Mit der fünften Staffel kommt ein radikaler Wind. nicht nur dass das Team getrennt wird, nein es gibt auch einen Haufen neue Gesichter die sich wirklich gut in die Welt von "CSI" einfügen. Dass einige Fälle leider nicht mehr als übliche CSI-Routine sind, kann man da gut und gerne verschmerzen.

Das klare und verdiente Highlight der zweiten Hälfte der fünften Staffel ist ohne Zweifel die Doppelfolge von Quentin Tarantino, aber auch abseits dieser Besonderheit macht die andere Hälfte von Staffel 5 Spaß. die Geschichten werden noch ausgefallener, der schwarze Humor findet immer wieder Wege in die Inszenierung und die dramaturgischen Entscheidungen der Serie werden sinnvoll und spannend eingebracht.

Der vierte Film rund um die kybernetischen Killermaschinen hat die Gegenwart nun endgültig hinter sich gelassen und zeigt die postapokalyptische Welt der Zukunft, die in den vorherigen Teilen meist nur in kürzeren Szenen angerissen wurde. Dies ist aber nicht die einzigste einschneidende Veränderung des Film von Regisseur Joseph McGintley Nichol (kurz: McG). So kommt dieser „Terminator“ diesmal ohne Arnold Schwarzenegger aus, wenn man einmal von einem überaus beeindruckenden Gastauftritt eines am Computer erzeugten Arnies absieht, aber „Terminator- Die Erlösung“ möchte eh weg von der darstellerischen Einseitigkeit eines Schwarzeneggers und versucht mit Christan Bale als Rebellenführer John Connor den Leadingpart der Filmreihe neu und anspruchsvoll zu besetzen. Eigentlich kein schlechtes Zeichen, gehört Bale doch zu einem der besten und aktuell von Hollywood Bevorzugtesten Schauspieler, doch leider wirkt sein Auftritt hier beinah so leblos wie einer der Killerroboter, was dem Newcomer Sam Worthington zu gute kommt. Dessen Szenen erscheinen so nämlich deutlich markanter, eindrucksvoller und wichtiger, wobei das wirklich markante des Films gewiss nicht bei die Darsteller liegt, sondern bei den Effekten, die sich wirklich sehen lassen können, doch McG gelingt es einfach nicht die Action ins Gesamtpaket des Film zu integrieren. Jede Actionszene wirkt wie eine lang gezogene Unterbrechung der Story und so verkommt das gefühllose Spektakel zu einer berechenbaren Effektrevue, die schmerzlich die Ironie der Vorgängerfilme vermissen lässt. Wer sich zwei Stunden mit gelungenen Digitaleffekten den Kopf zuknallen möchte wird mit "Terminator- Die Erlösung" aber bestens bedient, aber aus der Fülle der Vorgänger ließe sich mehr machen als diese erzählerisch eher schwach zusammenkonstruierte und kalte Materialschlacht.

Die konsequente und nicht alltägliche Trickfilmoptik, die poetische Bilder des Schreckens auf den Bildschirm zeichnet, lässt "Waltz with Bashir" vielleicht etwas zu starr und affektiert wirken, aber seine tatkräftige Aussage gegen den Krieg und das Vergessen machen aus dem ambitionierten Werk von Ari Folman einen sehenswerten Film, der seine besondere Visualität für seine klare pazifistische Botschaft nutzt. Dass ist großes, humanistisches Kino dass eindringlich und mit dokumentarischer Präzision den Krieg am Libanon von 1982 in den Erinnerungen der damals jungen Soldaten widerspiegelt und mit diesen harten wie realistischen Aufzeichnungen den Zuschauer weit aus intensiver in Mark und Bein trifft als all die seelenlosen Kriegsbildern aus den Nachrichten und Magazinen.

George A. Romero, der Großmeister der Untoten kehrt (mal) wieder zu seinen Wurzeln zurück. Nach dem, für seine Verhältnisse, hoch budgetierten aber letztlich doch enttäuschenden "Land of the Dead" erzählt der Regisseur mit der markanten, dickglasigen Brille auf der Nase, die Geschichte einer Filmstudentengruppe die ihren Kampf gegen die Untoten mit der Videokamera festhalten. Das Ergebnis ist eine Mischung aus diversen „…of the Dead" - Filmen und "Blair Witch Project" dass niemals die Sogwirkung, Spannung und Intensität der alten Romero- Filme oder gar des stilistisch ähnlichen, aber um Welten besseren "Rec" aus Spanien erreicht. Romeros langweiliger weil viel zu oft quacksalbernder Film verzichtet wie gewohnt nicht auf Splattereinlagen, die echte Anhänger von Blutfontänen aber wohl eher als mickrig empfinden werden und natürlich kann Romero auch nicht die Finger von Sozial-, Medien- und Gesellschaftskritik lassen, doch damit schneidet er sich ins eigenen Fleisch, denn seine Anklagen wirken kraftlos und über weite Strecken zu selbstgefällig. Dies alles macht aus diesem Videotagebuch des Grauens einen öden Zombiereißer der in seltene Ausnahmen Spannung zu suggerieren vermag, der aber auch viel zu zwanghaft versucht partiell stark angestaubte Inhalte in neue Schablonen zu pressen. Das Ergebnis ist einfach nur unförmig.

Die Täter und Zeugen werden immer prominenter, die Darstellung des Tötungsvorgangs immer drastischer und die Leichenfunde werden immer ekliger und spezieller. Ja, die vierte Staffel bietet von allem etwas mehr. Zwar startet Staffel 4 eher etwas betagt und gehaltlose aber spätestens auf der zweiten Disc gibt es wieder gute Unterhaltung und dass die Macher neben der typischen CSI-Dramaturgie und der langsam wirklich angestaubten Routine auch etwas mehr Raum lassen für trockenen, schwarzen Humor macht diese Staffel etwas lebendiger als sein Vorgänger.

Das CSI ein Hit ist, war schon während der ersten Staffel klar, doch ab Staffel 3 wird die Struktur, die Gewohnheiten der Serie endgültig durchschaubar. Für den einen ist dies langweilige Routine, für andere wiederum sind es lieb gewonnene Standards. So oder so bietet auch die erste Hälfte der dritten Staffel gute Unterhaltung auch wenn es ein paar mehr Fälle gibt die nicht so unterhaltsam geraten sind wie die, in den ersten zwei Staffeln.

Zwar macht sich langsam aber sicher die Routine breit, aber wie auch in der ersten Hälfte der Staffel gibt es immer wieder Fälle die sich vom CSI-Einerlei lösen können und beste Krimiunterhaltung bieten und ohne nervige Werbepause oder Sendereinblendungen macht wohl jede Serie mehr Spaß als im TV.

Der australische Regisseur Baz Luhrmann mixte 1996 mit seiner "Romeo und Julia" Variante Shakespeare mit Pop und großes viktorianisches Drama mit Rock 'n Roll. Das Ergebnis war damals so neu, berauschend und bittersüß dass es einem fast die Schuh auszog. Drei Jahre später interpretierte die Regisseurin Julie Taymor, die für die Frida Kahlo Biographie sowie diverse Musicals an den großen Bühnen dieser Welt verantwortlich war, ein anderes großes Drama von Shakespeare: Titus. Im Gegensatz zu Luhrman mischt Taymor die Stile viel rabiater und wilder ohne jedoch eine gewisse Balance zu verlieren. Dazu scheut diese Version von „Titus“ auch nicht vor übergroßen Anspielungen auf das dritte Reich und einer ordentlichen Dosis Gewalt, was die politische Note des Dramas noch einmal unterstreicht und zu exzessiven und opulenten Schauwerten anspornt. Die Darsteller die trotz all dem pompösen Wirrwarr aus Alt und Neu, sicherem Stil und unbändiger, moderner Prägung immer noch so agieren als ständen sie auf einer Theaterbühne verfestigten mit ihrem grandiosen Spiel die Wucht des Films, die den Zuschauer bereits eine Minuten nach Beginn mit voller Kraft und Geschwindigkeit trifft. Gleichzeitig mitten ins Herz und in den Kopf. Es wird nicht dass letzte mal sein.

War "Illuminati" in Buchform der eigentliche Einsteig in die Abenteuer des Robert Langdon, so macht Regisseur Ron Howard und seine Drehbuchautoren David Koepp und Akiva Goldsman daraus die Fortsetzung zum erfolgreichen "The DaVinci Code- Sakrileg" und genau wie dieser holpert der Film inspirationslos, logikfrei und spannungsarm von einem Anhaltspunkt zum anderen. Ein Blockbuster über das Suchen und das Finden, dem es bis auf einige Ausnahmen nie richtig gelingt seine eigentlich sehr interessanten Aspekte, die in der Historie ebenso verwurzelt sind wie in der Mythologie, in ein sehenswertes Ganzes zu verpacken. Dazu geriet dass Finale fast schon unfreiwillig komisch und die Figuren, allen voran Robert Langdon, können zwar mit ihrem Wissen protzen, aber die Charaktere sind allesamt öde, monoton und trist geformt. Was "Illuminati" am Ende von dem ebenfall schwachen "Sakrileg" hervorhebt sind zum einen die teils wirklich beeindruckenden Bilder und die Tatsache dass er trotz seiner Schwächen sich nicht so elendig die Länge gezogen wirkt wie sein Vorgänger.

Die Verfilmung von F. Scott Fitzgeralds Kurzgeschichte ist ein wunderschöner und prachtvoller Film über die Liebe und die Zeit die uns bleibt. Die Symbiose aus den perfekten und deswegen nicht wahrnehmbaren Spezialeffekten, den tollen Darstellern und der feinen, bitterzarten Inszenierung machte aus dem Werk einen romantischen, intelligenten, phantasievollen und leidenschaftlichen Film, der nur leider im Mittelteil etwas fahrig und leblos wirkt, sich jedoch schnell wieder seiner erzählerischen Stärken besinnt und den Zuschauer dann wieder ganz wunderbar unterhält, auf eine geistreiche, tragische wie romantische Weise. Dass ist ganz großes Gefühlskino wie es nur alle paar Jahre zu sehen ist und dazu ein Film der gewiss bald zu den Klassikern aus Hollywood zählen wird und Regisseur David Fincher endgültig seinen längst verdienten Platz im Regieolymp sichert.

Der schleichende Verfall von Lebensträumen und der scheinbar unaufhörliche Impuls von Lebenslügen steht im Zentrum der Verfilmung von Richard Yates Roman, den „American Beauty“- Regisseur Sam Mendes zum einen in schöne Bilder gepackt hat und zum anderen mit Leonardo DiCaprio und Kate Winslet, das Traumpaar der späten 90er Jahre, werbewirksam und ideal besetzte. Fans des Duos sollten aber keine der üblichen Romanze erwarten. "Zeiten des Aufruhrs" ist ein schwerer Brocken von Film, keiner für zwischendurch und keiner der auf schwere Frage einfache Antworten parat hat, aber wer sich darauf einlässt und die diversen Längen, die dem Film viel an Intensität raubt, ignorieren kann, erhält zum einen ein passables Sittenbild der 1950er Jahre, dass gewiss noch in vielen wenn nicht sogar zu vielen Zügen existiert und zum anderen ein leises aber wirkungsvolles Drama über die Schwierigkeiten einer Ehe. "Zeiten des Aufruhrs" ist nicht das ganz große Drama geworden, aber der Film besitzt immer wieder erstklassige Momente. Wenn Frank und April sich mit dem psychischkranken Sohn ihrer spießigen Vermieter unterhalten, dann spürt man förmlich wie die Lügen eines Lebens für kurze Zeit ihre Masken verlieren, sehr schade, dass der Film mit solchen tollen Momente insgesamt etwas zu geizig umgeht.

Der gleichnamige Sci-Fi Klassikers von Robert Wise aus dem Jahre 1951 auf den Scott Derricksons Remake beruht war damals ein mutige, pazifistische wie religiöse Anklage gegen die Kommunistenjagd der McCarthy Ära, das nukleare Wettrüsten sowie ein Loblied auf Verständnis und Gleichberechtigung. Die Neufassung versucht all dies beizubehalten, verliert diese Ambitionen allerdings in ihrem Dickicht aus modernen Schauwerten, wobei diese Abwandlung zum Original durchaus verständlich ist, denn es ist überaus fraglich ob die Geschichte vom außerirdischen Botschafter Klaatu in unserer heutigen Zeit noch so funktionieren würde wie damals und dabei sind die Problematiken die er Film anspricht nicht weniger geworden, aber die Sprache der cineastischen Botschaften hat sich über die Jahrzehnten geändert, was die Macher des Remakes wohl dazu veranlasst hat ihre Version deutlich massenkompatibler aber auch simpler zu gestalten. Freunde von Sci-Fi die nicht nur bloßen Krawall bedient könnten mit "Der Tag, an dem die Erde still stand" glücklich werden, alle anderen verpassen nichts wirklich großes wenn sie diesen Film auslassen.

Der britische Horrorfilm von Olly Blackburn macht eigentlich nichts richtig. Sein sonniges Setting überlässt er nach dem Anfang dem dunkel der Nacht, seine langweilig skizzierten Figuren bleiben reizlos, der bemühte Spannungsaufbau ist viel zu vorhersehbar und selbst Zuschauer die nur wegen blutigem Horror zusehen werden meist nur bitter enttäuscht. "Donkey Punch" hätte dabei durchaus das Potenzial gehabt ein "Last House on the Left" für Sonnenanbeter zu sein, so ist der Film über alle Maßen zweitklassig und spannungslos und die so groß angepriesenen Erotik wirkt wie die Entwicklung der Geschichte einfach nur billig.

Die Verfilmung des gleichnamigen Bestsellers schafft es nicht die grausamen Verbrechen in den KZs komplett aus dem Blickwinkel eines Kindes zu erzählen. Immer wieder driftet Regisseur Mark Herman ins reißerische ab und zerstört so viel von der bedrohlichen und erschütternden Atmosphäre. Doch gerade die jungen Darsteller von Bruno und Shmuel bringen den Film mit ihren unschuldig wirkenden Spiel wieder in die richtige Richtung und das konsequente wie schauerliche Ende, das gleichermaßen bedrückt wie schockiert, setzt einen adäquaten Schlusspunkt in einem gut gemeinten aber nicht immer ganz gut gemachten Film gegen das Vergessen.