Für mich sind die Dialoge der wichtigste Punkt, jedenfalls in der Originalfassung - schnell, witzig, smart. Ein paar neue Figuren beleben in der zweiten Staffel das Ensemble. Auch für das Set hat die Produktion deutlich mehr Geld locker gemacht, auch wenn die Räume deutlich großflächiger ausfallen als im Originalgebäude.

Die Action-Szenen und polizeilichen Ermittlungen sollen die Dramaturgie anreichern und mehr Rhythmus herein bringen, nicht unbedingt jedoch mehr Realismus. Manches soll US-Städte darstellen, manches England, gedreht wurde aber in Kanada.

Der Blick auf die Washingtonsche Politik wird schematisiert und wirkt mitunter naiv - ein ziemlich herziger und gesitteter Kontrast zu den aktuellen Wirklichkeiten. Man lernt aber auch einiges über das US-amerikanische politische System und seine zahlreichen Austarierungen und "checks & balances" und ständigen Kuhhandel.

Insgesamt spannend und unterhaltsam.

Sehr klassisches Kino, das von der Struktur her auch ein Film aus den Sechzigern sein könnte, jedoch mit aktuellen digitalen Effekten.

Auweia, es ist teilweise richtig anstrengend, dabei zuzuschauen, wie angestrengt sich die Figuren Mühe geben, superlustig zu sein. Eigentlich B-Movie-Trash. Doch irgendwann in den letzten zwanzig Minuten taucht Arnold Schwarzenegger auf und trägt genau so dick auf, überspitzt in der Originalfassung seinen österreichischen Akzent, stiehlt allen die Show und hat offensichtlich viel Spaß. Insofern ist er die Belohnung (oder das Ende der Bestrafung) für die vorangegangene Stunde.

Es geschieht etwas, das physikalisch gar nicht möglich sein kann, und das bleibt zunächst ein eng behütetes Staatsgeheimnis. Doch es beginnt schon, manch ein Leben zu verändern. Am Ende bleibt nur ein Kopf kühl.

Niccolò Ammaniti sucht immer wieder den Kontrast: zwischen schön und hässlich, zwischen Traum und Wirklichkeit, zwischen Moderne und traditionsverhafteten Landstrichen, zwischen Tod und Leben, spielt auch mit Zeitverschiebungen, die vielleicht doch keine sind, und schlägt gelegentlich Brücken ins Absurde, gerade weil die Wirklichkeit mitunter so absurd sein kann. Die Selbstbeherrschten verlieren die Fassung, die Unbeherrschten finden sie, und so verweben sich die verschiedenen Erzählstränge immer wieder miteinander.

Diese elegante Miniserie löst das Rätsel in der ersten Staffel noch nicht auf. Und sie nimmt sich Zeit, sucht keine unnötige Action, erforscht eher die Figuren und ihre Wege und lauernden Abwege. Wer Mystery-Serien mag, sollte sich diese italienische Produktion wirklich einmal anschauen.

Spannender Polit-Thriller mit intelligentem Drehbuch und ständigen Weiterentwicklungen der Story. Es gibt keine Leerläufe. Niemand kann solche Miniserien so gut wie die Briten. Sehr sehenswert.

Ein bisschen fühlt man sich in der Umsetzung an die robuste englische Spionageserie "Spooks" erinnert (in Deutschland leider weitgehend unbekannt).

Erstaunlich wie ein Film, wenn ihm ein großes Comic-Label anhängt, gigantische Geldsummen einfährt, und wie es so manche Ähnlichkeiten mit "A Beautiful Day" (Originaltitel "You Were Never Really Here") mit demselben Hauptdarsteller gibt, dieser aber über ein kleines Arthouse-Publikum kaum jemanden erreichte. Dabei tunken beide ihre Wurzeln (unter anderem) in die Martin-Scorcese-Filmografie. (Beide Filme haben übrigens einen weiteren, noch sehr jungen Schauspieler gemeinsam, Dante Pereira-Olson.)

Es ist auf jeden Fall ein interessantes und riskantes Experiment fernab der Regelwerke typischer Superhelden-Unterhaltung und kaum verwunderlich, dass die Meinungen so geteilt sind. Meine beiden Gehirnhälften streiten auch immer noch.

Wer nach dem Film weiter an der Vita des Pianisten interessiert ist, kann den Dokumentarfilm "Hello, I Am David" von Cosima Lange anschauen. Darin wird er auf einer Konzertreise begleitet. Leider ist der Film derzeit offenbar nicht für den Verleih freigegeben.

Erschreckend smartes Skript - ein Psychothriller mit einer erzählerischen Struktur fast wie die eines Horrorfilms. Und wie die "REC"-Serie desselben Regisseurs spielt auch dieser Film fast gänzlich in einem einzigen Wohnhaus.

Luis Tosar spielt die Hauptfigur mit erlesener Perfidie: Das Empfinden von Glück ist ihm nicht möglich, es bleibt ihm aber als beste Annäherung, wenn er dafür sorgen kann, dass andere unglücklich sind. Das klappt recht leicht, außer bei einer Bewohnerin von unbeirrbar sonnigem Temperament, bei der sein Spiel dann alsbald außer Kontrolle gerät.

Ein paar Mal ertappt sich der Zuschauer dabei, zu merken, wie leicht er sich hinters Licht führen ließ.

Bemerkenswerte schauspielerische Leistungen der drei Hauptfiguren. Die Alchemie zwischen Tatum und Ruffalo funktioniert erstaunlich gut. Von Steve Carell, den man eher aus Komödien kennt, geht eine ständige, unheimliche Bedrohung aus, zumal er über alle anderen Figuren die Macht hat, die ihm sein Geld verleiht, und immer unklar bleibt, ob er sie als Menschen sieht, ob er sie als Haustiere hält, oder ob er sich (wie Michael Jackson mit seiner Neverland-Ranch) eine verspätete glückliche Kindheit konstruieren will.

Wenn man nach dem Film über die wahren Geschehnisse liest, ist es im Rückblick etwas schade, dass das Abdriften Du Ponts in immer paranoidere Parallelwelten nicht besser aufgebaut erklärt wird, sodass seinen Taten der erklärende Hintergrund fehlt und sie aus dem Nichts zu kommen scheinen. In Wirklichkeit hatte er ja offenbar schon früher Menschen mit Waffen bedroht.

Sein ganzes Leben unverdient im Geld zu schwimmen kann einen Menschen sehr entfremden.

Biografie einer außergewöhnlichen Violine. Der Film hat viel Charme, die Musik ist möglicherweise die wahre Hauptdarstellerin und hat jedenfalls 2000 einen Oscar gewonnen. Der Film beginnt mit einer Szene wie einem Renaissance-Tableau, in der die Komparsen echte italienische Geigenbauer sind, die jede Geste kennen. Wir tauchen in fünf verschiedene Welten und Epochen ein, und treffen zum Beispiel das neunjährige Wunderkind Christoph Koncz in der Rolle von Kaspar Weiss. Aus all diesen Epochen entstehen Sensüchte und Ansprüche, die sich in den Besuchern eine 1997er Auktion in Montreal wiederfinden, welche die Rahmenhandlung bildet. Eine zweite Rahmenhandlung sind die 1681er Prophezeiungen einer alten Magd aus Cremona, die glaubt, einer werdenden Mutter die Zukunft zu erklären und noch nicht weiß, dass sie aus Gründen, die erst am Ende des Films erklärt werden, in Wirklichkeit die Zukunft eines Musikinstruments sieht, die mit der Mutter in einer Form der unsterblichen Liebe verwoben ist. Ein ambitioniertes Filmprojekt, das mit kleinen Mitteln gedreht wurde und vielleicht gerade deswegen einen gewissen Zauber ausübt.

Der Film erforscht die Entstehung der Motivation Nurejews, in den Westen überzulaufen, wo er später (was hier nicht gezeigt wird) zum Megastar des klassischen Balletts wurde. Nurejew wird hier als hochbegabter Tänzer und als weitgehend unzugänglicher, egoistischer und besessen der Kunst ergebener Mensch mit viel jugendlichem Charme dargestellt, der von klein auf vom Tanzen getrieben ist.

Um den Frankreichbesuch herum baut Ralph Fiennes die Figur mit Rückblenden in Kindheit und Jugend auf und zeigt, wie Nurejew sich mit Talent und Arroganz

In seinem dritten Film führt Ralph Fiennes eine sehr klassische Regie und einen moderaten Erzählrhythmus und hat sich robuste Schauspieler ausgesucht. Für Oleg Ivenko ist dies der erste filmische Auftritt; er ist ein heraus ragender Balletttänzer, was die gefilmten Tanzeinlagen glaubwürdig glänzen lassen.

Die meiste Zeit des Films hat man das Gefühl, einen Scorcese zu sehen, nur dass nicht viel passiert. Und in der letzten Viertelstunde sieht man dann einen Tarantino.

Tarantino zitiert gern etliche andere Filme in seinen Werken, und hier spitzt er das dann zu einer Hommage an Hollywood zu, in einer Zeit, in der die Karten der Branche neu gemischt wurden und sie sich anschickte, für die 70er Jahre ein ganzes Stück intellektueller und erwachsener und anlässlich des Vietnam-Kriegs auch politischer zu werden. Es sind die letzten Züge eines vergleichsweise sorglosen Zeitalters.

Eigentlich passiert nicht wirklich viel, man redet, fährt ein bisschen Auto, hört Musik, usw. Der Film lebt viel vom Charisma seiner Schauspieler, die sich alle ausnahmslos ins Zeug legen, von einer dauernden, unterschwelligen Ironie, und von einer sehr detailreichen Rekonstruktion des damaligen Hollywoods. Dabei fällt auf, dass der Nachspann für einen heutigen Film sehr kurz ist. Tatsächlich hat man offenbar komplett auf Computerbilder verzichtet. Außerdem wurde der Film ganz klassisch weitgehend auf 35-Millimeter-Zelluloid gedreht.

Tarantino habe gesagt, er wolle in seinem Leben 10 Filme drehen. Wenn das stimmt, dann ist das hier der vorletzte.

Der Regisseur war einst selbst Regierungsmitglied und kennt sich mit der Doktrin der französischen nuklearen Abschreckungsmaschinerie offenbar recht gut aus.

Im Detail gibt es manch unrealistische und bequeme Abkürzung. Und die Schauspielkunst arbeiten manche ein bisschen zu routinemäßig ab.

Aber insgesamt ist der Film auch für solche, die sich nicht zu den Genrefans zählen, spannend genug und sehenswürdig.

Der Film lebt von seinen Dialogen, die man auf englisch besonders genießen kann. Die besonderen Leckerbissen sind die Gewandtheit, mit der Kate Beckinsales Figur sich aus allem herausredet und ein ständiger Subtext für alle sichtbar ist und doch nie ausgesprochen wird, sowie die Figur von Tom Bennett, die irgendwie im Nachhinein ins Drehbuch geschmuggelt wurde und einfach köstlich ist.

Die Inszenierung ist unaufgeregt bis statisch, fast wie in älteren BBC-Fernsehfilmen.

Ich empfehle auch die Interviews im Bonusmaterial, insbesondere mit Stephen Fry.

Godzilla 1 hatte Seele, insbesondere durch die Vater-Sohn-Beziehung, baute sich nach und nach auf, wirtschaftete sparsam mit den Momenten großen Spektakels und lieferte dann ein großes Finale. Godzilla 2 hingegen wirft schon von Anfang an mit visueller und auditiver Blendung nur so um sich, bis man fast hofft, dass nicht gleich schon wieder eine Monsterkampfszene kommt, sondern das Buch vielleicht doch noch mal den Versuch einer Erzählung hergibt. Wieder einer dieser Filme, die zeigen, dass visuelle Effekte eben ein gutes Drehbuch nicht ersetzen können.

Nach dem Film konnte ich mich nicht entscheiden. War es nun ein gelungener, atomsphärisch intensiver Psychothriller? Oder hatte ich eben eine ziemlich weltfremde Klamotte gesehen? Mein Fazit: Aus dem Film nimmt man mit, was man dorthin mitbringt. Es hängt also vieles davon ab, wie man sich darauf einlässt. Ich gestehe aber, über manche Strecken hinweg nebenher Patiencen auf dem Smartphone gespielt zu haben. Und dennoch ist eine gewisse Originalität vorhanden.

Nachdem man dachte, dass sich DC jetzt mit dem "Joker" in immer düsterere Gefilde zieht, scheint man gleichzeitig den umgekehrten Weg zu gehen und liefert hier quicklebendige Albereien, von Zachary Levi mit viel Energie getragen. Man sollte sich erinnern, welcher Mensch man war, als man 10 oder 12 Jahre alt war, dann hat man noch mehr davon. Eine echte Story sollte man nicht erwarten, sondern man kann sich einfach von der Komödienregister-Extrovertiertheit des Films überrollen lassen.

Es gibt in der Filmgeschichte etliche Luftkatastrophenfilme nach ähnlichem Aufbau: Kennenlernen der Figuren, dann die Katastrophe, dann die Rettung. Hier ging Clint Eastwood einen anderen Weg, damit das Ereignis nicht die Personen in den Schatten stellt. Denn hier geht es wirklich um die Heldenfigur und seine fast unerschütterliche Ruhe im Sturm.

Eastwood verzichtet wie immer in seinen Alterswerken auf jede Effekthascherei, und die Spannung entsteht nicht durch das Ereignis (dessen Ausgang bestens bekannt ist, auch wenn viele hier erstmals den detaillierten Ablauf miterleben) sondern durch das Hinterher. Und das Hinterher ist der Fokus des Films. Dabei gibt es etliche kleine emotionale Momente.

Die eigentliche (Beinahe-)Katastrophe sehen wir erst später im FIlm, sozusagen als Bestandteil der Aufarbeitung der Frage: War der Held in Wirklichkeit nur der, der die Katastrophe überhaupt erst herbei führte und damit all diese Menschenleben in Gefahr brachte?

Einige Ähnlichkeiten bestehen mit dem Film "Flight" mit Denzel Washington.

Interessant ist nebenbei auch, einmal Aaron Eckhart in einer völlig unaufdringlichen Nebenrolle zu sehen.

Sehr unterhaltsam, mehrere Action-Erzählungsstränge parallel zueinander, immer ist etwas los.

Die Story ist natürlich ordentlich an den Haaren herbeigezogen. Und gegen eine Handvoll Amerikaner hat offenbar die halbe russische Marine keine Chance. Aber ach, was soll's. Man kann auch einfach die Knabberchen vorbereiten, gedankenlos zurücklehnen und das Spektakel genießen.

Harte Kost. So hätte man nie gedacht, Nicole Kidman zu sehen, da hat jemand viel aus ihr heraus geholt. Die Anlehnungen an das kalifornische Thriller-Genre der 1970er Jahre erfolgen ganz bewusst, nur diesmal mit Frau am Steuer - im doppelten Sinne der Regie und der Hauptrolle.

Eine ganz besondere Auszeichnung verdient hier die Maske. Auch bei naher Kamerafahrt ist das Ergebnis erstaunlich echt.

Und man freut sich, Tatjana Maslany wiederzusehen, deren Leistung in der kanadischen Serie "Orphan Black" wahrscheinlich in den Schauspielschulen der Welt gezeigt werden sollte.

Sehr unterhaltsam. Das ist auch wahrscheinlich das einzige Ziel des Films. Ein paar sehr bekannte Schauspieler dürfen sich hier über sich selbst lustig machen.

Die DC-Superhelden ziehen nach und nach mit den Marvel-Konkurrenten nach, und nun hat auch die Justice League ihre muskulös-langhaarig-bärtige Naturgewalt als Pendant zu Thor. Allerdings kommt der nicht von oben aus dem All, sondern von unten aus dem Meer, und schwingt auch keinen Hammer, sondern eine ziemlich große Gabel. Der Handlungsstrang wird niemanden überfordern, aber bildlich ist es ganz großes, breites Kino.

"Ocean's 11" trifft "Ein Duke kommt selten allein". Hinter dem Pseudonym Rebecca Blunt hat offenbar Steven Soderberghs Frau das Drehbuch geschrieben. Sie selbst kommt aus West Virginia. Und ihrem Mann war es offenbar die Abkehr vom selbst verordneten Regie-Ruhestand wert.

Europäer mag der Streifen weniger ansprechen, als die kosmopolitische Ocean's-Reihe, da der Middlewest uns kaum bekannt ist. Aber die Schauspieler scheinen hier großen Spaß zu haben.

So viel Liebe zum Detail! Solch eine sorgfältige, aufwendige Rekonstruktion einer Zeit! Ein paar kreative Freiheiten hat man sich schon genommen. Aber auch die Schauspieler scheinen von ihrer menschlichen Art her mehr den 1920ern als den 2010ern zu gehören, und passen daher ganz wunderbar in die Rollen. Sie dienen einer komplexen Geschichte, die sich nach und nach entfaltet. In der zweiten Staffel dehnt sich die Handlung immer mehr ins Politische aus, und es erscheinen die ersten Zeichen der nachfolgenden Katastrophe. Aber man sieht auch, wie die überbordende Lebendigkeit dieser Stadt und dieser Zeit regelrecht tanzend in die Katastrophe ging.

Ein bisschen fehlt es an Identifikationsfiguren, auch weil alle Dreck am Stecken haben. Aber es war eben auch - in einer Gesellschaft, die in großen Teilen einfach im Überlebensmodus war - eine ziemlich empathielose Zeit. Sonst wäre es danach nicht noch so viel schlimmer gekommen.

Ich hoffe sehr, dass die Serie fortgesetzt wird.

Sehr schöner, sensibler, ruhiger Film voller Charme und mit großartiger Besetzung. Josiane Balasko, in Frankreich ein Star, habe ich gar nicht erst wiedererkannt. Ihr Blick schaut ebenso mürrisch wie voller Menschlichkeit auf ihr Umfeld.

Der Film ist eine (etwas freie) Adaption des Romans "Die Eleganz des Igels", der in Frankreich ein Überraschungs-Hit war - vielleicht weil so viele Menschen sich mit dem Nicht-gesehen-Werden, oder mit dem Nur-als-Funktion-gesehen-Werden identifizieren können.

Sehe ich eigentlich die Menschen um mich herum?

Wer nicht im voraus eine Grundsympathie für den Stoff von J.G.Ballard mitbringt, wird in diesem Film recht bald seine Orientierung verlieren. Die Schauspieler hatten offensichtlich viel Spaß, Tom Hiddleston bringt den Charme und die natürliche Eleganz ein, die man von ihm kennt. Ein eigenes visuelles Universum entsteht dabei auch. Doch es wird mitunter zu wildem Theater ohne richtig erkennbaren Sinn - wobei die Unerkenntlichkeit des Sinns offenbar gewollt ist. Der Film versteht sich als Metapher auf die gesellschaftlichen Schichten und die wachsende Spreizung der Ungleichheitsschere.

Man freut sich, ein paar solide Schauspieler zu sehen, und Schwarzie sowieso, auch wenn er weiterhin maximal drei verschiedene Gesichtsausdrücke kennt (also immerhin einen mehr als Jet Li oder Jason Statham).

Ohne diese bekannten Gesichter und solide Schauspielkunst könnte der Film aber genau so gut irgendein Fernsehfilm auf Tele 5 sein. Das fängt dann schon gleich am Anfang damit an, dass sie in ein volles Haus mit großer Party eindringen und die gesamte Party auf einmal vom Erdboden verschluckt ist. Die gesamte Produktion wirkt irgendwie sehr kostenbewusst.

Und warum manche Figuren auf einmal das tun, was sie tun, bleibt oft unerklärt.

Und warum der Regisseur solch eine Faszination für blutige Eingeweide hat, will man auch lieber nicht wissen.

Eine Mission Impossible wie immer. Die Story ist wie immer hanebüchen und voller Logiklöcher. Tom Cruise darf wie immer seine draufgängerische Ader zeigen und demonstrieren, wie cool es ist, dass er seine Stunts natürlich selbst absolviert und auch selbst unter dem Hubschrauber hängt und was das den Mittfünfzigern wie ihm für einen Mut machen sollte. Aber kurioserweise bestehen hier die Längen manchmal ausgerechnet aus den Action-Szenen. Immerhin gibt es ein paar richtig schöne Bilder aus Paris und London. Teuer sieht der Film allemal aus. Wer die anderen (wie viele waren es noch mal?) Filme der Serie gut fand, wird hier nicht mal grundsätzlich enttäuscht.

Erschreckende Fortführung von Entwicklungen und Logiken, die wir heute bereits am Werk sehen. Technologie trennt die Menschen immer mehr von einander, sodass sie sich aus Angst vor Menschen immer mehr in die Technologie flüchten - ein Teufelskreis. Bis irgendwann nur noch künstliche Intelligenzen überhaupt ein Gespür für die menschlichen Sehnsüchte entwickeln und diese bedienen können. Mit der Möglichkeit, dass diesen KI die Menschen alsbald zu langweilig und das Bedienen ihrer Sehnsüchte zu hohl erscheint und sie weiterziehen weil es außer dem Fühlen beim Menschen so wenig zu lernen gibt.

Ich muss beim Sehen des Films eine Mischung aus Faszination und Ungeduld gestehen. Die Langsamkeit eines Films verbirgt manchmal auch die Eitelkeit der Filmemacher. Andererseits ist da auch viel versteckte Ironie, denn in dieser Welt von "Her" ist so vieles so sehr in Ordnung und der Frieden so perfekt, dass irgendwie gar nichts in Ordnung ist. Die Geschäftsmodelle haben sich auch in die tiefsten menschlichen Sehnsüchte gebohrt und Wechselwirkungen zwischen ihnen so gut wie aufgehoben. Und was wie Science-Fiction anmutet, ist eigentlich heute schon da. Das hat mich fasziniert - wie viel von dieser Fiktion eigentlich schon real ist - und wie viele Menschen auch heute schon in simulierten Fiktionen leben, völlig verlaufen und verloren im Labyrinth ihrer eigenen Kopflastigkeit.

Ein handwerkliches Prachtstück vom Großmeister Spielberg.

Vom Skript her weiß man allerdings in dem Augenblick, in dem von drei Schlüsseln die Rede ist, dass es sich doch wieder nur um eine dieser Artefakt-Schnitzeljagden handelt, zu denen Hollywood leider immer wieder Science-Fiction- und Fantasy-Geschichten komprimiert.

Aber visuell auf der Höhe der Zeit.

Schwedens Antwort auf Clint Eastwoods "Gran Torino". Auch hier darf ein griesgrämiger Witwer, der versucht, die Zeit bis zum Ende mit Gewohnheiten zu füllen und gelegentlich auch, diese Zeit zu verkürzen, doch wieder aufweichen und wird dabei von zunächst eher misstrauisch beäugten Nachbarn mit Migrationshintergrund aus der Reserve gelockt. Auf einmal wird er wieder gebraucht.

Eine berührende Parabel über die Menschlichkeit, die eigentlich in allen wohnt, der aber manchmal nur ein passendes Gegenüber fehlt, um sich auch auszudrücken.

Sehr märchenhafte Darstellung eines Lebensausschnitts des großen Entertainers und Zirkusdirektors Barnum, voller Leben und Farbe und guten Absichten. Die Story ist sehr stilisiert und folgt dem vorhersehbaren Auf und Ab von Erfolgen und Rückschlägen wie man sie aus der Drehbuchschreiberschule kennt, aber das ist auch nicht das Wichtige. Man bekommt hier ein herzliches Wohlfühl-Spektakel für die ganze Familie, der Widerstand gegen ein solch buntes Unterhaltungsaufgebot und seinen immer wieder verblüffende Choreografien ist zwecklos.

Bunt, unterhaltsam, findig, mit interessantem Spannungsfeld zwischen Oberflächlichkeit und Leben-und-Tod-Situationen, exzellenten Jungschauspielern, deren Figuren Dinge als selbstverständlich erleben, die der Normalbürger schon fast als Kriegszustand sähe. Sympathisch und irgendwie auch absurd, der Galgenhumor ist nie weit.

Emily Blunt hat hier, nicht nur als Figur allgemein, sondern auch in ihrer rechtlichen Funktion als FBI-Ermittlerin, eher eine Zeugen- oder sogar Feigenblattfunktion denn einen Mittelpunkt in der Handlung. Der Streifen zeigt, wie weit man herab sinken muss, um den wahrscheinlich verzweifelten Kampf mit den Drogenproduzenten aufzunehmen, und wie sehr sich beide Seiten letztlich ähneln, oder nach und nach aneinander angleichen und die Rechtsordnung in den Hintergrund rückt. Die schauspielerische Leistung ist herausragend, die Bedrohung immer im Hintergrund, insbesondere auch durch die außergewöhnliche Musik des leider wenig später verstorbenen Isländers Jóhann Jóhannsson. Das bildliche Ambiente in Kombination mit der Musik ist nicht ganz unähnlich mit dem eines Christopher Nolan. Der Regisseur hat auch als einer der wenigen den guten Geschmack, bei Aufnahmen in Mexiko nicht gleich den Gelbfilter vor die Kamera zu kleben. Die Spannung ist hier eher psychologisch als rein vordergründig. Keine leichte Koste.

Klassischer Ex-Agent-wird-von-seiner-Vergangenheit-eingeholt-Streifen, dem Pierce Brosnan einen gewissen James-Bond-Anstrich gibt, bei dessem Drehbuch aber wieder einmal für den Unterhaltungswert jede Schlüssigkeit geopfert wurde. Wer so etwas mag, wird hier den gewünschten Wiedererkennungseffet und Unterhaltungswert finden.

Ich muss gleich sagen, dass mir "Geostorm" Spaß gemacht hat - wozu ich allerdings von Anfang an das Hirn in den Urlaub geschickt habe. Denn die Story ist so hanebüchen, dass sie für jeden mit einem IQ über 50 eine Beleidigung ist. Es ist reine Unterhaltung.

Gerard Butler als intellektuelles Jahrhundertgenie ist eine reine Fehlbesetzung, aber da es ein Actionfilm sein soll, passt es wieder.

Da der Regisseur schon mehrfach als Drehbuchautor für Roland Emmerich unterwegs war, ist ein gewisser Wiedererkennungseffekt nicht ganz überraschend.

Aber, wie gesagt: Wenn man nichts erwartet, macht der Film Spaß.

"Mr. Turner" dürfte für Timothy Spall, der ein typischer "Charakterdarsteller", also auf Nebenrollen abonniert ist, die Rolle seines Lebens sein.

Dieser Film ist ruhig, sehr ruhig. Und lang. Und anders als die meisten anderen Filme beliefert er uns nicht mit herausragend schönen Gesichtern.

Und dennoch ist er voller Schönheit. Viele Einstellungen sind so meisterhaft komponiert, dass ich einfach nur auf Pause drückte und sie wie Gemälde genoss, nicht selten mehr flämischer denn englischer Inspiration, etwa wie einen Vermeer. Manche Dialogszenen bestehen aus einer einzigen, langen Einstellung, aber man möchte eigentlich gar nicht wirklich, dass ein Schnitt dieses Gemälde unterbricht.

Und obschon Turner auch von seinen abstoßenderen Seiten gezeigt wird, etwa mit seiner höchstmöglichen Distanz zu den eigenen Kindern, so ist der Film doch auch voller liebevoller Zärtlichkeit für und zwischen seinen Protagonisten.

Vielleicht ist das, was dem Erlebnis dieses Films am nächsten kommt, ein Museumsgang.

Mit einem solchen Team kann man eigentlich nicht viel falsch machen. Hier geht es um die "Pentagon Papers", einen zentralen Moment in der amerikanischen Geschichte der Pressefreiheit, an die mit diesem Film in dieser Zeit natürlich nicht ohne Hintergedanken erinnert wird.

Der deutsche Titel "Die Verlegerin" fokussiert sich auf die Rolle von Meryl Streep, die hier in der Tat überzeugend darstellt, wie sich eine Erbin, die Zeit ihres Lebens etliche Selbstzweifel hatte, zur Unternehmerin wandelt und zu bahnbrechenden Entscheidungen durchringt, die den Weg des Lokalblatts "Washington Post" zur Publikation mit Weltruf ebnen.

Aber der Originaltitel "The Post" gibt akkurater her, dass es eigentlich eine ganze Truppe an Charakteren ist, allesamt meisterhaft gespielt und von Spielberg geführt, die diese historischen Tage darstellt, und in denen viel vom seinerzeit unzertrennbaren Duo Katharine-Graham-Ben-Bradlee abhing.

Es gilt das gleiche wie bei "Lincolm" vom selben Regisseur: Ein Grundinteresse für, und eine Grundkenntnis in amerikanischer Geschichte sind hilfreich, um den Film besser zu genießen, da die Intensität nicht so sehr vom Rhythmus her kommt, sondern vom Wissen um die Bedeutsamkeit des Moments.

"Buddy Movie" zwar relativ klassischer Faktur, in dem aber die beiden Hauptdarsteller sich selbst dergestalt auf die Schippe nehmen und gleichzeitig die "Alchemie" zwischen ihnen so gut funktioniert, in dem auch die schrillen 1970er so viel Farbe und Dekadenz einbringen und eine Zeit malen, die ganz gegen Puritanismus und "politische Korrektheit" ging, dass es richtig Spaß macht. Erstmals seit Langem kann ich hier sogar Ryan Gosling ertragen.

Überraschend unterhaltsamer und humorvoller Film, nachdem ich einst einen Bogen um das Original gemacht hatte (und folglich nicht mit ihm vergleichen kann). Es macht Spaß, den Schauspielern dabei zuzuschauen, wie sie Spaß daran haben, sich selbst auf die Schippe zu nehmen.

Insbesondere das Reinkarnieren einer zunächst unerträglich selbstsüchtigen Teenagerin passt erschreckend gut zu Jack Black.

Auch Dwayne Johnson als junger Intellektueller, der sich vor jedem Eichhörnchen fürchtet und auf einmal als körperlicher Koloss mit Obelix-ähnlichen Kräften wiederfindet (und immer noch vor Eichhörnchen fürchtet), ist oft zum Schießen.

Und dass Karen Gillan, einst jahrelange Begleiterin von Doctor Who und ein paar Mal blau angemalt kurz in den Avenger-Filmen aufgetaucht, auf einmal solch einen teuren Blockbuster in einer Hauptrolle mittragen könnte, wer hätte das gedacht?

Zum Abschalten - es ist ein bunter und großer Spaß für die ganze Familie.

Die drei Filme der Reihe mögen auf manche wirken wie Thriller für Leute, die am liebsten Rosamunde-Pilcher gucken. Aber wenn man sich auf die Starbesetzung und David Hares hochkarätige Dialoge einlässt und darauf, dass die BBC viel Erfahrung mit relativ ruhigen und dennoch spannenden Polit-Thrillern hat, kann hier einfach den Showdown mit seinem Feind, dem Premierminister genießen - auch der findet übrigens auf einem Sofa statt.

Wie immer sind es besonders die dialogbasierten Filme, die beim Synchronsprechen am meisten zu verlieren haben. Die Originalfassung bietet sich an. Und sei es nur, um Bill Nighy sich in einer Bäckerei in der Heidelberger Untere Straße für ein paar Laugenbrötchen bedanken zu hören - auf deutsch.

Die Filme muss man aber in der Reihenfolge sehen, sie sind andernfalls unverständlich.

Regisseur und Drehbuchautor David Hare ist dafür bekannt, gern auf die üblichen Verlegenheitslösungen der Spannungserhaltung wie etwa Waffen und Action-Szenen zu verzichten. Dieser zwei Film in der Trilogie mit Bill Nighy spielt im wenig bekannten Commonwealth-Paradies von Turks & Caicos und lässt sich am besten in englischer Originalfassung sehen. Bill Nighy mit Christopher Walken zusammen in einer Szene, das ist auf eine ganz eigene Art großes Kino, auch wenn es hier "nur" ein TV-Film der BBC ist. Hat man vorher aber nicht den Teil 1 von 2011 gesehen, mag dieser Film ein bisschen flach ausfallen.

Außerordentliche Schauspielerleistung in Daniel Day-Lewis' vorletztem Film vor seinem selbst gewählten Ruhestand. Der Film ist fast wie ein Gerichtsdrama strukturiert, und wer dergleichen nicht mag und/oder mit amerikanischer Geschichte (und deren dunkelstem Kapitel, dem Bürgerkrieg) nichts anfangen kann, wird hier vielleicht nicht anbeißen. Aber diese Dialoge! Diese ausnahmslos überzeugenden Schauspieler! Tommy Lee-Jones in seiner Lieblingsmasche der übelst gelaunten Komik! Daniel Day-Lewis in seiner Darstellung von Größe durch Zurückhaltung! Sally Field in der Zwielichtigkeit einer psychologisch höchst instabilen First Lady! Gerade solche Filme voller Finesse lassen sich am besten in der Originalfassung genießen.

Nachdem die DC-Helden filmisch der Marvel-Konkurrenz hinterher hinkten und auch Christopher Nolan nicht verhindern konnte, dass die Neuauflage von Superman mit gemischen Gefühlen und Erfolg aufgenommen wurde, holte man sich nun einfach Joss Whedons Hirn aus dem Marvel-Universum herüber. Dadurch ist diese neue Auflage keine ganz so drückende Kost mehr. Allerdings hat es auch etwas von einem Marvel-Avengers-Film in anderen Kostümen, mit Bruce Wayne in der Rolle Tony Starks, Diana Prince in der Rolle der Schwarzen Witwe (mit mehr Wumms), Barry Allen als halbschüchterner und schnell denkender später Teenager ist Spiderman, Clark Kent spielt eine Mischung aus Vision und Captain America und Victor Stone mit seiner teils unkontrollierten Cyborg-Metamorphose ist Hulk. Oder vielleicht ist Diana Prince Captain America. Wie auch immer - der Butler Alfred Pennyworth spielt natürlich Jarvis.

Die diesmalige Feindfigur Steppenwolf kommt leider ähnlich eindimensional daher wie En Sabah Nur in X-Men:Apocalypse und seine Auftritte wirken mehr wie ein Computerspiel denn wie ein Film.

Aber ich hatte mehr Freude an diesem Film als an den beiden vorigen (Man of Steel, Superman vs. Batman). So gab es etwa mehr Gruppeninteraktionen, mehr menschliche Komplexität. Wenn nun auch in einem Folgefilm die Gegenseite mehr als eine "Schlag-mich-oder-ich-mach'-die-Welt-kaputt"-Lärmmaschine würde, könnten die DC-Helden langsam die Avengers einholen.

Nach "The Guard", seinerzeit der erfolgreichste irische Indie-Film, den es (zumindest damals - 2011) jemals gegeben hatte, arbeiten J.M. McDonagh und Brendan Gleeson wieder einmal zusammen, dieses Mal nicht in einem irischen Western voll schwarzen Humors, sondern in einem nachdenklichen Film, der sich kein leichtes Thema aussucht. Auch dieser Film wurde von der Kritik hoch gelobt. Die Besetzung ist wieder einmal hochkarätig.

Aus Rache an einem üblen Pfarrer, der schon längst tot ist, will ein Unbekannter nun einen guten Pfarrer ermorden und teilt es ihm gleich am Anfang des Films mit.

Der Film ist eine wunderbare Lektion im wertungsfreien Zuhören, einer Königsdisziplin, die dem Ausübenden auch viel Ungemach einbringen kann, da ziemlich viele Leute die Grenzen der Zuhörbereitschaft austesten kommen könnten. Wer diese seltene Fähigkeit lernen will, könnte sich diesen Film anschauen und die wunderbaren Dialoge genießen. Nicht obwohl, sondern weil sich die Hauptfigur in dieser Weise dem Umfeld zur Verfügung stellt, reagieren alle ihren Zynismus und ihre Lebensmüdigkeit an ihm ab, ohne richtig zu merken, wieviel unappetitliche Ehrlichkeit da aus ihnen heraus quillt.

Ein klein bisschen Verwandtheit könnte der Film auch mit "Die Jagd" von Thomas Vinterberg haben, welcher allerdings deutlich schmerzlicher ist.

Die Serie entsteht in enger Zusammenarbeit mit den beiden Autoren der Bücherreihe, die gemeinsam unter dem Pseudonym James S.A. Corey schreiben. (Einer der beiden ist persönlicher Assistent von George R.R. Martin.)

Eine der besseren und zu wenig beachteten Science-Fiction-Serien, die sich auch unterhaltsam anschauen lässt, wenn man die Bücher bereits gelesen hat. (Stand Anfang 2018 gab es bereits sieben Bücher auf englisch, und diese erste Staffel endet irgendwo im letzten Drittel des ersten Bandes.) Wer die Bücher nicht kennt, kann es am Anfang etwas schwer haben, den Durchblick zu behalten, da insbesondere das politische Spannungsfeld zwischen Erde, Mars und den "Gürtlern" (gebürtige Bewohner des Asteroidengürtels) noch nur angerissen ist.

Diese erste Staffel findet nur innerhalb des Sonnensystems statt. Doch wie es der Titel der Serie "The Expanse" schon sagt, wird sich im Verlauf späterer Staffeln die Reichweite der Handlung nach und nach "ausdehnen".

Wer seinerseit mit der (leider kurzlebigen) Kultserie "Serenity" Spaß hatte, sollte hier unbedingt hinein schauen. Die Crews sind einander nicht ganz unähnlich.

Erstaunlich, wie viel Nachdenklichkeit und innere Konflikte nicht nur in einen solchen Film passen, sondern ausgerechnet auch im Gesicht eines Menschenaffen ausgedrückt werden können. Sogar der Bösewicht vertritt einen nachvollziehbaren Standpunkt, hinter dem scheinbaren Wahnsinn steckt Verzweiflung. Nichts ist schwarzweiß, wie das in vielen anderen Blockbustern der Fall ist. Die Affenfiguren kommen so natürlich daher, dass man die Spezialeffekte kaum noch wahrnimmt, obwohl sie allgegenwärtig sind. Ein wirklich gelungener dritter Teil.

Mit zunehmender Staffelnummer kommen auch mehr Schauplätze hinzu - in der vierten Staffel ein paar schöne Orte um das Mittelmeer herum. Der Erzähltakt bleibt hoch, die Handlung spannend, in relativ kurzen Folgen zu je 40 Minuten. Peter Weller ("Robocop"), der schon einige Folgen als Regisseur gedreht hatte, hat hier einen großen Auftritt.