Die erste Zusammenarbeit von Akira Kurosawa, Toshiro Mifune und Takashi Shimura - damit ist "Engel der Verlorenen" mindestens eine Fußnote in der Filmgeschichte sicher. Als Film hinterlässt er einen etwas zwiespältigen Eindruck - fast scheint es, als habe Kurosawa zwei Filme auf einmal drehen wollen, weil er sich nicht für einen entscheiden konnte (oder es ihm nicht gestattet wurde). Zum einen die japanische Spielart eines Gangsterfilmes oder eines Film noir, der einen seltsam kruden Eindruck hinterlässt - allzu forciert ist die "Coolness" (auch wenn dieser Begriff damals noch nicht üblich war) der Agierenden. Dem gegenüber stehen Szenen, die den damals brandaktuellen Neorealismus Italiens heraufbeschwören (ohne sich seiner stilistischen Mittel zu bedienen). In diesem Porträt eines Säufers und enttäuschten Idealisten hat der Film seine stärksten Momente und war vielleicht sogar heimliches Vorbild für französische Filme wie "Aufenthalt vor Vera Cruz" (der ein ähnliches Thema hat). Unbestreitbar sind die schauspielerischen Leistungen von Shimura und Mifune (und ihrer deutschen Sprecher Fritz Tillmann und Gerd Martienzen). Zweifellos ein bei aller Uneinheitlichkeit interessantes Frühwerk des für seine "Westlichkeit" (die hier voll zum Ausdruck kam) geschmähten Vorzeigeregisseur Japans.

Zwei große Schauspieler, zwei interessante Charaktere, prachtvolle Ausstattung - und doch zündet der Funke nicht. Allzu kühl läuft das Geschehen ab, die Kamera blickt auf die Ereignisse, zieht aber den Zuschauer nicht hinein. Ein typisches Manko vieler britischer Historienfilme aus dieser Zeit. Selbst die oscar-nominierte Musik von Laurence Rosenthal ist zu schulbuchhaft, um Emotionalität zu erzeugen. Schade um das manchmal geradezu an Kinski erinnernde explosive Spiel von Peter O'Toole, der als Heinrich II. derart überzeugte, dass er die gleiche Rolle 4 Jahre später noch einmal übernahm in "Der Löwe im Winter" (obwohl er für den gealterten Heinrich 15 Jahre zu jung war).

Kitsch pur. Das einzige, was diese Verfilmung der 20 Jahre zuvor entstandenen ersten Tonfilmfassung voraus hat, ist die Farbe - und das, obwohl Regisseur von immens größerem Kaliber als Richard Eichberg war. Knattermimen, wohin man schaut, eine triefende Kolportagegeschichte, die einen unangenehmen teutonischen Beigeschmack hat, und Drehorte, die einen künstlichen, staubigen Eindruck machen. Immerhin ist die Arbeit von Kameramann Richard Angst bemerkenswert - niemals habe ich eine so täuschend perfekte Ausleuchtung einer im Studio gedrehten Außenszene sehen dürfen. Lang selbst benannte für sich den Film um in "Der Tiger von Dextropur" - kann es ein deutlicheres Zeichen dafür geben, wie gering seine Meinung von seinem eigenen Film war? Seltsamerweise übt das Ganze durchaus einen gewissen Reiz aus, auch wenn dieser vor allem trashiger Art ist. Paul Hubschmid könnte auch heute noch für die Damenwelt ein Blickfang sein, Debra Paget ist es für die Herren der Schöpfung ganz gewiss. Für einen verregneten Sonntagnachmittag zur totalen Entspannung des Geistes und einen Hauch von Studiosonne durchaus geeignet.

Foreign Correspondent" ist nicht weniger als eins von Hitchcocks großen Meisterwerken und nimmt so eine Sonderstellung ein - dadurch, dass es so wenig bekannt ist. Außer "Der unsichtbare Dritte" legt keiner seiner Filme bei einer Laufzeit von zwei Stunden ein solches Tempo vor, das für zwei seiner Art noch locker gereicht hätte. Er vereint die Qualitäten des britischen Hitchcock (Leichtigkeit, Sympathie für alle Figuren, Tempo) mit denen des Amerikaners (prachtvolle Aufmachung, epischer Rhythmus), obwohl sich diese Punkte scheinbar widersprechen. Der berühmte und so schwer zu findende Mittelweg - hier hat er ihn gefunden. Seine zur Entstehungszeit (teilweise sogar so nicht gewollte) politische Brisanz rückte ihn aber nach dem Krieg in eine Ecke, in die er nicht gehörte und aus der er sich auch nicht befreien konnte. Dass er von einem Verleiher zum nächsten weitergereicht wurde, tat ein Übriges - besonders in der BRD, wo er sehr verspätet und auch dann nur stark verstümmelt in die Kinos kam. Verstümmelt aber nicht aus politischen Gründen (wie oft angenommen wird) - nein, der Bearbeiter schnitt einfach die Stellen heraus, die ihm zu lang erschienen oder deren Humor er nicht verstand, ließ aber die politischen Bezüge weitgehend unberührt (um werbewirksame Aufmerksamkeit zuerregen). Glücklicherweise befindet sich aber auf der DVD nicht nur die ungekürzte deutsche TV-Fassung (die allerdings ein sehr bescheidenes Niveau hat), sondern auch die Originalfassung, die man in diesem Falle von vornherein anwählen sollte. Übrigens sehen wir in ffolliott (George Sanders) einen frühen Verwandten von James Bond - kein Wunder, war doch einer der ungenannten Co-Autoren Richard Maibaum, der Jahrzehnte später über ein Dutzend 007-Drehbücher verfasste und mehr als nur eine Spur dieser frühen Figur übernahm.

Hin und hergerissen ist man beim Betrachten dieses Films. Manch einer hält ihn für absolut misslungen, weil die vertrauten Gesichter (erschreckend) alt geworden sind und auch ihre Naivität hinter den (mißglückten) satirischen Amibitionen des Regisseurs verschwunden ist. Manch einer hält ihn für ein Meisterwerk, weil Laurel & Hardy nach den fürchterlichen Filmen der vorangegangenen Jahre in einigen Gags wieder zur alten Form gefunden haben. Beides hat etwas für sich, und beides ist nicht vollständig. Ein Film, der zwei Dinge will, die sich gegenseitig ausschließen - naiven Spaß und politischen - ist zum Scheitern verurteilt. Aber er hat beiden zumindest einige amüsanten Seiten abgewinnen können. Freilich hat er vor allem Cineasten etwas zu bieten, welche die deutsche und die amerikanische Fassung miteinander vergleichen (sie weichen massiv voneinander ab) - und eigentlich fehlt zum Gesamtbild noch die wieder völlig andere italienische Fassung. So bietet aber die DVD auf jeden Fall ein Erlebnis besonderer Art. Nur UNBESCHWERTEN Genuss - wie die meisten Laurel-&-Hardy-Filme - eben nicht ...

Dieser eher wuchtige als monumentale Abenteuerfilm hebt sich deutlich und auch sehr positiv vom Gros aus Hollywoods Hexenküche ab - und das hat er zu einem nicht unbeträchtlichen Teil dem Buch zu verdanken. Es gehört schon einiges an Mut dazu, den kraftvollen Heros Kirk Douglas als verunstalteten Unmenschen auftreten zu lassen, Frauenliebling Tony Curtis als Schwächling und die engelhaft schöne Janet Leigh als Zicke. Dass die Schauspieler ihre Rollen abseits der Klischees genüsslich darboten, versteht sich fast von selbst. Straffe Regie, kompetente Kamera und Musik, raue Ausstattung - so "einfach" ist es, einen überdurchschnittlichen Film zu drehen. Angemerkt sei noch, dass der Film nicht in s/w gedreht wurde (wie auf der DVD vermerkt), sondern sich in (gedeckter) Farbe präsentiert. Ein Wort noch zur deutschen Fassung: Die beliebtesten Sprecher ihrer Zeit - Arnold Marquis (Douglas), Gert G. Hoffmann (Curtis) und Margot Leonard - sind ihr zum einzigen Mal (in einem Kinofilm) alle drei gemeinsam in Hauptrollen zu hören.

Von dieser weniger bekannten Serie sind nur die ersten 6 Folgen auf DVD erschienen, dann wurde die Veröffentlichung abgebrochen. Das ist als Präzedenzfall unerfreulich, aber in diesem Falle bis zu einem gewissen Grad nachvollziehbar. Mag sein, dass die Serie für Toleranz wirbt - mag sein, dass in den 70ern das flattrige Outfit, wie es den Zigeunern (ich weiß, dieser Begriff ist politisch unkorrekt) zugeschrieben wird, perfekt in die Mode passte - aber das reicht keineswegs aus, um gute Unterhaltung zu schaffen. Langeweile herrscht hier vor. Unterhaltung muß doch wenigstens ein gewisses Maß an Spannung besitzen - die ist hier (trotz des legendären "Fanfan"-Regisseurs Christian-Jaques) leider nur in Spurenelementen vorhanden. Im Prinzip gilt das Gleiche wie für die vollends mißglückte Serie "Mein Freund Winnetou": mag man auch einige Einblicke in die Geschichte haben und in die damalige Lebensweise der Sinti und Roma (aber hat man die denn wirklich? wer weiß ...), aber dafür zu begeistern schaffen die 6 Folgen nicht - da vermisse ich die restlichen 20 keineswegs. Und wer die wahrlich reizende Edwige Pierre erleben will (wofür ich vollstes Verständnis habe), der halte sich an ihren Auftritt in der exzellenten May-Verfilmung "Kara Ben Nemsi Effendi", da bekommt er gleich 26 Folgen flotter und schrulliger Unterhaltung mitgeliefert.

Wenn zwei Publikumsmagneten der DEFA, beide mit reichlich Western-Erfahrung, zusammen für einen Indianerfilm vor der Kamera stehen, der eine Geschichte von humanistischer Gesinnung erzählt, dann kann doch eigentlich nur ein guter Film daraus werden. Ach wäre es doch so einfach. Denn im Eifer des Gefechts übersah der Autor und Hauptdarsteller Dean Reed, daß in der Kunst eine progressive Einstellung nicht ausreicht - man muß schlicht sein Handwerk verstehen. Daß er seinem "Blutsbruder" Gojko die Freundin ausspannte und ihn zum Nebendarsteller degradierte, half der Chemie zwischen beiden überhaupt nicht. Ein allzu überschätzter Regisseur tat sein Übriges dazu. So ist "Blutsbrüder" nach "Tecumseh" der zweite (leider aber nicht der letzte) qualitative Ausreißer nach unten in der Kult-Indianerreihe. Wenn man sich an ein Thema wagt, das schon Klassiker wie "Der zerbrochene Pfeil" und "Little Big Man" beackert haben, muß man schon etwas mehr zu bieten haben als guten Willen.

Nein, wie nett. Gleich in der ersten Szene hopsen Ballett-Tänzer, die sich für indianische Krieger halten, mit Schildkröten-Rasseln durch ein Zelt, wenig später zieht Gojko selbst mit einer halb-Tanz-halb-Sport-Szene nach (begleitet zu von Dvorak inspirierter Musik). Nein, professionell ist dieser Film wirklich nicht zu nennen. Wären nicht die Szenen auf der Arche (die vom geächteten Egon Günther ohne Namensnennung geschrieben wurden), müsste man von Schmierentheater sprechen. Aber - es hat was. Zumindest hat der Film mehr Cooper und mehr Spass zu bieten als alle anderen der zahlreichen (und fast durchweg schauderhaften) Cooper-Verfilmungen. Für Gojko-Fans eine nostalgische Erinnerung, für Freunde echter Western allerdings viel zu weichgespült. Übrigens einer der wenigen DEFA-Indianerfilme, die nicht auf westlichem Kodak-Film, sondern tatsächlich auf ORWO gedreht wurden, weshalb die Farbqualität sich auf Pastelltöne beschränkt.

Selbst die schwachen DEFA-Indianerfilme haben für alteingesessene "DDR"-Bürger den Bonus von "unserem Gojko". Diesmal sogar doppelt, denn er schrieb zusammen mit Regisseur Kolditz das Drehbuch. Heraus kam der wohl beste, auf alle Fälle der härteste und professionellste der "Indianerfilme", wie so oft inspiriert von einem historischen Ereignis. Der "härteste" ist heute sehr relativ zu sehen, denn die damalige Spekulation der Filmkritikerin Holland-Moritz, er würde den "berüchtigten Italo-Western in nichts nachstehen" ist natürlich maßlos übertrieben. Aber wenn auch nichts gezeigt wird, die Andeutung reicht aus, um die Grausamkeit der weißen Eroberer zu verdeutlichen. Eine (tatsächlich italienisch beeinflusste) Filmmusik von Brecht-Komponist Hosalla rundet einen durchweg spannenden Film mit guten Schauspielern ab, dessen Versprechen von der Fortsetzung "Ulzana" leider nicht eingehalten wurde.

Wenn ein heldenhafter Indianer und sein weisser Gegenspieler sächseln, wenn Clown Ferdinand als finsterer Schurke agiert, wenn ein pummeliger "kleiner Trompeter" versucht, wie ein Rauhreiter auszusehen und Dakota zu Jazz-Musik über die Prärie reiten - dann weiss der ehemalige DDR-Bürger, dass er den ersten DEFA-Indianerfilm vor sich hat. Natürlich ruft der Streifen heute eher Heiterkeit als Spannung hervor, natürlich holpert er über viele Unebenheiten hinweg, aber was soll's - er ist immer noch ein Mordsspass. Kenner seien allerdings gewarnt: die Längenangabe ist falsch - es handelt sich nicht um die originale DDR-Kinoversion, sondern um die für den internationalen Verleih überarbeitete, die gerade in der ersten Szene drastische Verstümmelungen aufweist.

Viele Feinde hat dieser Film unter den Kritikern und unter solchen, die sich dafür halten. Gewiss, Logik sucht man hier vergebens. Sicher, das Stelldichein von UFA-Schauspielern sorgt für einen Hauch von edlem Staub, mit theatralischen Gesten und rollenden Rs. Aber Klaus Kinski ist ja schließlich auch theatralisch, und er gehört zu Edgar Wallace wie das Salz in der Suppe. Und durch die atmosphärisch brillante Kameraarbeit von Richard Angst werden kleine Mängel spielend wieder herausgeholt. Bedeutsam ist der Film schon als Krimi-Debüt des Wallace-Komponisten Nr. 1: Peter Thomas.

"Eigentlich ist dieser Film ein deutscher Grusel-Klassiker - es hat sich nur noch nicht herumgesprochen." Mit dieser Bemerkung traf Florian Pauer in seinem längst verschollenen Wallace-Film-Buch den Nagel auf den Kopf. Nicht der Krimi dominiert, sondern der Horror (wenn er auch für heutige Verhältnisse unglaublich zahm ist). Verkanntete Kamera, gespiegelte Gesichter, blinde ("tote") Augen und im Wortsinne kaum ein Lichtstrahl im ganzen Film. Selbst die raren Tageslichtaufnahmen scheinen im trübsten Regenwetter gedreht worden zu sein. Besser hätte Alfred Vohrers Einstand in die Serie nicht werden können. Und zwischen all diesen düsteren Sequenzen immer wieder Anflüge von rabenschwarzem Humor. Interessant auch für Zuschauer, die schon immer mal bekannte Synchronstimmen mit ihrem wahren Gesicht sehen wollten: Harry Wüstenhagen (Pierre Richard) und Wolfgang Lukschy (Stewart Granger, Gregory Peck) geben sich die Ehre.

Dies ist einer der Edgar-Wallace-Filme, die das Attribut "trashig" wirklich verdienen, kaum gebrochen durch gelungene Selbstironie. Logik sollte man in Wallace-Filmen ohnehin nicht suchen, aber hier wird die Handlung mitunter regelrecht blödsinnig. Die Krönung ist das haarige Monster Giacco, das durch Spieluhrenmusik kurzzeitig zum sanften Riesen wird. Im Großen und Ganzen erinnert die "Tür" irgendwie an die Mad-Scientist-Episode aus Woody Allens "Was Sie schon immer über Sex wissen wollten". Immerhin erlebt man Klaus Kinski mal in einer etwas anderen (wenn auch sehr kleinen) Rolle, und Heinz Drache, Siegfried Schürenberg und Werner Peters hatten ihr Wallace-Debüt. Sie machen den Film dann doch sehenswert.

Produzenten, die ein gutes Händchen für Filmstoffe haben, müssen nicht gleichzeitig auch gute Drehbuchautoren sein. Den Beweis tritt Horst Wendlandt leider mit diesem Film an. Schade um den Stoff, vor allem aber um die Möglichkeit, im echten London zu drehen. Die "gelden Narzissen" unterscheiden sich nur unwesentlich von der britischen Dutzend-Krimi-Ware dieser Zeit (auch musikalisch). Immerhin hat der Streifen Christopher Lee auf der Haben-Seite, den man sogar mit seiner Originalstimme hören kann (leider war Walter Gotells Akzent zu stark, so daß er synchronisiert wurde, obwohl er in deutsch drehte). Klaus Kinski ist auch einer der Pluspunkte, nur gibt ihm das Drehbuch zu wenig Gelegenheit, seinen irren Charme auszuspielen; über Sabina Sesselmann dagegen sei der Mantel des Schweigens gebreitet. Wenn man gerade in Wallace-Laune ist, macht einem der deutsch-britische Trash zweifellos Spaß, aber er ist nicht unbedingt geeignet, in diese Laune zu versetzen. Zu diesem Zwecke greife man bspw. zu "Das Gasthaus an der Themse".

Weit war der Weg, der zu diesem Film führte - und leider hat man irgendwo auf diesem Weg die falsche Richtung gewählt. Angeblich richtete sich das erste Drehbuch sehr stark nach dem Roman - was in dieser Drehphase eine äußerst reizvolle Abwechslung gewesen wäre - aber das erschien nicht zeitgemäß. Das zweite Drehbuch wurde kaum verändert gefilmt - allerdings erst 4 Jahre später unter dem Titel "Die Tote aus der Themse" (ohne Angabe des Originalautoren!). Das dritte gibt wieder einmal Auskunft über die geheimen Träume des Autors Herbert Reinecker - mit all der Wirrnis und Unlogik, durch die sich nächtliche Träume auszeichnen. Immerhin schaffte Regisseur Vohrer es, dem Mummenschanz noch einen Rest Atmosphäre abzugewinnen (was den letzten Filmen völlig fehlt), aber irgendwie fehlt dem Ganzen die ironische Distanz - und das Interessanteste ist, den bekannten Synchronsprecher Thomas Danneberg (Schwarzenegger, Stallone, Nick Nolte, Terence Hill, John Cleese) mit seinem eigenen Gesicht zu sehen.

Ein Gespenst geht um in London: ein Phantom mit Namen "Zinker". Man muß nicht wissen, daß "verzinken" einstmals das Wort für verpetzen war, um zu verstehen, daß es sich bei diesem Menschen um einen der hinterhältigsten Sorte handelt. Literarische Puristen wüteten, als dieser Film ins Kino kam: der Hauptheld des Buches wird schon nach einer halben Stunde getötet, der Zinker mordet mit Schlangengift und der Regisseur bediente sich sogar einer hinterhältigen filmischen Lüge, um von der Spur des Täters abzulenken. Aber was soll's: die Schauspieler waren mit großem Spaß bei der Sache, die Musik von Peter Thomas ist grandios und wer kümmert sich schon um Logik, wenn Nebelschwaden in London wabern. Für den Schreiber dieses Kommentars war vor 20 Jahren dieser Wallace der erste, den er zu Gesicht bekam, und schon damals fällte er das Urteil: meisterhaft! Glücklicherweise wartet die DVD wieder einmal mit einer restaurierten Fassung auf, in der die zahllosen, unsinnigen Kürzungen rückgängig gemacht wurden. Also: ein ungetrübtes Sehvergnügen.

Leider zählt dieser Film zu den meist überschätzten der Reihe. Von einem Film, in dem Fuchsberger und Drache gemeinsam (vor allem aber gegeneinander) auf Hatz gehen, hätte ich mehr erwartet. Daß das Drehbuch mit dem Roman keinerlei Ähnlichkeit mehr hat, ist eine lässliche Sünde, daß es aber aus zusammengezimmerten Episoden ohne roten Faden besteht, ist schon ärgerlicher. Der Weg für die späten Wallace-Filme (größtenteils aus der Feder von Herbert Reinecker) war hiermit vorgegeben. Immerhin: die Schauspieler bleiben sehenswert, und für einen unterhaltsamen Filme-Abend reicht's allemal. Aber ein Meisterwerk ist "Der Hexer" nicht.

"Ein Meisterwerk" - lautete das Urteil des ersten (lange vergriffenen) Buches über die Wallace-Filme. Entsprechend gespannt war ich, als ich diesen Streifen zum ersten Mal zu Gesicht bekam. Entsprechend enttäuscht war ich. Wo früher Selbstironie winkte, herrschte nun Pathos und Schmierentheater. Dümmliche Verwicklungen der immer gleichen Art, absurde Mordmethoden und schlimme Fehlbesetzungen - welcher Teufel hat den Regisseur geritten, den Drahtzieher der Verbrechen mit einem Schauspieler zu besetzen, den man sofort an seiner Stimme erkennt? Mittlerweile, da ich die Filme gesehen habe, die davor und danach entstanden, ist mein Urteil etwas milder geworden - er entspricht dem damaligen Standard, nur ... er ist nicht sehr hoch. Wenn man sich gerade im Wallace-Fieber befindet, ist der zweite "Mönch" (ebenso wie der erste) eine nette Ergänzung. Aber - "nett" ist nicht das Wort, das für einen Krimi angemessen sein sollte.

Es ist unmöglich, von Edgar Wallace nicht gefesselt zu sein. Und in diesem Falle sogar ohne literarische Einschränkung - zusammen mit dem "Roten Kreis" ist der "Fälscher" am originalgetreuesten verfilmt; Änderungen im Vergleich zum Buch sind marginal (und überflüssig). Durch die Besetzung der Hauptrolle mit Hellmut Lange stellt er sehr erfolgreich die Frage: Ist der Held nun der Meisterverbrecher oder nicht? Möglich ist hier alles. Zwar hat Harald Reinls dritter Wallace nicht die freche Ironie oder die schrille Spannung der Vohrer-Filme zu bieten, dafür geht er aber mal psychologisch etwas mehr in die Tiefe als sonst (soweit das bei Edgar Wallace überhaupt möglich ist). Daß die Schauspieler ein Genuß sind, versteht sich von selbst - besonders Viktor de Kowa ist hervorzuheben. Für Komponist Martin Böttcher begann die erfolgreiche Arbeit für die Rialto-Film, die wenig später in den Winnetou-Filmen gipfeln sollte.

Gute Güte! Was hat die Beteiligten denn dazu verführt, dieses Mist zu drehen? Ja natürlich, das liebe Geld. Aber eine Milchkuh melkt man und führt sie nicht zur Schlachtbank. Abgesehen davon, dass man, wenn man schon ein Remake dreht, das lieber offen tun sollte anstatt ein blindes Monstrum durch eine lächerliche Gorilla-Verkleidung, Blindenschrift durch afrikanische Schriftzeichen und düstere Atmosphäre durch sexuelle Hechelei zu ersetzen - ich wüsste keinen Wallace-Film, in dem die Darsteller so grauenvoll und inkompetent sind wie in diesem. Gibt es irgendetwas Positives, was ich über dieses Machwerk sagen kann? Tut mir leid - passe! Es dürfte sich wohl um das schlechteste Produkt von Trivial-Ikone Alfred Vohrer handeln, keinen Deut besser als diverser Jess-Franco-Schund - eine Zeit- und Materialverschwendung der Extraklasse. Nehmt bloß die Finger weg, liebe videobuster-Kunden - holt euch lieber das Original: "Die toten Augen von London", ein Werk, dessen Brillanz diesen Trash nur NOCH stumpfsinniger erscheinen lässt, falls das überhaupt geht. 0 Sterne!

Logik ist etwas, das man bei diesem Film nicht suchen sollte. Aber Hand aufs Herz: Was hat Edgar Wallace jemals mit Logik zu tun gehabt? Lehnen wir uns also zurück und genießen einen der atmosphärisch knisterndsten Wallace-Thriller, der nicht selten den Bereich des (längst von der Zeit überholten, aber trotzdem amüsanten) Gruselfilms streift. Finstere Bilder von Richard Angst (kein Witz!), gläsern kalte Musik von Martin "Winnetou" Böttcher und natürlich die Creme der (west)deutschen Schauspieler der Swinging Sixties (Blacky Fuchsberger ist eben immer noch der Beste). Dank der DVD-Edition, daß dieser Streifen endlich in restaurierter, ungekürzter Fassung vorliegt.

So manchem Edgar-Wallace-Fan gilt diese Verfilmung aus der "mittleren" Periode als beste überhaupt, nachgerade als Meisterwerk mit grandiosem Drehbuch und brillanten Schauspielern. Das ist übertrieben - sogar nicht zu wenig. Geschmäcker sind wohl verschieden, aber das üble Schmierentheater, das besonders Hartmut Reck (als lauer Kinski-Verschnitt) und Uta Levka ablieferten, hat üblen Beigeschmack; und das Drehbuch strotzt vor hölzernen Dialogen. Keine Spur der inszenatorischen Verrücktheiten eines Alfred Vohrer, des exaltierten, aber präzisen Spieles eines Kinski, einer Elisabeth Flickenschildt. Was man dem Film zugute halten kann, ist, dass er ein hohes Trash-Potential besitzt - und das ist heutzutage ebenso ein Kompliment wie ein Tadel. Langweilig ist das Geschehen um den Herrn (oder die Dame?) mit der Peitsche nicht - gut oder gar ein Meisterwerk aber noch weniger.

1963 war der berühmte Postraub in aller Munde. Auch die Edgar-Wallace-Reihe wurde davon nicht verschont und kramte ein (weniger bekanntes) Wallace-Werk namens "Mr. Reeder in Room 13" hervor, das diese Thematik bediente. Weil es aber trotz des Hypes zu bieder erschien, wurde die Rasiermesser-Mörder-Geschichte kurzerhand dazuerfunden - mit verheerenden Folgen: der Film wurde erst ab 18 zugelassen. Heute scheint diese Maßnahme lächerlich, die wenigen Blutspritzer und die sanfte Verruchtheit der Strip-Bar entlocken 12-jährigen nur noch ein müdes Lächeln. Schockierender ist da schon die Auflösung des Geschehens, die seinerzeit viel Wirbel verursachte und wohl auch Grund war für den mäßigen Erfolg. Düster ist es trotz allem geblieben, das Geschehen um das "Zimmer 13".