Guter Actionfilm, der für einen unterhaltsamen Abend sorg. Allerdings hat man das Gefühl, das alles schon mehrfach gesehen zu haben. Der Film lebt vom Charme von Tom Holland und Sophia Ali, und Antonio Banderas hat man schon lange nicht mehr so bedrohlich erlebt. Mark Wahlberg spielt, naja, Mark Wahlberg.

Ein hochsensibler und friedliebender Vater und sein ihn verachtender Sohn werden vom letzten Willen der verstorbenen Mutter auf Reisen von Alabam aus nach Irland geschickt.
Keine Effekte, wenig Action, vielmehr ist es ein empfindsamer Film über das Einandernäherkommen. Männer verbinden sich nicht so sehr über Worte wie über Verhalten.

Schon bei den ersten Bildern und Musikakkorden hatte ich das seltsame Gefühl, dass dies ein tief bewegender Film werden könnte. Und das wurde er dann auch. Auf einfache Weise, ohne Tricks und Effekte, wird die Geschichte eines außergewöhnlichen Lehrers erzählt. Im Hintergrund erscheint aber auch eine größere Wunde der jüngeren spanischen Vergangenheit, die bis heute nur teilweise aufgearbeitet ist. Zehntausende sind unter Francos Diktatur verschwunden, viele noch immer nicht gefunden. Der Film verläuft parallel an beiden Enden dieser historischen Wunde: während ihrer Entstehung im Bürgerkrieg, und während der heutigen, noch laufenden Aufarbeitung, in der sich die letzten Zeitzeugen nach und nach verabschieden.

Fans werden es lieben, auch wenn eigentlich nicht viel passiert, doch es passiert in opulenten Dekoren und luxuriöser Bekleidung.

Und Downton Abbey ist immer wieder eine Insel der Erholsamkeit, weil die Menschen so höflich und respektvoll miteinander umgehen und so selbstreflektiert und weitgehend frei von Schuldzuweiungen sind. Es erweckt eine Sehnsucht nach einem besseren Miteinander.

Grandioses Sci-Fi-Epos, in Deutschland leider zu wenig bemerkt. Der Romanautor Cixin Liu sucht gern die ganz großen Maßstäbe mit veschiedenen Erzählsträngen, die wahrscheinlich nicht einfach zu verfilmen sind und manchmal ein bisschen verwirren. Auch plötzliche Zeitsprünge vorwärts sind in seinem Werk nicht selten.

Bei diesem Film handelt es sich um eine Fortsetzung, aber man versteht ihn auch ohne den Vorgänge, der bei Video Buster aktuell auch nicht verfügbar scheint.

Nationalistische Selbstbeweihräucherung ist natürlich auch vorhanden, aber das kennen wir ja auch aus Hollywood nicht wirklich anders. Wer darüber hinweg sieht, hat hier ein abendfüllendes Spektakel.

Mit alten Steinen und Gebälk kennt sich Jean-Jacques Annaud spätestens seit dem "Namen der Rose" aus. "Notre-Dame in Flammen" ist fast wie ein Dokumentarfilm aufgebaut, unterstützt vom sachlich-nüchternen Ton der mit den Flammen kämpfenden Profis ganz ohne emotionale Effekthascherei, zumindest im französischen Originalton. Und gerade deswegen gibt es ein paar richtig bewegende Momente. Auch die Musik hält sich zurück und spielt eher auf die Trauer um die Zerstörung hin, als die emotionale Kraft der Bilder mit unnötig aufbrausendem Nachdruck zu unterstreichen.

Eigentlich sind doch die Briten Spezialisten in gut gemeisterten Spionagefilmen. Aber hier reiht sich ein Klischee ans andere und die Logiklöcher tun manchmal richtig weh. Spannung kann sich dabei nicht aufbauen. Immerhin gibt sich Aaron Eckhart wirklich Mühe.

Köstlicher wortloser Klamauk mit tausend witzigen Ideen, einigem schwarzen Humor und der gelegentlichen Verneigung vor den Klassikern des Slapsticks wie Buster Keaton oder denen des Cartoons. Genau an diese alten Genres des Slapsticks oder des Cartoons scheint er sich anschließen zu wollen und in spätere Genres kann man den Streifen auch gar nicht einordnen. Man sollte sich auf albernen Humor gefasst machen, dafür ist er sehr einfallsreich. Hier hat jemand etwas völlig anderes gewagt und das ist einen Besuch wert.

Irgendwo zwischen Thriller und Arthouse-Film bewegt sich dieser recht einzigartige Streifen, der die Zuschauer in eine Welt eintauchen lässt, die außerhalb der Gelehrtenkreise des sunnitischen Islams wahrscheinlich wenig bekannt ist. Es ist eine Entdeckungsreise, mit eher bedächtigem Tempo, in die bedeutendste sunnitische Universität, die Azhar-Universität in Kairo, wie sie im Spannungsfeld mit den Sicherheitsbehörden steht und wie politische Intrigen immer aufs Neue versuchen, sie für eigene Zwecke einzuspannen. Die Entwicklung der Hauptfigur ist nicht immer schlüssig nachzuvollziehbar, aber am Ende schließt sich der Kreis.

Ein schöner, ruhiger Film übers Altern, über Trauer und Buße und Schuld, über Dinge, die man ein halbes Leben vor sich her schiebt, bis man sich in solch eine Erschöpfung bringt, dass sie nicht mehr verdrängt und endlich durchlebt werden können. Die Besetzung ist grandios, in den Augenpaaren von Jim Broadbent und Penelope Wilton lesen sich ganze Universen zurück gehaltenen Fühlens. Was braucht man eigentlich wirklich im Leben, wenn man aufhört, die Leere zu füllen? Was ist wirklich wesentlich? Was wartet am Ende des Weges, wenn man aufhört, sich selbst im Wege zu stehen, und endlich aufbricht?

Geschickte und ungewohnte Story mit schwer vorhersehbaren Wendungen in einem Kontext, den wir sehr selten sehen (Alaska mit insbesondere seinen Ureinwohnern oder was von ihnen übrig ist); der bis zur Auflösung schwelende Zweifel, ob das Realität, Fantasy oder Horror ist; die ganz eigenen Gesetze der Nacht und der Kälte und was diese mit der Wahrnehmung machen; und das alles hervorragend gespielt - es gibt so manche Gründe, diese in sich geschlossene Miniserie anzuschauen.

Der Film fängt eher klein und langsam an, wächst dann beim Weiterschauen, während im Hintergrund in großes Feuer auf die Stadt zurollt. Der dritte Film von Sollimas Trilogie über das Verbrechen in Rom zeigt eine harte Stadt, fernab der Tourismusdestination, eher in einer Endzeitstimmung. Und doch, während der junge Manuel überfordert durch das Geschehen stolpert, bietet sich durch ihn für ein paar alte Mafiosi eine Gelegenheit für ein letztes Aufgebot und der Versuch, ein bisschen Erlösung zu finden.
Der Einstieg in den Film fiel mir anfangs schwer, doch hinterher nimmt er an Dichte zu, während er sich, zugegeben recht langsam, entfaltet.
Die deutschen Stimmen verarmen die Sache ein bisschen, nahmen etwa ein Stück der Gravitas heraus. Auf Italienisch mit Untertiteln wurde es reicher und klarer.

Der Film hat Charme und rekonstruiert auf nostalgische Weise die Fünfzigerjahre, als vieles noch in Ordnung und überschaubar war. Der Meister ist auf der Höhe seines Handwerks. Allerdings wirken die Sets ein bisschen wie Sets, also etwas künstlich. Und die Erzählweise hat diese etwas zähe Ausdrücklichkeit, die man bei alternden Regisseuren öfters findet und die sich wie gefilmtes Theater anfühlt. Vielleicht kommt der Film einfach zwanzig Jahre zu spät. Vielleicht hat sich das Kino schon zu viele Denkmäler und Selbst-Hommagen gesetzt. Oder vielleicht hat uns das US-Kino in den letzten Jahren einfach so sehr an Zynik gewöhnt, dass wir an so viel Liebenswürdigkeit einfach nicht mehr glauben richtig können.

Während sich die Intrige entspinnt, weiß man zu keinem Zeitpunkt, was in der nächsten Minute passieren wird.
Neben der spannenden Story besonders hervorzuheben: die Fotografie und die Lichtverhältnisse.

Das ist schön, mal die verschiedenen Star-Trek-Captains zu sehen, auch wenn hier "Discovery" und "Strange New Worlds" noch nicht entstanden waren und daher fehlen.
William Shatner will ihnen hier ein kleines Denkmal setzen. Aber das Denkmal setzt er vor allem sich selbst. Für einen damals Achzigjährigen hat er auch noch ganz schön viel Energie.
Ein paar Einblicke in die Arbeit erhält man dennoch, etwa wie hart die Seriendreharbeiten waren und wie sie Familien zerstört haben. Und in einem Nebensatz offenbart Chris Pine sein ADS-Syndrom.

Irgendwie urig, ein paar Schauspieler relativ früh in ihren Karrieren zu sehen. Natürlich sehen sie alle so toll aus wie man das in Wirklichkeit gar nicht kann.

Es wird vor allem geredet und geredet, wie man das in urbanen jugendlichen Milieus offenbar tat - und möglicherweise weiterhin tut. Der Film lebt von seinen pfiffigen Dialogen und passt in eine Zeit, in der "Friends" entstand. Heute ist er wahrscheinlich aus der Zeit gefallen. Immerhin wissen wir heute, dass die Ankündigung, Disco sei tot, ein bisschen verfrüht war. Disco treibt weiter seine gelegentlichen Blüten.

Gut gemachter Thriller, spannend, mit ein paar Überraschungen. Doch offenbar hatte hier irgendwie Amazon die Finger im Spiel, denn man erkennt in diesem spanischen Film ein paar grobe Unwahrscheinlichkeiten und schlichte Vereinfachungen im Drehbuch, wie man sie vor allem aus Hollywood kennt und die nicht einmal wirklich zweckdienlich sind. Nichtsdestoweniger ist es ein sehenswertes Spektakel.

Überaus charmanter Film, ein bisschen in die Jahre gekommen, aber das ist der Rock'n'Roll auch. Liebenswürdige und zugleich komplexe Figuren, die alle das große Spiel des Show Business spielen und bei denen man doch nie wirklich sieht, wer eigentlich der Mensch dahinter ist.

Wohlfühl-Unterhaltung für die ganze Familie, liebenswürdig gespielt, eher in Richtung Komödie aufgearbeitet, sehr klassisch gefilmt, mit den Themen Musik, Liebe und Freundschaft als Grundstoff. Den Höhepunkt bildet natürlich die famose Szene, die in Deutschland durch einen Telekom-Werbespot berühmt gemacht wurde.

Noch nie zuvor in Europa hatte ein Film so viele unterschiedliche Filmsets genutzt, teils wurde auf drei verschiedenen Sets pro Tag gedreht.
In Frankreich ist Claude François alias "Cloclo" nach fast einem halben Jahrhundert immer noch eine Legende. Alle wissen, woran er (zu früh) gestorben ist, viele können ein paar Lieder mitsingen, aber nicht so viele wissen, wie er zu dem geworden ist, was er dann war. Hier wird das schillernd erzählt, in einer zugegebenermaßen manchmal allzu klassischen und bemühten Erzählstruktur, aber mit viel Engagement insbesondere vom Hauptdarsteller und Tanzdarbietungen auf Spitzensportniveau.
Der Titel "My Way" kommt daher, dass Frank Sinatra die Melodie von "Comme d'habitude" übernahm und daraus das berühmteste Lied der Welt machte.

Wer den Film ernst nimmt, hat schon verloren. Er fühlt sich viel mehr wie der Großvater der John-Wick-Filme an.

Für Fans sicher eine sinnvolle Verlängerung der Serie. Aber irgendwie hing dem Film auch ein Déjà-Vu an, nämlich im Verhältnis zu "Fast X" (Fast & Furious Nr. 10), bis hin zur Eigenschaft als erstem Teil des letzten Teils einer Serie. Nur hatte F&F von Anfang an als Popcorn-Reihe begonnen, während sich Mission Impossible nach dramatischen Wendungen in den ersten Filmen immer mehr in Richtung Popcorn bewegte.

Auweia, das gibt bestimmt viele Daumen nach unten. Aber irgendwie ist es schade, wenn bei den vielen Millionen, die in die digitalen Tricks und die Gagen gehen, nicht auch ein paar mehr Dollar für ein echtes Drehbuch übrig sind.

Sehr unterhaltsam.

David Leitch ist sozusagen die Antwort der USA auf Guy Ritchie: rasanter Schnitt, viel Action, schwarzer Humor - und philosophiefreie bis gelegentlich absurde Unterhaltung (auch als "Popcornkino" bekannt).

Ein kleines bisschen Länge hat der Film im zweiten Drittel, nimmt dann aber wieder richtig Fahrt auf.

"The Flash" spielt ja bei DC in etwa die Rolle, die Spider-Man bei Marvel spielt. Und hier kommt eine erneute Bestätigung, dass teure visuelle Effekte ein hohles Drehbuch nicht auffangen können: nervige Nebenfiguren, viel Gelabere, ein bisschen Ideenklau aus "Spider-Man - a new universe", und ein Superheld, der nur zu seiner Mama will. Kein Wunder, dass der Film als Kassengift endete.

Das Ende von TV-Legende Dan Rather und irgendwie auch das Ende der Unabhängigkeit der TV-Nachrichten von kommerziellen Interessen. Fazit: Das Ende einer Ära.

Was britische Fernsehfilme angeht, warteten wir eigentlich eher darauf, dass doch bitte endlich die fünfts "Sherlock"-Staffel komme. Doch irgendwie darf Benedict hier wieder anderen "Sherlock" spielen, der mit herausragendem und dennoch weitgehend empathielosen Geist ein Rätsel zu knacken versucht. Zwischen beiden Figuren gibt es auf den zweiten Blick mehr Verwandtschaft, als der erste Blick vermuten lässt.

Diese britische Miniserie verlangt den Zuschauern einiges ab. Die Story ist komplex und handelt viel von Leid, Entstellung, Abgründen und Trauma. Gleich am Anfang erfolgt ein kurzes Flashback, aus diesem heraus ein weiteres, und schnell merkt man, dass diese Serienmord-Story komplett rückwärts erzählt wird. Das wirkt zunächst absurd, funktioniert aber gut. Das Drehbuch ist eine erneute Bestätigung der schwer zu übertreffenden britischen Drehbuchkunst und streut immer wieder Fährten in die eine oder die andere Richtung.
Wie gesagt: Kein Zuckerschlecken, dafür mal etwas anderes als sonst.

Es ist ein schillernder, freudiger, wilder, bunter Spaß. Aber man fragt sich dann doch, was eigentlich der Zweck des Films ist.

Der Film hat etwas von einem verfilmten Graphic Novel, der die Nachkriegsdunkelheit einfängt wie ein Roman von Louis-Ferdinand Céline. Die Erkenntnis der Sinnlosigkeit. Eine ganze, gebrochen zurück kehrende Männergeneration. Was Krieg und "spanische Grippe" von einer Gesellschaft übrig ließen.

Die visuellen Effekte sind zunächst überraschend und interessant, doch da sie sich immer wiederholen, fragt man sich irgendwann, was eigentlich ihr Mehrwert, ihr Beitrag zur Handlung ist, und ob es hier nicht eher darum ging, an den Kosten für echte Bühnenbildner und Kulissen zu sparen.

Jetzt, wo man weiß, woran Bruce Willis leidet, tut es richtig weh, ihm zuzuschauen, wie er versucht, sich an seine nächste Textzeile zu erinnern. So möchte man ihn nicht in Erinnerung behalten. Der Film hätte ohne ihn womöglich besser funktioniert.

Der Film lebt von den beiden Hauptdarstellern. Ansonsten ist es ein sehr klassischer Krimi, der sich in eine lange Reihe von Filmen über Polizeikorruption im Los Angeles Police Department einfügt und von der Gestaltung und den Lichtverhältnissen her irgendwie so aussieht, als hätte man um 1995 einen Krimi über die 1970er Jahre gedreht.

Der Film scheint wirklich gut gemeint: Starbesetzung wohin das Auge blickt, Aufwendige Dekore, und so weiter. Aber der Regisseur hat auch das Drehbuch geschrieben und hält seine Dialoge wahrscheinlich für besser, als sie sind. Deswegen gibt es so viele davon. Etliche Szenen sind einfach mehrere Minuten zu lang. Man könnte eine halbe Stunde heraus schneiden und niemand würde es merken. Schade, denn in dem Film steckt viel Herz.

Irgendwie vage von "Heat" und "The Town" inspiriert, jedoch mit amateurhaftem Drehbuch und einem halbherzigen Bruce Willis, der durch die Story schlafzuwandeln und jede schauspielerische Ambition aufgegeben zu haben scheint. Schade, wie sich ein einst großer Name in immer beliebigeren Direct-to-Video-Fließbandproduktionen auflöst.

Ein großartiger Musikfilm, der die üblichen netten Klischees der Musikfilmw komplett beiseite lässt und eigentlich eher wie ein Film über Boxer oder eine Militärausbildung strukturiert ist. Entsprechend hart fällt er aus, entsprechend wenig Platz bekommt die einzige weibliche Rolle. Die These, dass man aus Menschen nur das Beste heraus holt, wenn man sie triezt und and die Grenze bringt, ist vielleicht nicht ganz so alternativlos wie hier dargestelle, aber wer weiß?

Ich liebe Jazz, aber eines der schlimmsten Dinge im Jazz sind für meine Wenigkeit Schlagzeug-Soli. Und doch sind Handlung und Aufbau hier so leidenschaftlich, dass man mit dem jungen Helden nur mitfiebern kann. Die Leistung der beiden Hauptdarsteller ist tadellos. Und J.K. Simmons hat auch endlich mal nicht nur eine Nebenrolle. Bei aller Musik fällt auch immer wieder das Licht auf. Und seit Langem hat mich in Filmen weniges so sehr gepackt wie die letzten Minuten des Films.

Intelligente Schauspieler. Ali ist regelrecht faszinierend. Die Alchemie zwischen Ali und Dorff sowie zwischen Ali und Ejogo funktioniert wunderbar
Ein intelligentes und ehrliches Drehbuch - ohne all die heute typischen US-Serienkinkerlichtzchen wie die an den Haaren herbei gezogenen Wendungen.
Eine Intrige, die sich über drei paralelle Zeitachsen entfaltet, die einander immer wieder abwechseln aber dabei (fast) immer klar auseinanderzuhalten sind. Trotz wenig Action bietet die Serie eine intensive psychologische Spannung.
Schade dass HBO die bisherigen Serienmacher ab Staffel 4 nicht mehr dabei haben will.

Sinnfreier "Agententhriller" mit hohler Story, einem Hauptdarsteller, der die emotionale Reife eines Zwölfjährigen ausstrahlt, und so vielen Logikfehlern, dass es weh tut.

Sehr, sehr klassischer Agentenfilm mit den üblichen Wendungen, bei denen man sich immer mehr fragen soll, wer Freund und wer Feind ist. Offenbar wollte Michael Apted noch mal einen Agententhriller drehen. Beweisen muss er in dem Genre seit Gorky Park und James Bond eigentlich nichts mehr. Aber das Drehbuch ist eher schwach.

Noomi Rapace macht sich aber gut.

Außerordentlich charmanter Zeitschleifen-Film, von der Alchemie zwischen den beiden Hauptdarstellern getragen. Vor allem Cristin Milioti sprudelt nur so vor Charme und man freut sich schon auf ihren nächsten Gesichtsausdruck, der ohnehin höchstens zwei Sekunden entfernt liegt. Vielleicht sollte man ihn im Originalton sehen. Bei der Synchronisierung könnte ein bisschen verloren gehen.

Mr. Crane wirkt mehr wie der unbeteiligte und vielleicht auch gleichgültige Zuschauer des eigenen Lebens und man wartet lange darauf, ob er einmal eine Emotion zeigen wird. Nimmt er einmal sein Leben in die Hand, geht es mächtig schief. Will er es wiedergutmachen, geht es wieder schief, obwohl man nun doch eine Regung in ihm vermutet - Reue. Alle haben ihre eigenen Geschichten im Kopf, keiner will die Geschichte des anderen hören. Und so wird man zwar gelegentlich bestraft, aber für das falsche Verbrechen. Das Leben ist eine schwarzweiße Seltsamkeit.

Ein anstrengender und sehr persönlicher Film von Martin Scorsese, der ihn viele Jahre in sich herum getragen hatte. Viel mehr als Leid und Schmerz und Not und Landschaften gibt es nicht, dafür tolle Schauspieler. Vielleicht wollte Scorsese hier ein bisschen Akira Kurosawa zitieren, immerhin zeigt er hier eine Vorliebe für weite Einstellungen mit wenigen Schnitten.

Der Film ist recht lang: Vielleicht muss man ihn mehr als eine Meditation verstehen, oder als ein lautes Nachdenken des Filmemachers über die Hartnäckigkeit, mit der ein Glauben in eine fremde Kultur verpflanzt wird, und die Hartnäckigkeit, mit der sie sich dem widersetzt. Er stellt sich die Frage, welche Chancen eine Religion mit einem Gott hat, in einer Kultur aufgenommen zu werden, die gar keine Vorstellung davon hat, was ein Gott sein könnte, und dann vielleicht etwas ganz anderes daraus macht. Die Reibungsverluste zählen sich dabei in Menschenleben. Werden diese sinnvoll oder sinnlos verloren?

Hier hat wohl jemand schon von jung auf die Tarantino-Milch aufgesogen und liefert Fans eine ähnliche Struktur: Viel, viel Gerede, unterbrochen von plötzlichen Gewaltausbrüchen, dann wieder viel, viel Gerede, und so weiter.

Kamera und Licht sind prima, Schauspieler gut, ein besonderes Lob auch den Bühnenbildnern.

Aber irgendwie ist der Film so abstrakt und konstruiert und auf "stylish" gepolt, dass ich zu keiner Figur eine Verbindung fand und irgendwann anfing, Teile einfach zu überspringen, um schnell zum Ende zu kommen.

Ein sehr charmanter Film mit charmanten Darstellern.

Schade ist allerdings, dass die starke Grundidee noch mehr hätte hergeben können.

Hervorragende Besetzung für einen gut gemeinten (und dennoch ein bisschen naiven) Ansatz, zu zeigen, wie das System gelegentlich auch mal einen Bauern oder sogar einen Turm opfert, um so weiterzumachen wie bisher.

Spätestens seit "Last Action Hero" (Schwarzenegger) gibt es ja die Sitte, dass sich Action-Stars in mindestens einem Film mal so richtig selbst aufs Korn nehmen - lustig und oberflächlich wird es meistens. Aber dieser Film ist anders, in vielen Aspekten ohnehin ein Arthouse-Film, durch van Dammes Selbstentblößung und seinen Gang durch die Verletzlichkeit an manchen Stellen sogar richtig bewegend. Diese Schauspielerleistung hätte man von ihm nicht erwartet und Mabrouk El Mechri hat ihm hier ein schönes und menschliches Denkmal gesetzt. Man erwartet eigentlich fast das australische Remake mit Mel Gibson...

Schöne Bilder für ein aufwendiges Entdecker-Epos. Ein bisschen langatmig, und dem Hauptdarsteller mag es ein bisschen an Charisma fehlen. Ob man einer solch dubiosen Figur solch ein Denkmal setzen sollte, bleibt eine Historikerdebatte.

Der Titel sagt eigentlich wenig über diesen einfühlsamen Film aus, in dem die Liebesbeziehung nicht wirklich den Kern der Geschichte ausmacht. So viele bretonische Landschaften sieht man auch nicht.

Eher geht es um ein Beziehungsgeflecht, in dem lange nicht klar ist, wer eigentlich mit wem verwandt ist. Vaterschaft könnte das eigentliche Kernthema sein. Ein Mann entdeckt zufällig, dass sein Vater nicht sein leiblicher Vater ist. Denn eröffnet sich ihm ein in mehrerer Hinsicht neues Leben.

Unterhaltsame und sympathische "ch'ti"-Komödie, bunt, weitgehend sinnlos. Die Darsteller der Tuche-Eltern insbesondere sind grandios. Allerdings geht der Charme wahrscheinlich weitgehend bei der Synchronisierung verloren. Wer des Französischen mächtig ist, kann hier einen legeren Abend genießen.

Der Film erfindet zwar nichts Neues und scheut sich auch nicht vor ein paar Stereotypen. Aber irgendwie funktioniert er dennoch und ist unterhaltsam, vor allem vom Charisma von Ma Dong-Seok (Gangsterboss) getragen, und auch Kim Sung-kyu trägt eine ordentlich finstere Präsenz bei.