Der große Samariter der amerikanischen Mittelschicht ist zurück: Michael Moore, Dokumentarfilmer, Meinungsmacher, Entfant Terrible und Feind Nr. 1 der Konservativen Amerikas. Sein neuster Streich, eine zweistündige Predigt gegen den Kapitalismus bzw. gegen die Form die er angenommen hat. Moore bleibt sich dabei treu: Wie immer nutzt er Interviews, gestellte Bilder und große Gesten um die Zuschauer auf seine Seite zu ziehen, dabei hätte er es diesmal gar nicht nötig gehabt. Die Beispiele der für seine These präsentiert sowie die Schlagzeilen und Untergänge teils gigantischer Firmen wie z.B. Quelle in Deutschland, dürften ausreichen um Moore zuzustimmen dass etwas gehörig schief läuft. Vielleicht hätte es "Kapitalismus: eine Liebesgeschichte" ganz gut getan, wenn Moore seine satirischen Spitzen und populistischen Netze diesmal etwas zaghafter eingesetzt hätte, aber dennoch ist auch diese polemische Doku wieder sehenswert und höchst unterhaltsam, was leider auch daran liegt dass Fassungslosigkeit und aufgezeigtes Elend genau so kurzweilig sein können wie Explosionen und Verfolgungsjagden.

Das nüchterne Film-Essay über die Pornoindustrie beleuchtet die Branche, die alleine in den Staaten mehr einnimmt als die Filmindustrie, ohne große Vorurteile. Dadurch ergebenen sich Begegnungen die das System der Pornographie offen legen und die Romantisierung der Branche ad acta legen. "Porno Unplugged" ist wirklich interessant, kränkelt jedoch daran, dass Filmemacher Fabian Burstein seine Doku mit teilweise äußerst fahrigen, philosophischen Off-Kommentaren belastet, die eine gewisse Klarheit vermissen lassen. Im Gegensatz zu der großspurigen Doku "9 to 5: Days in Porn" gelingt es Burstein aber mehr aus dem Thema zu machen, auch wenn der Film sehr, sehr akademisch daher kommt.

Romantische Sommerkomödien gibt es viele, vor allem aus deutschen Landen. "Männerherzen" findet in seiner Episodenhaftigkeit einen gewissen, entspannenden Kern, der allerdings nicht verhindert, dass der Film mit seinen unzähligen Figuren und Aktionen recht chaotisch wirkt und dazu stur alte Klischees mit dramaturgischem Realismus kreuzt. Es ist genau dieser dramaturgische Realismus, der „Männerherzen“ vor der Belanglosigkeit bewahrt. Darsteller Wotan Wilke Möhring, der den S-Bahn Fahrer Rainer spielt, bricht die Leichtigkeit der Komödie mit seiner Figur immer wieder auf willkommene Weise auf. Dass ist nicht immer erstklassig und auch oft zu gewollt, erzeugt aber dennoch eine gute Nachdenklichkeit, die den anderen Figuren in ihrer teilweise sehr überspitzten Darstellung fehlt.

„Zinda“ ist das erste Remake von „Old Boy“, denn wenn die Gerüchteküche stimmt planen Steven Spielberg und Will Smith auch ein Remake. „Zinda“ gelingt es nicht neue Akzente aus der Story zu gewinnen. Er ist brutaler, aber diese Erweiterung ist kein besonderer qualitativer Anspruch. Dem Film fehlt außerdem die poetische Komponente, nein, Regisseur Sanjay Gupta, der auch das Remake zu Tarantinos Debüt „Reservoir Dogs“ inszenierte, ließ auch den sexuellen Aspekt außen vor.
Was dem Film das Genick bricht ist, dass er zu keiner Zeit den emotionalen Motor der Wut greifbar machte. Wenn Oh-Dae Su gegen über ein dutzend Schläger antritt, dann ist seine Kampftechnik sein Zorn, der sich mit Tritten, Schlägen und dem stoischen aushalten von physischem Schmerz seinen Weg durch die Gegnermassen bahnt. Bala, der Held aus „Zinda“ ist zwar auch zornig, aber er benutzt Martial Arts Angriffe, die er sich aus dem Fernseher abgeguckt hat. Zu mehr Symbolkraft taugt bei „Zinda“ das Fernsehgerät nicht und die Wut geht im choreographierten Schick der Actionsequenzen unter. Ebenfalls ein Knackpunkt ist der Hauptdarsteller. Er kann die Emotionen nicht vermitteln. Der Darsteller, Sanjay Dutt, wirkt total deplaziert. Er wirkt lethargisch und es fehlt ihm die darstellerische Wucht, die es für eine solche Rolle benötigt. „Zinda“ ist bequemer als „Old Boy“. Er ist einfacher und gewiss auch massentauglicher, aber auch weit aus schlechter.

Ohne gute Ideen und Witz, dafür aber mit einer gehörigen Portion bornierter Dummheit, blanken Brüsten und quälend nervigen Peinlichkeiten versuchen die Hauptdarsteller, die gleichzeitig auch die Regie führten, ein pubertäres Buddy Movie zu erzeugen, dass in Sachen Unterhaltungswert oder gar Kreativität schnaubend über dem Boden der langweiligen Belanglosigkeit robbt. Diese Mixtur aus "American Pie", "Road Trip" und diversen, vom Playboy produzierten, Softsexfilmchen gehört zu einen der größten Ärgernisse des letzten Jahres. Bewundernswert, wenn auch im tiefschwarzen, negativen Sinne, ist aber, dass die Macher wirklich an ihre plumpe Geschichte und die niveaulosen wie ranzigen Gags glauben. Dass ist Selbstvertrauen, so gigantisch groß wie auch gigantisch falsch.

Man hätte die Geschichte mit ihrer schrulligen Figur des Vaters, toll gespielt von Michael Douglas, als überspitzte Dramödie aufziehen können, doch "King of California" versucht sich dieser Systematik zu entziehen, in der er mit Tochter Miranda einen ruhenden Pol dazufügt, die ihre Emotionen meist leise herunterschluckt. Somit entsteht ein ruhiger aber zumindest für den Zuschauer spürbarer Zwist zwischen Vater und Tochter, der sich im Verlauf des Films jedoch zur Routine wird.
"King of California" ist ambitioniert, sehr leise und besitzt durchaus Spuren von wunderbaren Witz, dennoch gelingt es Film nicht immer seine Geschichte in interessante Bahne zu lenken und einige Szene und Off-Kommentare von Tochter und Erzählerin Miranda sind so bedeutungsschwanger, dass sie den Drive aus dem Film nehmen.
Der Film von Mike Cahill ist letztlich ein kurzweiliger, anspruchsvoller Filmsnack, der überaus gute Akzente besitzt, aber es leider nicht immer versteht damit richtig umzugehen.

"G-Force" war einer der ersten kommerziellen Erfolge des modernen 3D-Films. Nun kann man die Geschichte um die FBI-Nagetiere auch zweidimensional zu Hause begutachten.
Dass "G-Force" über alle Maße infantil und kindlich ist, erklärt sich eigentlich schon vom Inhalt her. Im Gegenzug zum ähnlich albernen Quatsch "Beverly Hills Chihuahua", der in den Staaten ebenfalls äußerst erfolgreich war, bieten die Meerschweinchen aber wenigstens recht kurzweilige Actionsequenzen und der Film nimmt sich selbst nicht zu ernst. Dennoch fixiert sich der Film stringent auf einen Witz und zwar die Tatsache, dass hier Kleintiere die Welt retten und so tun als ob sie Agenten wären, wie man sie als Zuschauer aus hunderten Action- und Spionagefilmen her kennt. Für Kinder wird die Ausschlachtung dieses Witzes gewiss genügend Unterhaltung bringen, als Erwachsener fragt man sich recht schnell welche bescheuerten Ideen demnächst von Hollywood produziert und vermarktet werden. Wie wäre es mit einem Tanzfilm im Stile von "Flashdance" mit Wildschweinen oder einen Horrorfilm mit Elefanten. So oder so, das Ergebnis wäre im Endeffekt bestimmt ähnlich verzichtbar wie "G-Force".

Ah ja, die lieben Ninjas. Sie sind ein Garant für müllige Actionunterhaltung. Schon damals schlugen sich B-Movie Heroen wie Michael Dudikoff mit ihnen herum und eroberten so die Videotheken. "Ninja - Revenge will rise" erfüllt alle gängigen Forderungen an einen belanglosen aber actionreichen B-Movie: Kämpfe, Blut und wenig Inhalt. Freunde von artistischen Martial Arts Einlagen bekommen durchaus den einen oder anderen Kampf zu sehen, während Gorehounds die eine oder andere Blutfontäne genießen dürfen. Eigentlich wäre der Film also perfekte Chips und Bier Unterhaltung, aber leider hat der Held ungefähr so viel Ausstrahlung wie ein Toastbrot und rennt und kämpft sichtbar unmotiviert durch die Gegend. Dazu sind die Szenen zwischen der Action so penetrant lustlos und zäh, dass der Film im Gesamteindruck äußerst öde geworden ist.

Vor circa zwei Jahren suchte Autor, Regisseur und Darsteller Michael Bully Herbig auf Pro7 die Akteure für die starken Männer. Nun kann man sich das Ergebnis auf DVD ansehen und obwohl die erste Realverfilmung von "Wickie und die starken Männer" gewiss kein Hit geworden ist, so kann man Herbig und sein Team nur loben, denn die Darsteller von Faxe, Urobe und wie sie nicht alle heißen sind nicht nur optisch perfekte Duplikate der legendären Trickfilmfiguren. Auch bei der Ausstattung punktet der Film. Alles wirkt bekannt und das kindliche Flair der TV-Vorlage wird so spielerisch erreicht.
"Wickie und die starken Männer" krankt nicht an seiner Besetzung oder Atmosphäre, viel mehr hinkt Herbigs Werk bei der Erzählung hinterher. Die ist überaus schnarchig geraten, was auch damit zusammenhängt, dass Herbig es nicht sein lassen kann auch parodistische Szenen, Figuren und Verweise in die Handlung zu integrieren. Die sind allesamt hüftsteif und altbacken, wie auch das gemächliche Tempo des Films, dass durch Figuren entsteht die für die Handlung überaus verzichtbar sind und dennoch größeren Raum im Film erhalten. So ist die Figur der hübschen Asiatin absolut sinnlos, zumindest in der Größe, die ihr der Film einräumt.
Michael Bully Herbig beweist mit "Wickie und die starken Männer" dass er ein wirklich begabter Regisseur ist, nur dass mit den Geschichten erzählen hat er hier leider ordentlich verbockt, so dass der Realfilm-Wickie trotz enormen Potenzial nicht übers Mittelmaß hinaus kommt.

Rob Zombies respektloser Trickfilm spart weder mit blanken Brüsten und spritzenden Blut noch mit Anspielungen auf Horror-Ikonen und popkulturelle Anspielungen. "El Superbeasto" wirkt dabei, trotz manisch überspitzter Figuren, Aktionen und Handlungen sehr müde und auch mutlos. Zombies wiederholt im laufe des gerade einmal 74-minütiugen Trickfilms all seine Ideen und Boshaftigkeiten in einem so hohen Maße, dass er sich selbst ausbremst. Irgendwann, wenn mal wieder blanke Brüste blitzen, Köpfe rollen und anzügliche Witzchen gerissen werden hat man einfach das bestätigte Gefühl, dass der Film seit dem er begonnen hat auf der Stelle tritt. Gewiss wird sich der eine oder andere konservative Zuschauer gehörig auf den Schlips getreten fühlen, aber eigentlich lädt "El Superbeasto" weder zum empören noch zur Verlegenheit ein, sondern nur zum Gähnen.

Sie galt als talentierter Shooting Star und dies zu Recht: Diablo Cody, gewann gleich mit ihrem ersten Script "Juno" einen Oscar und es war keine große Überraschung, das dass nächste Drehbuch der Ex-Stripperin ohne langes Zögern verfilmt wird. Nach dem gefühlvollen, geistreichen und gewitzten Schwangerschaftsdrama "Juno" nun also ein Horrorfilm. Laut Interview sollte der Film witzig, sexy und blutig sein. Klang gut, wurde aber so nicht im Geringsten erfüllt. Das Cody sich dem Horrorfilmgenre annahm war dabei keine schlechte Idee, immerhin bietet sich das Genre förmlich an es einmal zu überholen.
"Jennifer's Body" erweist sich als geradezu biederer und ideenloser Humbug. Die größte Genrespielerei ist, dass es hier die Frauen sind, die die Männer abschleppen. Dass reicht weder dafür den Film pfiffig erscheinen zu lassen, noch bringt dieser Rollentausch die nötige Abwechslung. Vielleicht haben die Macher zu sehr auf ihre Hauptdarstellerin Megan Fox gesetzt. Fox wirkt jedoch deplaziert und zieht in den gemeinsamen Szenen mit Needy-Darstellerin Amanda Seyfried klar den Kürzeren. Es wäre zu einfach Fox mangelndes Talent nachzusagen, denn die Geschichte gibt nicht sonderlich viel zum spielen her. Einzig pubertäre Jungs werden von dem Körper Jennifers sicherlich angetan sein, wenn man einmal dahinter geschaut hat, gibt er wie der Film aber viel negatives Preis: Bei der einen ist es Männerfressender Dämon, beim Film ein blutleerer und lieblos erzählter Horrorfilm. Sexy ist beides nicht.

Frauen sind grausam. Nun dass ist bekannt, dass Frauen aber auch gewalttätig, blutdurstig und einen unstillbaren Appetit auf Männerfleisch haben, nein damit ist nicht Sex gemeint, beweist der britische Horrorregisseur Jake West bei seinem Film "Doghouse". West, dessen Debüt "Evil Aliens" Splatterfans entzückte und Zartbesaitete verstörte und Übelkeit auslöste erzählt seine ironische Splattervariante von "Männer kommen vom Mars, Frauen von der Venus" als Horror-Comedy mit hohem Blutfaktor, der im Vergleich zu anderen Jake West Filmen bzw. Splatter-Comedys recht zahm wirkt, was aber nicht bedeuten soll, dass der rote Lebenssaft nicht oft genug gegen die Linse spritzt.
Die Helden, allesamt Männer mit den verschiedensten Charakterzügen, erweisen sich bei Jake West als Maulhelden, denn statt sich wirklich standhaft und erfolgreich zu wehren, ist die Taktik der holden Männlichkeit meist nur die Flucht und ewiges debattieren. Hier sitzt bei "Doghouse" die größte Schwäche. Irgendwann erwartet man einfach einen Höhepunkt. Egal ob nun ein spritziger Endkampf oder eine sarkastische Schlusspointe, doch "Doghouse" tritt irgendwann wann stur auf der Stelle und der Showdown, wo sich normalerweise die angestauten Erwartungen in einen großen Knall entladen, erweist sich als ebenso größer Möchtegern wie die Helden des Films. Schade.

Die wahre Geschichte um Mark Whitacre hätte durchaus Potenzial gehabt für einen altmodischen aber ansprechenden Firmenthriller mit doppeltem Boden und einer Figurenbezogenen Dramaturgie. Eigentlich geht Steven Soderbergh auch diesen Weg bei seiner fünften Zusammenarbeit mit Hauptdarsteller Matt Damon, der trotz Gewichtszunahme und Schnauzbart recht deplaziert in der Rolle des Informanten wirkt. Das Problem bei Soderberghs Film ist, dass er steif umherpendelt und dabei weder spannende Spionageelemente hat, noch unterschwellige, humoristische Akzente besitzt, die dem Film allein vom Look her gut gestanden hätte.
"Der Informant" erweist sich als lang gezogenes Neutrum. Hier will nichts richtig funktionieren und dass die komplizierte Geschichte mit all ihren Charakteren, Lügen und Verwicklungen dabei noch sträflicherweise weder entschlackt noch aufgelockert wurde, macht aus Steven Soderberghs Film ein Werk dessen Unterhaltsamkeit penibel auf Sparflamme gehalten wird.

Ob man Michael Jackson nun mochte oder nicht, die Dokumentation "This Is It", die Jackson bei den Proben zu seiner gigantischen Konzertshow in London zeigt, erweist sich als würdevolles Abschiedsgeschenk für die Fans des King of Pop. Man vermisst allerdings einige Informationen. Wer sich erhofft hatte der Filme ermöglicht einen Blick hinter die Fassade des Phänomens Jackson wird enttäuscht und auch wer sich wünscht einen detaillierten Blick auf die Entstehung des geplanten Mega-Events zu werfen wird nicht befriedigt. Der Film reißt alles nur an, lieber präsentiert er die gefilmten Ergebnisse der harten Proben. Die erweisen sich als äußerst professionell und beeindruckend.
Fans können sich freuen, denn Regisseur Kenny Ortega, der die Show mit entworfen hat, hätte ohne Schwierigkeiten den Film zum niveaulosen Tränenzieher ummodellieren können, doch hier steht die Arbeit von Jackson im Zentrum, nichts weiteres. eine gute Entscheidung, aber wie gesagt die eigentliche Dokumentation ist zu uninformativ geraten und ist im Grunde nur ein Schlauch der zu den einzelnen Performances führt.
In Zukunft wird sicherlich noch viel kommen vom King of Pop. Tote Musiker bringen das meiste Geld, so heißt es. Bleibt zu hoffen dass die bald anstehenden Duplikate und Epigone genauso würdevoll ausfallen.

Ein wirklich gutes Spiel.
Mir gefällt die gute Balance aus Action und Rätsel und das Design der Figuren.
Zum absoluten Tophit finde ich reicht es letzlich nicht ganz, aber "Darksiders" hat es geschafft mich in meine kindheit zurückzuversetzen, als ich mit meinem geliebten SNES "Zelda" zockte, denn "Darksiders" erinnert mich mit seinen Dungeons, Rätseln und Suchaktionen schon ein wenig an den guten Link aus meiner Kindheit, mit dem enormen Unterschied hat "Darksiders" grafisch natürlich erheblich besser ist (obwohl da gewiss auch noch Platz nach oben da wäre) und der gute Krieg um einiges rabiater und erwachsener zur Sache geht.

Die passenden Wörter für "Bayonetta"? Wie wär's mit durchgeknallt, wild, exzentrisch, schnell und spaßig.
"Bayonetta" ist ein herrlich irrwitziges Spiel. Wer innerhalb von vier Sekunden drei Gegner erledigt, die Zeit eingegfrohren, das halbe Level verwüstet und eine 20er Combo gerissen und sich in einen meterhohen Drachen verwandelt hat, kann sich ein vergnügtes Zockerlächeln bestimmt nicht verkneifen. Okay, der Stil des Spiels ist bestimmt nichts jedermanns Sache und ich muss auch zugeben, dass ich gerade die vielen Zwischensequenzen in den ersten Spielstunden sehr störend fand, weil sie mich komplett aus meinem verrückten Verwüstungsrausch rausgebracht haben. Dass ist alles aber nörgeln auf hohem Niveau. Dass einzige was wirklich nach einiger Zeit nervt ist die Musik. Irgendwann geht einem dieses ewige "...in other words - I love you" schön mächtig auf den Zeiger.

Der arme Mohsen. Da kann er kein Blut sehen und arbeitet dennoch in Papas Fleischerei. Ja, „Salami Aleikum“ nutzt einfache Mittel um Lacher und Schmunzler zu erzeugen und setzt dabei auch auf seine liebenswerten Figuren, die alle Hände damit zu tun haben sich entweder gegen Klischees zu wehren oder sie zu erfüllen. Dass klingt schlimmer als es ist, denn „Salami Aleikum“ nutzt diese Fülle von alten Klischees über Türken und Ostdeutschland um damit herumzuspielen und sie im besten Falle auch zu demaskierten. Dabei wird der Film erzählt wie ein modernes Märchen. Eine Fehlentscheidung, denn dieses märchenhafte, das oft vom Film genutzt wird um Parodien oder Hommagen zu entwickeln und auszuführen, drängt den Film in die Synthetik und dies ist eine Ecke, in der der eigentlich sehr herzliche und gütige Film nicht hereinpasst.

„City of Ember“ bietet ein wirklich interessantes Szenario, dass trotz des, für das Genre eher geringen Budget, erstaunlich konsequent und substantiell umgesetzt wurde. Die Geschichte, hält sich dabei nicht lange mit Kleinigkeiten auf. Eher man sich versieht sind die Helden auch schon dabei ihr Abenteuer zu bestehen. Das Abenteuer ist bei „City of Ember“ auch leider der Knackpunkt. Zum einen ist der Film für die Jüngsten um einiges zu düster und unheimlich, aber für Erwachsene, fehlt dem Film einfach die gewisse, inszenatorische Kraft. Das Abenteuer, so groß es für die Helden auch sein mag, wirkt über weite Strecken eher wie eine aufgebauschte Schnitzeljagd. Die wenigen Actionszenen sind recht kurz und nicht sonderlich intensiv. Dies macht aus „City of Ember“ trotz guter Ansätze zu einem mittelprächtigen Film.

Es gibt nichts Vergleichbares in der Filmhistorie wie Zombies. Keine andere Spezies musste schon für so viele Metaphern herhalten wie die herumschlürfenden Untoten die am liebsten Menschen anknabbern. Die Low Budget Komödie „Wasting Away“ nutzt diese Metaphern und macht sich über sie lustig. Dabei hat der Film eine wirklich tolle Idee in petto, denn während normale Menschen alles nur in schwarzweiß sehen, sehen die Zombies alles in Farbe und für die Untoten sind die Lebende die Infizierten oder warum bewegen die sich immer so schnell? Dieser wirklich gelungene Jux bringt dem sichtlich billig produzierten Film zu Beginn einen ordentlichen Bonus, den er jedoch bis ins unmotivierende streckt, sodass er nach und nach ausdrucks- und spaßloser wird.
„Wasting Away“ ist trotz einiger netter Ideen eher eine Zeitverschwendung. Zum einen gibt es mir „Fido“ oder dem grandiosen Klassiker „Shaun of the Dead“ wesentlich bessere und ausgereiftere Zombiekomödien, zum anderen torkelt er Film irgendwann bleiern durch seine indolente Handlung und die Protagonisten besitzen, bis auf ihr Zombiefikation, auch keinerlei heraushebenden, komödiantischen Eigenschaften. Kurz: Die Charaktere in „Wasting Away“ sind Knallchargen und damit kriegt man einfach keine vernünftige Komödie hin. Egal ob es jetzt Menschen sind oder Zombies.

Es gibt einige Regisseure mit sehr interessanten Karrieren. Sam Raimi ist so einer. Angefangen mit billigen aber effektiven Horrorfilmen, die nicht nur in Deutschland die Zensurbehörden lange (wenn nicht sogar bis heute) beschäftigen, gilt er mittlerweile als Garant für volle Kasse. Mit seinen drei „Spiderman“ Filmen spülte er Unmengen an Zaster in die Kassen der großen Studios und erkaufte sich somit eine gewisse Narrenfreiheit. Zur Freude seiner alten Fans aus den Tagen als Raimis Filme noch unter dem Tisch verkauft oder verliehen wurden, kehrte er nach „Spiderman 3“ zurück ins Horrorgenre. Zwar ist „Drag me to Hell“ in keiner Form zensiert oder verboten (freigegeben ab 16 Jahren), aber der Stil erinnert ohne Zweifel an Raimis alte „Tanz der Teufel“ Filme.
Horrorfilme an sich haben ja eigentlich immer ein zentrales Thema: Kontrollverlust. Ob man jetzt nachts durch den Wald gejagt oder wie in „Drag me to Hell“ von einem Dämon drangsaliert wird, ist ziemlich irrelevant. Fakt bleibt, dass der Verlust der Kontrolle in keinem anderen Genre so manifestiert ist wie in dem des Horrors. Das weiß auch Sam Raimi und es scheint ihm Spaß zu machen seine Heldin drei Tage durch die Hölle zu schicken. Natürlich braucht der Film eine funktionelle Geschichte um dies zu tun, wobei funktionell in diesem Falle auch bescheiden bedeutet. Dass eine Bankangestellte von einer alten Zigeunerin verflucht wird und ihr dann ein hartnäckiger wie gefährlicher Dämon im Nacken sitzt, ist nicht gerade die hohe Kunst des Erzählens. Aber es passt zumindest, denn wenn es neben dem roten Faden des Kontrollverlusts noch einen stilistischen Faden gibt, dann ist es der Faden der Simplizität. „Drag me to Hell“ ist in allen Belangen konsequent einfach gehalten. Dass gleich ein Schockeffekt kommt meldet der Film mit klassischen Mitteln an. Es liegt an der rabiaten und überzeichneten Wucht dieser Schock- und Ekeleffekte, dass dieser bullige Mechanismus nicht langweilig wird und auch nach der vierten Wiederholung gut unterhält.
Wo „Drag me to Hell“ jedoch enorm schwächelt ist bei der Identifikationsfigur. Heldin Christine erwest sich als typisches Horror-Phrasenpüppchen. Hier hätte Sam Raimi durchaus mehr Anstrengungen rein stecken können, denn richtig mitfiebern tut man mit Christine nicht. Man will zwar wissen wie ihr Kampf mit dem Dämon ausgeht, aber ob sie oder der Dämon gewinnt ist ziemlich uninteressant. Manchmal besitzt der Dämon sogar mehr wahrhaftige Persönlichkeit als die verzweifelte Heldin aus dem Katalog.
Trotz einiger Schwächen kehrt Autor und Regisseur Sam Raimi mit „Drag me to Hell“ erfolgreich zu seinen Wurzeln zurück. Ja, der Film ist im Gegensatz zu seinen früheren Werken braver, doch er besitzt immer noch diese gewisse, rotznäsige und abschreckende Autonomie des Grauens, die damals die „Tanz der Teufel“ Filme auszeichnete. So gesehen hat Sam Raimi sich selbst eine Hommage gebastelt. Wie heißt es so schön, die schönsten Geschenke schenkt man sich immer selbst.

"Shakespear in Love"- Regisseur John Madden verfilmte den Roman von Krimilegende Elmore Leonard als geradlinigen Hard Boiled Thriller.
"Killshot" ist ein einfacher aber durchaus ansehnlicher Film geworden. Mickey Rourke spielt den indianischen Auftragskiller Blackbird mit passender, mimischer Regungslosigkeit, während Joseph Gordon-Levitt Blackbirds Partner Richie den unberechenbaren wie gewalttätigen Schwätzer darstellt. Ein interessantes Duo, das wenn der Film sich nicht der schwarzen Melancholie hin gäbe sogar teilweise als Buddy Movie durchgehen würde. Aber (zum Glück) fokussiert sich "Killshot" lieber auf seine simple aber durchaus dramatische Handlung, die zwar etwas zu sehr an inszenierte Routine erinnert, aber sich im Laufe ihrer 92 Minuten keine größere Blöße gibt. Lediglich die Eheprobleme von Wayne und Carmen, die im Fadenkreuz der zwei Killer stehen, wirken recht aufgesetzt.
"Killshot" ist ein grundsolider, sehenswerter Thriller im amerikanischen Hard Boiled Gewand, der eigentlich nichts richtig schlecht macht, auch wenn der Film gewiss etwas spärlich mit wahren Höhenpunkten umgeht.

In den 1970er Jahren hatte er Robert DeNiro, nun scheint Regie-Legende Martin Scorsese mit Leonardo DiCaprio einen neuen Lieblingsdarsteller gefunden zu haben. „Shutter Island“ ist nun bereits die vierte Zusammenarbeit und es wird bestimmt auch nicht die letzte sein.
„Shutter Island“, die Verfilmung des gleichnamigen Romans von Dennis Lehane, der bereits die Vorlagen zu den grandiosen „Mystic River“ und „Gone Baby Gone“ verfasste, ist ein lupenreiner Psycho-Thriller der mit den klassischen Stilmitteln des Genre arbeitet. Dabei legt Scorsese den Fixpunkt klar aus Suspense statt auf andauernde Schockeffekte. Unterstützt wird dies durch die wirklich hervorragende Arbeit von Kameramann Robert Richardson. Der setze bereits frühere Filme von Scorsese sowie einige Werke von Oliver Stone, Quentin Tarantino und den Coen Brüdern ins richtige Licht setzte.
„Shutter Island“ steht und fällt mit seiner Atmosphäre. Die ist zwar optisch ohne Zweifel, aber dem Film gelingt es nicht sich spannungstechnisch zu steigern. Hat der Film eine konstante Ebene der Spannung erreicht gibt es keine Spitzen mehr. Natürlich ist die Konstante nicht schlecht, aber sie verliert nach und nach an Sogwirkung was den Film teilweise unglaublich phlegmatisch ja fast schon übermüdet wirken lässt. Diese Trägheit, die man durchaus als missglücktes Stilmittel bezeichnen kann, verhindert einfach dass der, hinter seiner mysteriösen Fassade doch recht konventionelle Thriller, an cineastischer Attraktivität gewinnt.
Scorseses „Shutter Island“ hält den geschürten Erwartungen nicht stand, aber er ist gewiss kein wirklicher Reinfall. Der Film versteht es durchaus die Geheimniskrämerei interessant zu gestalten und die typischen Genrephrase wie „Ich bin nicht verrückt“ wurden wirklich hübsch in Szene gesetzt. Das Problem liegt wohl einfach darin, dass der Film sichtbar Potenzial hat, dies aber nie so einsetzt dass man davon überzeugt ist, dass die Macher das Beste aus der Geschichte herausgeholt haben. Lediglich der alle letzte Satz, über den man während des Abspanns noch einmal grübeln sollte, nutzt das vorhandene Potenzial bis zum letzten Tropfen.

Charlie Kaufman gilt ohne Übertreibungen als einer der wirrsten aber auch kreativsten Köpfe der amerikanischen Traumfabrik. Mit den Regisseuren Spike Jonze und Michel Gondry schuf der Drehbuchautor unvergessliche, verquerte Werke wie „Being John Malkovich“, „Adaption“ oder „Vergiss mein nicht“. Nun legt Kaufman mit „Synecdoche, New York“ seine erste Arbeit als Regisseur vor und versammelt vor der Kamera mit Darstellern wie Philip Seymour Hoffman, Cathrine Keener oder Hope Davis, das Who-is-Who des amerikanischen Independent-Cast.
Kaufmans Regiedebüt erweist sich als schwerfälliges Drama über die existenzielle Frage des eigenen Lebens und Daseins. Dass ist alles über alle Maßen komplex, verschachtelt sowie hintersinnig und zügellos grotesk inszeniert, dass sich der Film eigentlich nie komplett dem Zuschauer erschließt.
„Synecdoche, New York“ ist ein kunstvoller Film, aber auch ein Film voller Egozentrik, der vergisst dass bei all der künstlerischen Suggestion und dem scheinbar unkontrollierten Gebrauch von Groteskem, Alltäglichen und Philosophischen, die Zeit so bleiern wirkt, dass „Synecdoche, New York“ von Minuten zu Minute mehr an Reiz verliert.. Das Leben bzw. Schicksal des Helden bleibt einem dabei ebenso fremd wie Kaufmans Absichten. Knallharte Fans des großen, kreativen Querdenkers von Hollywood wird’s freuen, denn mit seinem Regiedebüt übertrifft er sich in Sachen geistreicher Verquerungen selbst.