Wer den Film ernst nimmt, hat schon verloren. Er fühlt sich viel mehr wie der Großvater der John-Wick-Filme an.

Für Fans sicher eine sinnvolle Verlängerung der Serie. Aber irgendwie hing dem Film auch ein Déjà-Vu an, nämlich im Verhältnis zu "Fast X" (Fast & Furious Nr. 10), bis hin zur Eigenschaft als erstem Teil des letzten Teils einer Serie. Nur hatte F&F von Anfang an als Popcorn-Reihe begonnen, während sich Mission Impossible nach dramatischen Wendungen in den ersten Filmen immer mehr in Richtung Popcorn bewegte.

Auweia, das gibt bestimmt viele Daumen nach unten. Aber irgendwie ist es schade, wenn bei den vielen Millionen, die in die digitalen Tricks und die Gagen gehen, nicht auch ein paar mehr Dollar für ein echtes Drehbuch übrig sind.

Sehr unterhaltsam.

David Leitch ist sozusagen die Antwort der USA auf Guy Ritchie: rasanter Schnitt, viel Action, schwarzer Humor - und philosophiefreie bis gelegentlich absurde Unterhaltung (auch als "Popcornkino" bekannt).

Ein kleines bisschen Länge hat der Film im zweiten Drittel, nimmt dann aber wieder richtig Fahrt auf.

"The Flash" spielt ja bei DC in etwa die Rolle, die Spider-Man bei Marvel spielt. Und hier kommt eine erneute Bestätigung, dass teure visuelle Effekte ein hohles Drehbuch nicht auffangen können: nervige Nebenfiguren, viel Gelabere, ein bisschen Ideenklau aus "Spider-Man - a new universe", und ein Superheld, der nur zu seiner Mama will. Kein Wunder, dass der Film als Kassengift endete.

Das Ende von TV-Legende Dan Rather und irgendwie auch das Ende der Unabhängigkeit der TV-Nachrichten von kommerziellen Interessen. Fazit: Das Ende einer Ära.

Was britische Fernsehfilme angeht, warteten wir eigentlich eher darauf, dass doch bitte endlich die fünfts "Sherlock"-Staffel komme. Doch irgendwie darf Benedict hier wieder anderen "Sherlock" spielen, der mit herausragendem und dennoch weitgehend empathielosen Geist ein Rätsel zu knacken versucht. Zwischen beiden Figuren gibt es auf den zweiten Blick mehr Verwandtschaft, als der erste Blick vermuten lässt.

Diese britische Miniserie verlangt den Zuschauern einiges ab. Die Story ist komplex und handelt viel von Leid, Entstellung, Abgründen und Trauma. Gleich am Anfang erfolgt ein kurzes Flashback, aus diesem heraus ein weiteres, und schnell merkt man, dass diese Serienmord-Story komplett rückwärts erzählt wird. Das wirkt zunächst absurd, funktioniert aber gut. Das Drehbuch ist eine erneute Bestätigung der schwer zu übertreffenden britischen Drehbuchkunst und streut immer wieder Fährten in die eine oder die andere Richtung.
Wie gesagt: Kein Zuckerschlecken, dafür mal etwas anderes als sonst.

Es ist ein schillernder, freudiger, wilder, bunter Spaß. Aber man fragt sich dann doch, was eigentlich der Zweck des Films ist.

Der Film hat etwas von einem verfilmten Graphic Novel, der die Nachkriegsdunkelheit einfängt wie ein Roman von Louis-Ferdinand Céline. Die Erkenntnis der Sinnlosigkeit. Eine ganze, gebrochen zurück kehrende Männergeneration. Was Krieg und "spanische Grippe" von einer Gesellschaft übrig ließen.

Die visuellen Effekte sind zunächst überraschend und interessant, doch da sie sich immer wiederholen, fragt man sich irgendwann, was eigentlich ihr Mehrwert, ihr Beitrag zur Handlung ist, und ob es hier nicht eher darum ging, an den Kosten für echte Bühnenbildner und Kulissen zu sparen.

Jetzt, wo man weiß, woran Bruce Willis leidet, tut es richtig weh, ihm zuzuschauen, wie er versucht, sich an seine nächste Textzeile zu erinnern. So möchte man ihn nicht in Erinnerung behalten. Der Film hätte ohne ihn womöglich besser funktioniert.

Der Film lebt von den beiden Hauptdarstellern. Ansonsten ist es ein sehr klassischer Krimi, der sich in eine lange Reihe von Filmen über Polizeikorruption im Los Angeles Police Department einfügt und von der Gestaltung und den Lichtverhältnissen her irgendwie so aussieht, als hätte man um 1995 einen Krimi über die 1970er Jahre gedreht.

Der Film scheint wirklich gut gemeint: Starbesetzung wohin das Auge blickt, Aufwendige Dekore, und so weiter. Aber der Regisseur hat auch das Drehbuch geschrieben und hält seine Dialoge wahrscheinlich für besser, als sie sind. Deswegen gibt es so viele davon. Etliche Szenen sind einfach mehrere Minuten zu lang. Man könnte eine halbe Stunde heraus schneiden und niemand würde es merken. Schade, denn in dem Film steckt viel Herz.

Irgendwie vage von "Heat" und "The Town" inspiriert, jedoch mit amateurhaftem Drehbuch und einem halbherzigen Bruce Willis, der durch die Story schlafzuwandeln und jede schauspielerische Ambition aufgegeben zu haben scheint. Schade, wie sich ein einst großer Name in immer beliebigeren Direct-to-Video-Fließbandproduktionen auflöst.

Ein großartiger Musikfilm, der die üblichen netten Klischees der Musikfilmw komplett beiseite lässt und eigentlich eher wie ein Film über Boxer oder eine Militärausbildung strukturiert ist. Entsprechend hart fällt er aus, entsprechend wenig Platz bekommt die einzige weibliche Rolle. Die These, dass man aus Menschen nur das Beste heraus holt, wenn man sie triezt und and die Grenze bringt, ist vielleicht nicht ganz so alternativlos wie hier dargestelle, aber wer weiß?

Ich liebe Jazz, aber eines der schlimmsten Dinge im Jazz sind für meine Wenigkeit Schlagzeug-Soli. Und doch sind Handlung und Aufbau hier so leidenschaftlich, dass man mit dem jungen Helden nur mitfiebern kann. Die Leistung der beiden Hauptdarsteller ist tadellos. Und J.K. Simmons hat auch endlich mal nicht nur eine Nebenrolle. Bei aller Musik fällt auch immer wieder das Licht auf. Und seit Langem hat mich in Filmen weniges so sehr gepackt wie die letzten Minuten des Films.

Intelligente Schauspieler. Ali ist regelrecht faszinierend. Die Alchemie zwischen Ali und Dorff sowie zwischen Ali und Ejogo funktioniert wunderbar
Ein intelligentes und ehrliches Drehbuch - ohne all die heute typischen US-Serienkinkerlichtzchen wie die an den Haaren herbei gezogenen Wendungen.
Eine Intrige, die sich über drei paralelle Zeitachsen entfaltet, die einander immer wieder abwechseln aber dabei (fast) immer klar auseinanderzuhalten sind. Trotz wenig Action bietet die Serie eine intensive psychologische Spannung.
Schade dass HBO die bisherigen Serienmacher ab Staffel 4 nicht mehr dabei haben will.

Sinnfreier "Agententhriller" mit hohler Story, einem Hauptdarsteller, der die emotionale Reife eines Zwölfjährigen ausstrahlt, und so vielen Logikfehlern, dass es weh tut.

Sehr, sehr klassischer Agentenfilm mit den üblichen Wendungen, bei denen man sich immer mehr fragen soll, wer Freund und wer Feind ist. Offenbar wollte Michael Apted noch mal einen Agententhriller drehen. Beweisen muss er in dem Genre seit Gorky Park und James Bond eigentlich nichts mehr. Aber das Drehbuch ist eher schwach.

Noomi Rapace macht sich aber gut.

Außerordentlich charmanter Zeitschleifen-Film, von der Alchemie zwischen den beiden Hauptdarstellern getragen. Vor allem Cristin Milioti sprudelt nur so vor Charme und man freut sich schon auf ihren nächsten Gesichtsausdruck, der ohnehin höchstens zwei Sekunden entfernt liegt. Vielleicht sollte man ihn im Originalton sehen. Bei der Synchronisierung könnte ein bisschen verloren gehen.

Mr. Crane wirkt mehr wie der unbeteiligte und vielleicht auch gleichgültige Zuschauer des eigenen Lebens und man wartet lange darauf, ob er einmal eine Emotion zeigen wird. Nimmt er einmal sein Leben in die Hand, geht es mächtig schief. Will er es wiedergutmachen, geht es wieder schief, obwohl man nun doch eine Regung in ihm vermutet - Reue. Alle haben ihre eigenen Geschichten im Kopf, keiner will die Geschichte des anderen hören. Und so wird man zwar gelegentlich bestraft, aber für das falsche Verbrechen. Das Leben ist eine schwarzweiße Seltsamkeit.

Ein anstrengender und sehr persönlicher Film von Martin Scorsese, der ihn viele Jahre in sich herum getragen hatte. Viel mehr als Leid und Schmerz und Not und Landschaften gibt es nicht, dafür tolle Schauspieler. Vielleicht wollte Scorsese hier ein bisschen Akira Kurosawa zitieren, immerhin zeigt er hier eine Vorliebe für weite Einstellungen mit wenigen Schnitten.

Der Film ist recht lang: Vielleicht muss man ihn mehr als eine Meditation verstehen, oder als ein lautes Nachdenken des Filmemachers über die Hartnäckigkeit, mit der ein Glauben in eine fremde Kultur verpflanzt wird, und die Hartnäckigkeit, mit der sie sich dem widersetzt. Er stellt sich die Frage, welche Chancen eine Religion mit einem Gott hat, in einer Kultur aufgenommen zu werden, die gar keine Vorstellung davon hat, was ein Gott sein könnte, und dann vielleicht etwas ganz anderes daraus macht. Die Reibungsverluste zählen sich dabei in Menschenleben. Werden diese sinnvoll oder sinnlos verloren?

Hier hat wohl jemand schon von jung auf die Tarantino-Milch aufgesogen und liefert Fans eine ähnliche Struktur: Viel, viel Gerede, unterbrochen von plötzlichen Gewaltausbrüchen, dann wieder viel, viel Gerede, und so weiter.

Kamera und Licht sind prima, Schauspieler gut, ein besonderes Lob auch den Bühnenbildnern.

Aber irgendwie ist der Film so abstrakt und konstruiert und auf "stylish" gepolt, dass ich zu keiner Figur eine Verbindung fand und irgendwann anfing, Teile einfach zu überspringen, um schnell zum Ende zu kommen.

Ein sehr charmanter Film mit charmanten Darstellern.

Schade ist allerdings, dass die starke Grundidee noch mehr hätte hergeben können.

Hervorragende Besetzung für einen gut gemeinten (und dennoch ein bisschen naiven) Ansatz, zu zeigen, wie das System gelegentlich auch mal einen Bauern oder sogar einen Turm opfert, um so weiterzumachen wie bisher.

Spätestens seit "Last Action Hero" (Schwarzenegger) gibt es ja die Sitte, dass sich Action-Stars in mindestens einem Film mal so richtig selbst aufs Korn nehmen - lustig und oberflächlich wird es meistens. Aber dieser Film ist anders, in vielen Aspekten ohnehin ein Arthouse-Film, durch van Dammes Selbstentblößung und seinen Gang durch die Verletzlichkeit an manchen Stellen sogar richtig bewegend. Diese Schauspielerleistung hätte man von ihm nicht erwartet und Mabrouk El Mechri hat ihm hier ein schönes und menschliches Denkmal gesetzt. Man erwartet eigentlich fast das australische Remake mit Mel Gibson...

Schöne Bilder für ein aufwendiges Entdecker-Epos. Ein bisschen langatmig, und dem Hauptdarsteller mag es ein bisschen an Charisma fehlen. Ob man einer solch dubiosen Figur solch ein Denkmal setzen sollte, bleibt eine Historikerdebatte.

Der Titel sagt eigentlich wenig über diesen einfühlsamen Film aus, in dem die Liebesbeziehung nicht wirklich den Kern der Geschichte ausmacht. So viele bretonische Landschaften sieht man auch nicht.

Eher geht es um ein Beziehungsgeflecht, in dem lange nicht klar ist, wer eigentlich mit wem verwandt ist. Vaterschaft könnte das eigentliche Kernthema sein. Ein Mann entdeckt zufällig, dass sein Vater nicht sein leiblicher Vater ist. Denn eröffnet sich ihm ein in mehrerer Hinsicht neues Leben.

Unterhaltsame und sympathische "ch'ti"-Komödie, bunt, weitgehend sinnlos. Die Darsteller der Tuche-Eltern insbesondere sind grandios. Allerdings geht der Charme wahrscheinlich weitgehend bei der Synchronisierung verloren. Wer des Französischen mächtig ist, kann hier einen legeren Abend genießen.

Der Film erfindet zwar nichts Neues und scheut sich auch nicht vor ein paar Stereotypen. Aber irgendwie funktioniert er dennoch und ist unterhaltsam, vor allem vom Charisma von Ma Dong-Seok (Gangsterboss) getragen, und auch Kim Sung-kyu trägt eine ordentlich finstere Präsenz bei.

"Le bureau des légendes" ist eine in Frankreich erfolgreiche Spionageserie, die die üblichen Merkmale solcher "precinct based series" erfüllt und dabei deutlich mehr dialog- als actionbasiert ist.

Der Urgedanke von Filmemacher Eric Rochant war, zu zeigen, wie "Legenden", also Scheinidentitäten für französische Agenten teilweise aufwendig und über lange Zeitstrecken aufgebaut werden. Da sich der Stoff nicht als dramaturgisch ausreichend erwies, fügte er weitere Intrigen hinzu.

Nicht alle dieser Fäden sind gelungen, nicht alle Schauspieler sind überzeugend. Aber es baut sich dennoch ausreichend Spannung, Verwirrung und Verschachtelung auf, die Zuschauer am Ball zu halten. Mathieu Kassovitz macht seine Sache als undurchsichtige Hauptfigur sehr gut.

Aus irgendeinem Grund ist die Serie voller "Kinder von" mit bekannten Namen: Giraudeau, Chesnais, Brasseur.

Der Film hat ein paar Rhythmusprobleme und baut sich langsam auf. Das gehört auch ein bisschen zum Genre - man erinnere sich an die amerikanischen Katastrophenfilmklassiker wie "Flammendes Inferno" oder "Airport" - auch wenn die heutigen ungeduldigen Massen vielleicht die Vorspeise einer solchen filmischen Charakterstudie am liebsten übersprängen und gleich zur digitalen Schlachtplatte wechselten.

Übrigens: Der Trailer des ersten Films ("The Wave - die Todeswelle") ist auf der Platte mitgeliefert und man sollte ihn unbedingt vorher anschauen, wenn . Sonst versteht man den Anfang von "The Quake" nicht.

Schließlich entsteht aber eine intensive Spannung (die für Menschen mit Höhenangst richtig anstrengend werden kann). Und die visuellen und Klang-Effekte sind sehr überzeugend.

Der Film ist irgendwie unverständlich. Worauf will er hinaus. Soll es den politischen und medialen Filz in Russland denunzieren? Die Aufmersamkeitsökonomie im Allgemeinen, in der kein einzelnes Menschenleben mehr zählt? Die Profitgier? Soll es eine Parodie sein, in der sich der Film am Ende sogar selbst parodiert weil er Wendungen inszeniert, die einfach unverständlich sind? Was soll es sein? Man spürt, dass der Film hätte interessant werden können, wenn die entscheidenden Köpfe sich nicht selbst in kopflastige Erklärungsnot gebracht hätten. Ohne einen Beipackzettel ist der Film schwer einzunehmen. Immerhin muss man anerkennen, dass die Russen etwas für 5 MIllionen produzieren können, was die Amerikaner 50 Millionen gekostet hätte.

Der Film ist sehr Brad-Pitt-zentriert, daher sollte man schon einmal keine grundsätzliche Allergie gegen ebendiesen mitbringen.

Vom allgemeinen Rhythmusgefühl erinnert der Film an "Interstellar". Auch der optische Gesamteindruck birgt Ähnlichkeiten, was vielleicht damit zu tun hat, dass in beiden Filmen das Team von Hoyte van Hoytema die Kameras führte. Auch die musikalische Untermalung mit den mittlerweile genretypischen langen elektronischen Klangflächen wirkt vertraut, nur dass sie diesmal vom anderen bekannten deutschen Filmkomponisten kommt, nicht Hans Zimmer, sondern Max Richter.

Man spürt ziemlich früh, dass sich der Film auf eine Begegnung zu arbeitet. Er gewöhnt den Zuschauer auch relativ früh an eine gewisse Langsamkeit, baut eine etwas andere Form der Spannung auf.

Es gibt immer das Risiko einer Enttäuschung, wenn ein Science-Fiction-Film sehr personenzentriert ist, denn man kann sich fragen: Wozu dann überhaupt den ganzen Aufwand um den futuristischen Rahmen, wenn das Wichtigste in den Gesichtern zu lesen ist? Ich fand den Film sehenswert, spannend, wenn auch einen Tick zu zäh, kann insgesamt auch verstehen, dass er der Kritik besser gefiel als dem allgemeinen Publikum.

Die entfernte Quelle der Erzählung soll "Herz der Finsternis" von Joseph Conrad sein.

Ziemlich ehrliche und doch zugleich auch taktvolle Erzählung über ein Attentatsopfer von Boston, Jeff Bauman, der nicht aufgibt und versucht, aus seinem Körper heraus zu holen, was noch geht. Für diese Resilienz wird Bauman vom Publikum geehrt und gefeiert. Was er dabei aber auslässt, ist die Heilung des psychischen Traumas, weswegen sich dieses immer wieder und vermehrt einlädt und ihm immer wieder die Kontrolle über sein Leben raubt.

Ausbaden darf es dann vor allem seine Gefährtin, gespielt von der Kanadierin Tatiana Maslany, die seit ihrer Leistung in der Serie "Orphan Black" niemandem mehr etwas zu beweisen hat. Die große Frage, die letztlich den Hauptspannungsbogen des Films bietet, wer von beidem am Ende den Kampf um die Beziehung gewinnt: die Liebe oder die Belastung. (Daher sollte man den Wikipedia-Artikel über Jeff Bauman erst lesen, wenn man den Film schon gesehen hat.)

Der Film gibt sich betont realistisch, die beiden Hauptschauspieler sind heraus ragend, vorteilhaft von Nebenrollen wie etwa der Britin Miranda Richardson unterstützt. (Eine winzige Nebenrolle und Bedeutung im Film finden übrigens auch Hightech-Beinprothesen aus Deutschland.) Er ist aber auch so auf die beiden Hauptfiguren, deren Beziehung und die vielen Leiden von Jeff Bauman zentriert und dabei so frei von effekthascherischem Melodrama, dass er offenbar die Bedürfnisse des US-Publikums nicht bedienen konnte und dort nur einen Bruchteil seiner Produktionskosten wieder einholte.

Ein korrupter und innerlich entleerter Polizist, dem irgendwann das Gewissen aufwacht, weil er sich durch die verschiedenen Schichten des Systems bewegt und sieht, das das System weiter oben noch viel korrupter als er selbst ist - das alles ist ein beliebtes Krimi-Motiv.

Das besondere an diesem Film ist der Einblick in die Gesellschaft Kairos beim Ausbruch des Arabischen Frühlings, einer Gesellschaft, die in einem langen Zerfall begriffen war, und in der sich offenbar alle daran gewöhnt hatten, einfach nur schnell noch so viel wie möglich für sich selbst heraus zu holen, bevor man zu irgendjemandes Bauernopfer wurde.

Ein bisschen erinnert dieses Ägypten aus 2011 auch an den Libanon aus 2020. Ein bisschen erschrickt man auch darüber, wie sehr das reale Kairo den Kulissen von Blade Runner und etlicher anderer Science-Fiction-Dystopien ähnelt. In die eigentliche Krimi-Intrige nach und nach eingewoben findet man die schnell wachsenden Unruhen im Land, bis beides dann im letzten Akt zusammenkommt.

Der Film wirkt sehr realistisch, frei von Effekthascherei, mit wenig musikalischer Untermalung. Manchmal bewegt er sich ein bisschen zäh, manchmal haftet die Kamera ein bisschen lange an den Gesichtern, ohne dass in diesen Gesichtern ein Sinn für eine längere Einstellung erkennbar wäre. Aber insgesamt versteht man danach die Wut viel besser, die 2011 auf dem Tahrir-Platz und anderswo ausbrach - und wahrscheinlich auch heute noch weiter schwelt.

Opulente historische Nachbildung, die von der visuellen Detailversessenheit von Roman Polanski profitiert. Die "Affäre Dreyfus" lieferte die berühmteste Zeitungstitelseite der französischen Geschichte mit dem famosen "J'accuse" ("ich klage an") des Schriftstellers Emile Zola.

Im Kontext des französischen Antisemitismus des späten 19. Jahrhunderts wurde aufgrund einer schludrigen Untersuchung ein Unschuldiger bestraft. Danach wollte man in den hohen Sphären nichts mehr wissen und nur noch den Ruf der Streitkräfte protegieren. Einige Leute stellten sich dagegen, darunter ein paar Namen wie Jean Jaurès und Georges Clémenceau, die später noch zu bedeutsamen Politikern aufsteigen würden. Und ein geradliniger Geheimagent.

Warum Polanski bei aller Mühe um historische Genauigkeit die fiktive Figur der Lebensgefährtin von Georges Picquart erfand, um doch wieder nur seine Frau Emmanuelle Seigner im Film zu platzieren, wo doch etliche andere französische Schauspielerinnen irgendwie besser gepasst hätten?

Es ist ein ruhiger Dialogfilm, die meisten Schauspieler geben ihr Bestes, und die Epoche ist aufwendig rekonstruiert. Wer grundsätzlich keinerlei Interesse an französischer Geschichte hat, wird hier aber möglicherweise nicht wirklich satt.

Jahre nachdem die Truppe das Stück von August Wilson auf dem Broadway aufgeführt hatte, stellte sie sich hier noch einmal vor die Kamera von Denzel Washington, Regisseur und Hauptdarsteller. Es sind die selben Schauspieler wie auf der Bühne.

Der Dramaturg August Wilson, Sohn einer afro-amerikanischen Mutter und eines sudetendeutschen Vaters, schrieb einen "Pittsburgh Cycle" in 10 Stücken, um seinem Land das alltägliche Leben vieler afro-amerikanischer Existenzen zugänglich zu machen, das Amerika bis dahin weitgehend ignoriert hatte. Jedes Stück spielte in einem anderen Jahrzehnt, "Fences" ist in den 1950ern angesiedelt und ist eines der beiden Stücke der Reihe, die einen Pulitzer-Preis gewannen.

Alle 10 Stücke spielten in diesem seinem Herkunftsviertel in Pittsburgh, in dem auch der Film gedreht wurde. Aus dieser Warte ist dieser Film zu sehen, in dem recht wenig passiert. Alles steckt in den Dialogen und den Gesichtern - und eigentlich auch der Aussprache, die bei der Synchronisierung natürlich verloren geht. Die Darsteller sind sehr gut, die beiden Hauptdarsteller gigantisch.

Klassischer und gut geölter "Nacht in New York"-Thriller mit einer hervorragenden, internationalen Besetzung, für die die Story dann doch vielleicht ein bisschen allzu klassisch ist. Aber es funktioniert, vor allem vom intensiven Charisma von Chadwick Boseman getragen und von der Kamera- und Belichtungsarbeit von Paul Cameron unterstützt.

Natürlich lebt der Film vom enormen Kontrast zwischen den Londoner Gays & Lesbians und den Bewohnern einer schon halb vergessenen Bergbauregion. Aber da war auch die Thatcher-Regierung, die versuchte, diese Regionen durch Minenschließungen ganz vergessen zu machen, während auf der anderen Seite AIDS gerade zu einem großen Thema geworden war. Dieser historische Hintergrund gibt der Story bei allem Humor und aller Menschlichkeit und allen Wohlfühl-Momenten und aller Brit-Pop auch immer eine gewisse Dramatik im Hintergrund. Dass diese Geschichte, die alles für einen Film hat, noch nicht früher verfilmt wurde, erscheint im Rückblick kaum verständlich.

Tolle Schauspieler. Viel Arbeit in der Rekonstruktion einer Epoche, die weiter weg scheint, als sie ist, und viel visuelle Arbeit auch in den Farben.

Ein herzerwärmender Film wie ich schon länger keinen mehr gesehen habe.

Für mich sind die Dialoge der wichtigste Punkt, jedenfalls in der Originalfassung - schnell, witzig, smart. Ein paar neue Figuren beleben in der zweiten Staffel das Ensemble. Auch für das Set hat die Produktion deutlich mehr Geld locker gemacht, auch wenn die Räume deutlich großflächiger ausfallen als im Originalgebäude.

Die Action-Szenen und polizeilichen Ermittlungen sollen die Dramaturgie anreichern und mehr Rhythmus herein bringen, nicht unbedingt jedoch mehr Realismus. Manches soll US-Städte darstellen, manches England, gedreht wurde aber in Kanada.

Der Blick auf die Washingtonsche Politik wird schematisiert und wirkt mitunter naiv - ein ziemlich herziger und gesitteter Kontrast zu den aktuellen Wirklichkeiten. Man lernt aber auch einiges über das US-amerikanische politische System und seine zahlreichen Austarierungen und "checks & balances" und ständigen Kuhhandel.

Insgesamt spannend und unterhaltsam.

Sehr klassisches Kino, das von der Struktur her auch ein Film aus den Sechzigern sein könnte, jedoch mit aktuellen digitalen Effekten.

Auweia, es ist teilweise richtig anstrengend, dabei zuzuschauen, wie angestrengt sich die Figuren Mühe geben, superlustig zu sein. Eigentlich B-Movie-Trash. Doch irgendwann in den letzten zwanzig Minuten taucht Arnold Schwarzenegger auf und trägt genau so dick auf, überspitzt in der Originalfassung seinen österreichischen Akzent, stiehlt allen die Show und hat offensichtlich viel Spaß. Insofern ist er die Belohnung (oder das Ende der Bestrafung) für die vorangegangene Stunde.

Es geschieht etwas, das physikalisch gar nicht möglich sein kann, und das bleibt zunächst ein eng behütetes Staatsgeheimnis. Doch es beginnt schon, manch ein Leben zu verändern. Am Ende bleibt nur ein Kopf kühl.

Niccolò Ammaniti sucht immer wieder den Kontrast: zwischen schön und hässlich, zwischen Traum und Wirklichkeit, zwischen Moderne und traditionsverhafteten Landstrichen, zwischen Tod und Leben, spielt auch mit Zeitverschiebungen, die vielleicht doch keine sind, und schlägt gelegentlich Brücken ins Absurde, gerade weil die Wirklichkeit mitunter so absurd sein kann. Die Selbstbeherrschten verlieren die Fassung, die Unbeherrschten finden sie, und so verweben sich die verschiedenen Erzählstränge immer wieder miteinander.

Diese elegante Miniserie löst das Rätsel in der ersten Staffel noch nicht auf. Und sie nimmt sich Zeit, sucht keine unnötige Action, erforscht eher die Figuren und ihre Wege und lauernden Abwege. Wer Mystery-Serien mag, sollte sich diese italienische Produktion wirklich einmal anschauen.

Spannender Polit-Thriller mit intelligentem Drehbuch und ständigen Weiterentwicklungen der Story. Es gibt keine Leerläufe. Niemand kann solche Miniserien so gut wie die Briten. Sehr sehenswert.

Ein bisschen fühlt man sich in der Umsetzung an die robuste englische Spionageserie "Spooks" erinnert (in Deutschland leider weitgehend unbekannt).

Erstaunlich wie ein Film, wenn ihm ein großes Comic-Label anhängt, gigantische Geldsummen einfährt, und wie es so manche Ähnlichkeiten mit "A Beautiful Day" (Originaltitel "You Were Never Really Here") mit demselben Hauptdarsteller gibt, dieser aber über ein kleines Arthouse-Publikum kaum jemanden erreichte. Dabei tunken beide ihre Wurzeln (unter anderem) in die Martin-Scorcese-Filmografie. (Beide Filme haben übrigens einen weiteren, noch sehr jungen Schauspieler gemeinsam, Dante Pereira-Olson.)

Es ist auf jeden Fall ein interessantes und riskantes Experiment fernab der Regelwerke typischer Superhelden-Unterhaltung und kaum verwunderlich, dass die Meinungen so geteilt sind. Meine beiden Gehirnhälften streiten auch immer noch.

Wer nach dem Film weiter an der Vita des Pianisten interessiert ist, kann den Dokumentarfilm "Hello, I Am David" von Cosima Lange anschauen. Darin wird er auf einer Konzertreise begleitet. Leider ist der Film derzeit offenbar nicht für den Verleih freigegeben.

Erschreckend smartes Skript - ein Psychothriller mit einer erzählerischen Struktur fast wie die eines Horrorfilms. Und wie die "REC"-Serie desselben Regisseurs spielt auch dieser Film fast gänzlich in einem einzigen Wohnhaus.

Luis Tosar spielt die Hauptfigur mit erlesener Perfidie: Das Empfinden von Glück ist ihm nicht möglich, es bleibt ihm aber als beste Annäherung, wenn er dafür sorgen kann, dass andere unglücklich sind. Das klappt recht leicht, außer bei einer Bewohnerin von unbeirrbar sonnigem Temperament, bei der sein Spiel dann alsbald außer Kontrolle gerät.

Ein paar Mal ertappt sich der Zuschauer dabei, zu merken, wie leicht er sich hinters Licht führen ließ.

Bemerkenswerte schauspielerische Leistungen der drei Hauptfiguren. Die Alchemie zwischen Tatum und Ruffalo funktioniert erstaunlich gut. Von Steve Carell, den man eher aus Komödien kennt, geht eine ständige, unheimliche Bedrohung aus, zumal er über alle anderen Figuren die Macht hat, die ihm sein Geld verleiht, und immer unklar bleibt, ob er sie als Menschen sieht, ob er sie als Haustiere hält, oder ob er sich (wie Michael Jackson mit seiner Neverland-Ranch) eine verspätete glückliche Kindheit konstruieren will.

Wenn man nach dem Film über die wahren Geschehnisse liest, ist es im Rückblick etwas schade, dass das Abdriften Du Ponts in immer paranoidere Parallelwelten nicht besser aufgebaut erklärt wird, sodass seinen Taten der erklärende Hintergrund fehlt und sie aus dem Nichts zu kommen scheinen. In Wirklichkeit hatte er ja offenbar schon früher Menschen mit Waffen bedroht.

Sein ganzes Leben unverdient im Geld zu schwimmen kann einen Menschen sehr entfremden.

Biografie einer außergewöhnlichen Violine. Der Film hat viel Charme, die Musik ist möglicherweise die wahre Hauptdarstellerin und hat jedenfalls 2000 einen Oscar gewonnen. Der Film beginnt mit einer Szene wie einem Renaissance-Tableau, in der die Komparsen echte italienische Geigenbauer sind, die jede Geste kennen. Wir tauchen in fünf verschiedene Welten und Epochen ein, und treffen zum Beispiel das neunjährige Wunderkind Christoph Koncz in der Rolle von Kaspar Weiss. Aus all diesen Epochen entstehen Sensüchte und Ansprüche, die sich in den Besuchern eine 1997er Auktion in Montreal wiederfinden, welche die Rahmenhandlung bildet. Eine zweite Rahmenhandlung sind die 1681er Prophezeiungen einer alten Magd aus Cremona, die glaubt, einer werdenden Mutter die Zukunft zu erklären und noch nicht weiß, dass sie aus Gründen, die erst am Ende des Films erklärt werden, in Wirklichkeit die Zukunft eines Musikinstruments sieht, die mit der Mutter in einer Form der unsterblichen Liebe verwoben ist. Ein ambitioniertes Filmprojekt, das mit kleinen Mitteln gedreht wurde und vielleicht gerade deswegen einen gewissen Zauber ausübt.