Ich fand „Keinohrhasen“ nicht perfekt aber stellenweise richtig ulkig, die Fortsetzung aber ist einfach nur ein toter Film. Tot, weil es Regisseur, Darsteller, Autor, Produzent, Caster, Modertor und Vater (falls ich was vergessen habe könnt ihr es mir ja sagen) Til Schweiger es zu keiner Zeit schafft die Geschichte und die Figuren stimmig zu inszenieren. Wobei es nicht nur an der Inszenierung hapert, eigentlich hapert es alleine im Entwurf der ganzen Szenerie. Man fühlt sich einfach an einen Katalog eines Edel-Möbelhauses erinnert. Alles glänzt im strahlenden weiß, es gibt keine hässlichen Menschen und jeder wohnt in einem luxuriösen Apartment oder gleich in einem großen Loft. Und so schleppt Schweiger sich und seine Figuren von einem müden Witz zum nächsten, von einem auf pfiffig getrimmten Dialog zum anderen. Hier und da versucht er es mit Dramatik und ein paar gezielten Angriffen unter die Gürtellinie. Aber selbst wenn Scheiße mit einem Staubsauger entfernt wird oder ein Penis mit dem Spitznamen „Eifelturm“ in Großaufnahme in die Kamera lugt, es wirkt alles lustlos zusammen montiert und hygienisch rein. So als ob man den ganzen Film mit Desinfektionsmittel abgeduscht hätte.

Arg konservatives, aber ebenso stark gespieltes Rührstück nach einer wahren Begebenheit. Eine ur-amerikanische Geschichte über Werte, Familie, Träume und die Bewältigung innerer Dämonen. Dass hätte schnell in die Hose gehen können, doch „The Blind Side“ umschifft all zu großen Kitsch und bietet nette Drama-Unterhaltung.

Als Mitglied von „Monty Python“ schrieb der Geschichte. Mit Filmen wie „Time Bandits“, „Brazil“ und „König der Fischer“ inszenierte kleine und große Meisterwerke, aber seit vielen Jahren verblasst der abstrakte, kreative und wahnsinnige Charme des Terry Gilliam. Ob es daran liegt, dass Gilliam seit Jahren versucht die Geschichte rund um Don Quixote auf Film zu bannen und immer wieder herbe Rückschläge einstecken muss, oder ob er über die Jahre einfach vergessen hat, dass seine besten Werke sich nicht allein durch ihren Wahnsinn auszeichneten sondern auch durch ihre skurrilen Liebenswürdigkeit. „Das Kabinett des Dr. Parnassus“ ist schräg, brodelt über vor visuellen Ideen und dennoch wirkt der Film irgendwie inspirationslos. Terry Gilliam hat seinem Film eine Überdosis Phantasie injiziert und dabei die eigentliche Geschichte vergessen, die ihm dazu aus den Händen gleitet. So ist der Film voller Phantasie aber nicht sonderlich phantastisch. Vielleicht muss Gilliam wie Dr. Parnassus wieder lernen wie man Geschichten erzählt.

Große Muskelmänner die sich zum Horst machen sind nicht neu. Schwarzenegger wurde zum „Kindergarten Cop“, Stallone schrie „Stop! Oder meine Mami schießt“ und Vin Diesel wurde zum „Babynator“. Ein weiterer Hollywood-Hühne, der charismatische Dwayne Johnson, hat dieses Komikrezept nun auch für sich entdeckt. In der dürftigen „Schnappt Shorty“-Fortsetzung „Be Cool“ gab er den schwulen Leibwächter und in „Daddy ohne Plan“ wurde er plötzlich zum überforderten Vater. Nun wird The Rock, wie sich Johnson während seiner Wrestlingzeit nannte, also zur Zahnfee und darf kurze Zeit sogar in Tüllkleid und Strumpfhose vor der Kamera agieren. Dass ist auf den ersten blick ganz witzig, reicht aber bei weitem nicht aus um den Film unterhaltsam zu gestalten. Dazu ist er zu moralinsauer und naiv in seinen Botschaften und die meisten anderen Gags gehen so schnell wie sie kommen. So ist „Zahnfee auf Bewährung“ bestimmt für kleine Zuschauer (für die der Film gewiss auch konzipiert wurde) eine nette Beschäftigung für verregnete Ferientage. Ich, der seit langem keine Milchzähne mehr hat, freue mich dagegen darauf wenn Dwayne Johnson endlich mal wieder in einem Actionfilm zu sehen ist.

Nach dem Remake von „Kampf der Titanen“ präsentiert Hollywood mit „Percy Jackson“ eine weitere Auseinandersetzung mit der griechischen Mythologie. Der Film von Chris Columbus, der auf einer Buchreihe basiert, erinnert nicht von ungefähr an „Harry Potter“. Zum einen inszenierte Columbus bereits die ersten zwei Potter-Filme, zum anderen sah der Plan von 20th Century Fox sicher so, dass man bei Erfolg des Films die anderen Bände der Reihe verfilmt. Nun, da „Percy Jackson“ kein besonders großer Erfolg war, bleibt abzuwarten ob es neue Abenteuer zu sehen gibt. Wenn darauf verzichtet würde, wäre es aber nicht schlimm. „Percy Jackson – Diebe im Olymp“ macht wenig Spaß. Die griechische Mythologie wurde ungelenk umgesetzt und in die Moderne übertragen. Dass der Hades mehr wie eine christliche Hölle aussieht lässt vermuten, dass die Macher auf Nummer sicher gehen und dem Zuschauer lieber bekanntes vorsetzen wollten. So bleibt auch das Heldengespann glanzlos: Hier der große Held, dort sein bester Kumpel und dazu noch eine hübsche Begleitung. Dies sorgt weder für Spannung noch für Zündstoff. Es dient einzig alleine dazu schnell von einem effektbeladenen Ereignis zum nächsten zu hetzen. „Percy Jackson“ ist ein durchkonzipiertes Fantasy-Abenteuer ohne Persönlichkeit, dafür aber mit unschönen Fehlern.

„Legion“ ist eine unverträgliche Mixtur aus „Gods Army“ und „Terminator“. Weder die Actionszenen noch Horrorelemente können wirklich überzeugen und so blass wie der Held sind auch die anderen Figuren. Allerdings ist es den Machern gelungen ihr geringes Budget weitestgehend gut zu kaschieren. Nur beim Drehbuch wird immer noch deutlich, das „Legion“ kein wirklich großer Film ist.

Der Nebel wabert durchs Geäst. Der flackernde Schein der Laterne enthüllt nur Bruchteile des Waldes und aus der Ferne vernimmt man Geräusche so mysteriös und bedrohlich, als wäre man in einem Horrorfilm. Ach ja, es ist ja ein Horrorfilm. Genauer gesagt „Wolfman“, das Remake des gleichnamigen Klassikers aus den 1940er Jahren. Natürlich hat sich in knapp 70 Jahren Film so einiges getan. Heutzutage verwandelt sich der Werwolf von Welt nicht via Kamera- und Montagetricks vom Mensch in die Bestie sondern mittels CGI. Doch warum daran rummeckern, die Verwandlungen sind durchaus gelungen und beim fertigen Werwolf kann Maskenmeister Rick Baker zeigen was er kann. Allerdings frage ich mich, ob ich der Einzige bin, der findet dass die Werwölfe ein wenig aussehen wie Mecki der Igel. Egal, „Wolfman“ ist weit davon entfernt dem Original oder anderen Werwolf-Klassikern wie „American Werwolf“ das Wasser zu reichen, aber für knapp zwei Stunden unkomplizierte Gruselunterhaltung mit einer wirklich gelungen Atmosphäre reicht es allemal aus. Ach ja und für Freunde des gepflegten Blutvergießens gibt es auch einiges zu sehen, denn für eine FSK 16 ist „Wolfman“ durchaus blutig.

Das Debüt von Designer Tom Ford ist optisch ein Traum. Ich kam mir vor wie in einem 5-Sterne Restaurant. Der Maitre serviert mit zuvorkommender aber bestimmter Arroganz die einzelnen Szenen. Selbst ein einfacher Klogang wirkt bei „A Single Man“ wie eine ästhetische Eins. Anfänglich packte mich dann auch Drama des Films und ich fand es toll, dass der Film mit der Homosexualität seiner Hauptfigur ganz normal umging. Allerdings konnte der Film mich nicht ganzheitlich fesseln. Irgendwann ging der Maitre mir auf die Nerven und das Drama versuppte im Edelglanz der Szenerien. Dennoch war „A Single Man“ für mich keine Enttäuschung, denn seinen ganz eigenen Reiz besitzt der Film ohne Zweifel.

„Flick“ besitzt Eigenschaften, die ihn aus der breiten Masse hervorheben würden, wenn er diese Eigenschaften nur in einer guten Qualität besäße. So verursachen die optischen Spielereien mit Zooms, Farben und Überbelichtung Kopfschmerzen, während die Darsteller entweder tumb oder so überzogen agieren (Hallo Mrs. Dunaway), dass man meint es mit einer Laientheatergruppe zu tun zu haben. So ist „Flick“ nicht mehr und nicht weniger als eine grobe Enttäuschung.

Altmodisch, simpel, effektiv. „Armored“ ist einer dieser Filme deren Geschichte und Charakterzeichnungen problemlos auf einen Bierdeckel passen würden. Dennoch ist der Film durchaus ansehnlich. Mit einfachen erzählerischen Mitteln gelingt es ihm Spannung zu erzeugen. Zwar fragt man sich konstant ob dem Film vielleicht ein paar Figuren weniger und paar Handlungsorte mehr gut getan hätten, aber bevor dies wirklich ins Gewicht fällt ist der Film auch schon beim Abspann. Wirklich erinnerungswürdig ist „Armored“ nicht, aber dennoch recht unterhaltsam.

Eigentlich kann ich mit Hollywood-Romanzen nicht viel anfangen, aber „(500) Days of Summer“ ist anders. Dass wird bereits zu Anfang ersichtlich, denn alleine der Hinweistext auf die Fiktionalität des Filmes besticht mit einer herrlichen Pointe. Was dann folgt ist eine zu Herzen gehender, aber niemals kitschiger oder schablonenhafter Film. Ein Loblied auf die Liebe, ohne deren Schattenseiten auszulassen. Ein Werk dass die Euphorie des Verliebt seins genau so stimmungsvoll und ausgeprägt einfängt wie die Melancholie des ganz großen Liebeskummers. Solche hochwertigen Romanzen könnte Hollywood gerne öfters abliefern.

Nach der Sichtung von „Overnight“ bleiben drei Dinge haften: 

1. In Hollywood können Träume wahr werden 

2. Erfolg kann einen Menschen verändern und zwar nicht nur zum Guten 3. Troy Duffy ist ein überheblicher Dummkopf 
Die Doku von Duffys ehemaligen Bekannten Tony Montana (!) und Mark Brian Smith, zeigt in rund 80 unterhaltsamen und informativen Minuten wie Troy Duffy vom Barkeeper zu Hollywoods neuem Wunderkind aufsteigt und dies mit seinem ersten Drehbuch. Doch Duffy zerstört seinen Ruf und seine Chancen mit seinem schlechten Benehmen sowie mit seinem egoistischen und Selbstüberschätzenden Größenwahnsinn. „Overnight“ zeigt diesen Fall weitestgehend kommentarlos. Nur ab und an konnten die zwei Regisseure es nicht lassen und dämonisieren Duffy etwas zu absichtlich. Dennoch ist „Overnight“ keine bloße Abrechnung. Die Macher zeigen mit ihrer Doku auch ein Sittenbild der Traumfabrik und Hinterfragen die Macht des großen Harvey Weinstein, der Troy Duffy entdeckt und wieder fallen gelassen hat. „Overnight“ ist eine wirklich lohnenswerte Dokumentation. Danach sieht man Duffys Film „Der blutige Pfad Gottes“ mit etwas anderen Augen, auch wenn mir persönlich bis heute schleierhaft ist was so toll an diesem Film sein soll. Na wenigstens entstand als Nebenprodukt diese empfehlenswerte Doku.

Ich mag die Coens. Ich mag ihre Unberechenbarkeit. Gerade noch drehen sie eine Sause mit einem Cast voller Topstars und dann präsentieren sie eine kleine, feine Tragikkomödie mit talentierten, aber absolut unbekannten Darstellern. 
„A Serious Man“ gehört zu den Coen-Filmen, die den Zuschauer ratlos zurücklassen. Was sollte dieser seltsame Prolog? Was passiert denn nun mit der Hauptfigur? Was hat es mit dem seltsamen Nachbarn auf sich? Ähnlich wie bei „Barton Fink“ oder „No Country for Old Men“ affizieren die Regie-Brüder die Erwartungen des Zuschauers. Man muss diese Art von Film schon wirklich sehr mögen, um mit „A Serious Man“ etwas anfangen zu können. Dann ist aber auch dieser Coen-Film sehenswert, vor allem weil Kamera-Ass Roger Deakins die suburbane Welt der 1967er perfekt einfängt und der unterschwellige, leise Humor der Coens immer wieder gut funktioniert.
Ein Tipp: Auf der DVD befindet sich ein Special, dass kurz und knapp alle jüdischen Begriffe erklärt, die im Film vorkommen. Es ist wirklich empfehlenswert sich dieses Special vorm Film anzusehen, ansonsten wird der Film stellenweise absolut unverständlich. Zumindest war es für mich als Atheist so.

Nichts ist wichtiger bei einer Biographie als die Glaubwürdigkeit. Ich will Bushido nicht unterstellen dass er lügt, wenn er seine Lebensgeschichte erzählt, aber da der Berliner Rapper sich selbst spielt und mit der Schauspielerei sichtbar nichts am Hut hat, wirkt der gesamte Film unglaubwürdig, nein sogar überwiegend unfreiwillig komisch.
Deutschlands bekanntester Produzent Bernd Eichinger, der sich frühzeitig die Recht an der Biographie von Bushido sicherte und Regisseur Uli Edel, die zuletzt Stefan Austs RAF-Standardwerk „Der Baader-Meinhof Komplex“ verfilmten, liefern mit „Zeiten ändern dich“ einen treudoofen Schnellschnuss ab. Nichts, aber wirklich gar nichts will hier funktionieren. Die Darsteller, auch die, die ihr Handwerk verstehen, agiere wie Knallchargen. Hauptfigur Bushido wird zum unsympathischen, allwissenden Superman aufgebläht. Egal was ihm widerfährt, ihm gelingt einfach alles. Selbst in Prügeleien gegen eine schiere, bewaffnete Übermacht kommt er als Sieger hervor. So werden er und sein Leben innerhalb kurzer Zeit langweilig, uninteressant und darüber hinaus wirkt dadurch alles fiktional.
Damit Super-Bushido aber auch wirklich allgegenwärtig überlegen daher kommt, haben die Macher die Welt um ihn herum wie eine Mischung aus „Verbotene Liebe“ und sozialem Brennpunkt hergerichtet. Entweder er macht sein Ding in den dreckigen Straßen Berlins, oder er wirkt wie ein Messias der Unterschicht. Wenn er in der weißen, ideologisch eingerichteten Villa der Eltern seiner Freundin zum essen eingeladen ist und sich dort nur widerwillig von deren Butler (!) bedienen erinnert „Zeiten ändern dich“ an ein populistische Erklärung gegen die böse, kalte Welt der Oberschicht. Das die Eltern dazu noch aussehen und sich ausdrücken als wären sie untolerante Snobs aus dem Katalog zieht den Film noch etwas mehr in die Lächerlichkeit.
Fans des Berliner Skandalrappers werden wahrscheinlich die notwendige Containerladung Empathie besitzen um dieses schwache Machwerk gut zu finden. Wahrscheinlich wird es sie begeistern und bewegen, wenn Bushido erzählt, dass es die Anschläge vom 11. September waren, die ihn dazu bewegt haben Rapper zu werden, aber ohne funktionierende, emotionale Verbindung zum Zuschauer wirkt dass alles platt, aufgesetzt, billig und wie gesagt unfreiwillig komisch. So gesehen lieferte Bushido mit „Zeiten ändern dich“ vielleicht die beste Parodie auf seine eigene Person. Eine Realsatire, die bestimmt keine seine sollte.

Hektisch, quietschend und ohne das richtige Timing. So artifiziell wie die nervenden Nager am Rechner erschaffen wurde, wirkt auch der Film. Eigentlich unnötig zu erwähnen, dass die Story dünn und vorhersehbar ist. Wenigstens muss der arme Jason Lee nur wenige Szenen durchlaufen, so hat er sich zumindest etwas Würde bewahrt.

Jeff Bridges ist Alf! Zumindest wenn in der deutschen Sprachfassung von „The Open Road“. Hier leiht Thomas Piper Bridges seine Stimme und egal wie viel Mühe sich Piper auch macht, den Melmakianer bekommt man einfach nicht aus dem Kopf. Aber selbst im Originalton ist „The Open Road“ kein sonderlich gelungener Independent-Film. Es ist altbewährtes von der unabhängigen Front des amerikanischen Kinos. Dazu besitzt „The Open Road“ nichts, was es nicht schon irgendwo anders zu sehen gab. Es wirkt wie eine bloße Kopie ohne eigenen Charakter und Fixpunkt. Wie oft habe ich jetzt schon gesehen dass zwei bis vier total verschiedene Individuen sich auf eine längere Fahrt machen um irgendwas zu suchen, sei es ihren inneren Frieden, ihre große Liebe oder Sonstiges. Schade, aber bei der akuten Ideenlosigkeit des Films kann selbst ein Alf Bridges nicht mehr weiterhelfen. Ach ja, Justin Timberlake spielt auch mit und um ehrlich zu sein, er macht seine Sache gar nicht mal schlecht.

„Fall 39“ hatte einen langen Weg vor sich, bevor der nun in BRD auf DVD erschienen ist. Natürlich werfen Verschiebungen immer ein schlechtes Licht auf einen Film und bei „Fall 39“ scheint sich diese Regel erneut bewahrheitet zu haben.
In der ersten US-Arbeit des deutschen Christian Alvert gelingt es ihm zwar die technischen Aspekte eines Horror-Thrillers abzustecken, doch bei der Dramaturgie, bei den Emotionen und vor alle bei den Charakteren versagt er. Renee Zellweger als Super-Sozialarbeiterin wirkt dermaßen deplaziert und eindimensional dass man sich wünscht, das Böse gewinnt. Wie zweitklassig die Figur ist, sieht man alleine daran wie der Film sie vorstellt: Mit einem dicken Autoaufkleber und dem Wort Educate. Da möchte mal gleich schreien „we don’t need an education“. Selbst das Böse wirkt einfallslos. Anscheinend hat es „Das Dorf der Verdammten“, „Böse Saat“ und „Das Omen“ gesehen und sich einfach an deren Ideen und Stilmitteln bedient. Wäre es esser erzogen wurden, hätte es gewusst, das abschreiben keine Lösung ist,

Die Filmwelten eines Tim Burton leben von jeher von ihrer Kreativität und Liebe zum Detail. Burton ist dafür bekannt Spezialeffekte aus dem Computer nur selten einzusetzen. Bei seiner Variante von Alice Abenteuern pfeift Burton aber auf seine alte Tugend und präsentiert ein Wunderland das ganz und gar aus den Rechnern stammt. Anscheinend fehlt Burton jedoch mit solchen großen, ambitionierten High Tech Welten die Erfahrung, denn sein Wunderland wirkt unangenehm lieb- und leblos. Unzählige Details sind zwar vorhanden, aber die Bilder wirken allesamt kalt. So hakt es hier bei einem ganz wichtigen Punkt: Der Atmosphäre.

Der größte Störfaktor ist hier die Titelheldin. Mia Wasikowska watschelt als Alice wie eine depressives Dummchen auf Valium durch den Film und verspürt den Charme einer leeren Flasche. Es ist wirklich schade, aber Regisseur Tim Burton hat zwar mit „Alice im Wunderland“ die Kassen ordentlich klingeln lassen, aber irgendwie hätte man vom Phantasten der solche Perlen wie „Edward mit den Scherenhänden“, „Sleepy Hollow“, „Big Fish“ und „Charlie und die Schokoladenfabrik“ inszenierte etwas mehr erwartet als dieses bunte, aber dafür leblos wirkende Abenteuer, was die Geschichte von Lewis Carroll nicht sonderlich innovativ oder gar spannend weiterspinnt. So ist „Alice im Wunderland“ ist leider eine Enttäuschung und wenig wunderbar.

Aus heutiger Sicht ist „Moonwalker“ ein Relikt. Eine Präsentation der Person und der Marke Michael Jackson, der auf seinem Höhepunkt angelangt war. Wahrscheinlich verzichteten die Macher deshalb auf eine sinnvolle Erzählung und reihen stattdessen Effektszene auf Videoclip und Videoclip auf Archivmaterial. Das Ergebnis ist ein wilder, ungezügelter aber auch unverträglicher Mix, der am Nervenkostüm zerrt. Dennoch hat der Film seinen Reiz. Zum einen kann man ihm einen gewissen trashigen Unterhaltungswert nicht abschlagen, zum anderen gibt es immer wieder Szenen und Dialoge die nach Jacksons tragischem Tod eine interessante deutende Ebene dazu gewinnen. Zum Beispiel die Szene, in der Kinder das „Bad“ imitieren. Im Anschluss geht der kleine Jacko-Ersatz durch eine Nebelwand und raus kommt der echte Michael Jackson. Eine bessere Montage für das innere Kind gibt es kaum, vor allem in Bezug auf Jackson selbst. Dennoch können diese witzig gemeinten Szenen, die heute erst richtig zum interpretieren einladen, das krude Konzept von „Moonwalker“ nicht retten. Für Fans besitzt der Film aber gewiss einen nicht zu verachtenden, nostalgischen Bonus.

„Birds of America“ hat ein Problem: Er ist ein Modell. Er ist das Vorzeigemodell des modernen, amerikanischen Independentfilms. Es scheint fast so, als ob der unabhängige Film sich langsam aber sicher fast so oft selbst kopiert wie sein großer Bruder aus Hollywood. Schade, denn der Film von Craig Lucas hat eine unglaubliche Stärke und dass sind seine Darsteller. Matthew Perry überzeugt so, dass man ihn Hauptfigur akzeptiert und nicht bloß als ewigen „Friend“ und Ben Foster beweist mal wieder, dass er momentan einer der Besten ist. Leider findet „Birds of America“ aber keine herausstehende Fixpunkte. Entweder ist die Dramaturgie, auf die oft genug auch die Komik aufbaut, zu vorhersehbar oder strapaziös überfrachtet. Ein Problem das in letzter Zeit viele Independentfilme hatten. Manch böse Zunge nennt es sogar den Sundance-Virus. Aber mit einer Krankheit hat dieser (über)ambitionierte Film mit seinen grandiosen Darstellern nichts zu tun. Es wäre aber schön gewesen wenn man „Birds of America“ eine etwas souveränere und ideenreichere Form gegeben hätte.

Was für eine Lachnummer! Da glaubt man, man würde jetzt gleich mit grandiosen Kampfszenen und einer lachhaften Story unterhalten und dann so was: Die Story ist nicht lachhaft sondern nicht existent. Die Kampfszenen sind wie der Rest des Films peinlich bis unfreiwillig komisch, da sich die Macher wohl dachten, es wäre doch toll, wenn man die alten Sounds der Martial Arts Filme von 1970 bis 1980 nehmen würde und über die Szenen legt. Fans des Muay Thai Wunders Tony Jaa werden darüber hinaus enttäuscht. Der blasse Jaa zeigt höchstens 5% seines Prügeltalents. Dass der Film dann auch noch so gedreht ist, dass man glaubt der Regisseur würde das erste Mal mit einer Kamera arbeiten gibt der ganzen Schose den Rest. Einzig eines ist wirklich schön: Die englische Tonspur ist noch schlechter als die deutsche. So gelingt „Death Warrior“ dann doch noch das Kunststück irgendwie besonders zu sein.

Fake-Werbung vor dem Hauptfilm? Klar, so was gab’s schon bei „Tropic Thunder“. Absichtlich flackernder Bilder, dilettantische Schnitte, vergilbtes Filmmaterial und überzogene Figuren und Dialoge? Ja, dass erinnert stark an „Grindhouse“ und tatsächlich kann man „Black Dynamite“ mit dem Tarantino/Rodriguez –Projekt vergleichen, denn „Black Dynamite“ ist wie seine Kollege der Versuch das pure Genrekino der Bahnhofkinos der 1970er Jahre einzufangen. Mit einemgroßem Unterschied: Der schwarze Sprengstoff gelingt es wesentlich leichter, mit einer spielerischen Lässigkeit den Look der damaligen Zeit wiederzugeben. Dazu versteht sich „Black Dynamite“ nicht nur als Hommage sondern auch als Parodie. Diese Dynamik, die dem „Grindhouse“ fehlte, weil seine Macher zu verbissen versucht haben auch wirklich alles stilvoll zu gestalten, macht aus dem Film von Scott Sanders eine augenzwinkernde Liebeserklärung als die alten Blaxploitation-Movies, die Klassiker wie „Shaft“ und Trashperlen wie „Blacula“ hervorbrachten. Gewiss wiederholt sich „Black Dynamite“ in seinen Späßen und so mancher gut gemeinte Gag wäre selbst in den 1970er Jahren schlecht aufgehoben gewesen, aber im Gesamtbild ist der Film einfach nur stimmig und sehr amüsant, vor allem wenn die netten, kleinen Details achtet und weiß welche Bedeutung Blaxploitation damals hatte.

Mit gut aufgelegten Darstellern, der Reduzierung von all zu tranigem Kitsch sowie pointierten Dialogen und Situationskomik gelang Romantikexpertin Nancy Meyers ein humorvoller Zeitvertreib. Große Überraschungen sollte zwar nicht erwarten und das Tempo ist um einiges zu gemächlich, aber in der Masse von romantischen Komödien sticht „Wenn Liebe so einfach wäre“ klar hervor. Dies liegt u.a. daran, dass hier nicht 28-jährige Möchtegernschauspieler so tun als ob sie High School Schüler im Liebestaumel wären, sondern gestandene Persönlichkeiten, die ehrlich und gewitzt mit ihrem Alter umgehen ohne so zu tun als ob man mit 50 schon Scheintod wäre. Im Grunde ist die Aussage des Films simpel: Liebe ist der beste Jungbrunnen den es gibt. Autorin und Regisseurin Nancy Meyers hat diese Aussage zwar etwas zu renitent und mit den typischen Klischees angereichert, charmant ist es dennoch.

Eigentlich müsste „Lesbian Vampire Killers“ Spaß machen. Es gibt eine Horde von attraktiven, jungen Damen die dazu oft blank ziehen. Die Handlung ist simpel und ernst nehmen tut sich der Streifen auch nicht. Aber irgendwie will der Film nicht zünden. Die Helden sind langweilige Stereotypen und besitzen nicht genug Sympathie um mit ihnen mitzufiebern. Der Stil ist anfangs noch rasant und stilvoll, verwässert sich aber selbst durch ewige, lustlose Wiederholungen. Es hätte ein richtig unterhaltsamer wie sinnfreier Spaß werden können und, dass muss man dem Film positiv anrechnen, hin und wieder blitzt sogar kurzzeitig diese Qualität auf. Um den Film sehenswert zu machen reicht dies aber leider nicht aus.