auftritte (z.B. der von Achim Rohde) werden geradezu verschenkt, wirklich gut ist eigentlich nur Jürgen Vogel (negativer Cameo-Höhepunkt: die wandelnde Schlaftablette Wolfgang Stumph als bräsiger Taxifahrer).

In guten Geschlechterkampf-Komödien gibt es eine Doppelbödigkeit von Dialog und wirklichem Denken - bei Til Schweiger sagen die Akteure immer genau das, was sie gerade wirklich denken (überraschungsfrei geht es eigentlich immer nur um das eine) und sparen dabei keine Peinlichkeit aus. Und wenn dann ansatzweise ein gewisses Tempo und ein gewisser Rhythmus erkennbar werden, dann wird gleich wieder die Luft herausgenommen. Kamera-Schwenks über treuherzige Kinderaugen bringen nun einmal eine Geschichte nicht wirklich voran.

Aus einem vor mehr als 20 Jahren gefloppten Musical wird in aller Regel kein guter Film. Auch wenn das Sujet zweifelsohne die überbordende Phantasie von Tim Burton angeregt und ihn auch zu einigen visuell-morbiden Höhepunkten inspiriert hat - hingewiesen sei nur auf den Barbierstuhl mit Kippmechanik zur reibungslosen Entsorgung in den Leichenkeller - , kann dies nicht über die schwachbrüstige Story und den geringen musikalischen Gehalt des Ganzen hinwegtäuschen. Weder die gesanglichen noch die schauspielerischen Leistungen von Johnny Depp und Helena Bonham Carter retten den Film.

Aus dem Rahmen fallendes Kammerspiel (allerdings in schöner Natureinsamkeit angesiedelt) mit drei Hauptfiguren, die verschiedene Sprachen sprechen (Russisch, Finnisch und Samisch - oder wie auch immer die Lappensprache heisst) und sich hauptsächlich durch Mimik und Tonfall verständigen bzw. auch missverstehen (zum Teil sehr witzig). Gott sei Dank keine Synchronfassung, sondern mit Untertiteln versehen, und selbst dadurch geht wohl einiges verloren. Ein Sieg der Menschlichkeit über das Grauen des Krieges.