Es ist ein Liebesfilm, allerdings weitab der üblichen Mainstream-Schmonzetten. Das liegt überwiegend am männlichen Protagonisten (im Film 28 Jahre alt, aber hinsichtlich seiner Persönlichkeits-Entwicklung irgendwo zwischen 14 und 16 anzusiedeln). Dessen Reifeverzögerung hat allerdings auch Gründe, für die er absolut nichts kann. Das Tolle am Film ist, wie man Schritt für Schritt Näheres erfährt und langsam Verständnis für die Probleme von William gewinnt. Und irgendwie ist er ja auch lernfähig ...

Über einige Kritiken muss ich mich doch sehr wundern. Es ist doch von der ersten Sekunde an klar, dass das kein ernsthafter Agenten-Thriller ist, sondern eine Parodie. Und wenn jemand James-Bond-Filme ernst nimmt, dem ist auch nicht mehr zu helfen.

Regisseur Guy Ritchie hat es wirklich voll drauf, das ausgelutschte Genre der Agentenfilm-Parodie wiederzubeleben. Über die Dialoge habe ich mich kringelig gelacht, und eine derartige fast ballett-artig inszenierte Autoverfolgung (zwischen einem Trabi und einem Wartburg!) kriegt man auch nicht alle Tage zu sehen.

Die extrem stylishen 60er-Jahre (inkl. Kleidung, Mobiliar, Frisuren und Autos) wurden liebevoll wieder-erweckt. Ich habe mich zwei Stunden lang köstlich amüsiert, und mehr habe ich von vorneherein nicht erwartet.

Die Roman-Vorlage von Charles Dickens gilt zwar als Meisterwerk der englischen Literatur, doch gelang es nicht, diese Qualität filmisch umzusetzen. Die reine Handlung ist haarsträubend hanebüchen und erinnert stark an Hedwig Courts-Mahler (Heile-Welt-Literatur für Dienstmädchen und andere "niedere Chargen").

Trotz des großen Aufwandes an Star-Schauspielern und Ausstattung (Interieur, Kostüme, Massen-Szenen) schafft es der Film leider nicht einmal in eine durchschnittliche Bewertung.

Obwohl ich an sich kein Freund von Episodenfilmen bin, muss ich diesem Film höchste Anerkennung zollen. Er schildert extreme Ausnahmesituationen, in denen Menschen - offensichtlich, weil man ihnen vorher übel mitgespielt hat - völlig ausrasten. Dieses Ausrasten wird in jeder Episode übertrieben, und zwar jeweils nur um einen kleinen Schritt über die Grenze, bis zu der man es noch für realistisch annehmen könnte. Diese minimale, aber für jeden Zuschauer offensichtliche Überschreitung ins Irreale bewirkt, dass man darüber lachen oder zumindest schmunzeln kann. Weil es aber eben nur eine minimale Überschreitung ist, kommt man dann doch ins Grübeln und Nachdenken.

Die Grund-Fabel in jeder Episode ist vergleichbar mit der Handlung des Films "Falling Down" mit Michael Douglas aus den 90er-Jahren. Der überschreitet diese Grenze zum Irrealen allerdings nicht und ist todernst gemeint (hat mir zwar auch gefallen, aber "Wild Tales" ist aufgrund seines extrem schwarzen Humors weit besser).

Spoilerwarnung: Durch den Germanwings-Flugzeug-Absturz (Frühjahr 2015) wirkt die erste Episode natürlich extrem grenzwertig (der Film wurde allerdings bereits 2014 produziert). Hier hat die Realität auch die irrsten Phantasien überholt.

Gottseidank wurde das in den letzten Jahren auf den deutschen Theaterbühnen wiederentdeckte "Weisse Rössl" auch fürs Kino völlig neu aufbereitet: und zwar dermaßen klamaukig, überdreht, übergeschnappt und schrill-schräg, dass es nur so quietscht. Allein die Farbgestaltung der Hotel-Fassade verursacht bereits Augenkrebs. Alle Darsteller - allen voran die wunderbare Diana Amft - geben dem Affen richtig Zucker. Und die Melodien sind dermaßen unverwüstlich, dass sie auch im Rap-Rhythmus noch ganz gut rüberkommen. Tolle Tanz-Einlagen inkl. Massen-Choreographien runden alles ab.

Simon Pegg einmal in einer völlig anderen Rolle als die der hyper-cholerischen und völlig übergeschnappten Nervensäge. Das muss man erst einmal verdauen. Lake Bell ist ihm eine hervorragende Partnerin in dieser romantischen Komödie, bei der der deutliche Schwerpunkt auf romantisch liegt, der Film ist eher ernst- statt klamaukhaft angelegt. Der Film ist einen Tick zu lang geraten, daher nur eine Durchschnittsbewertung.

Wie aus den Bonus-Informationen ersichtlich ist, hat sich der Film wohl sehr an tatsächlichen Begebenheiten orientiert. Das "wirkliche Leben" läuft aber eher selten entsprechend dramaturgischen Erfordernissen ab mit der Folge, dass Drama und Spannung in diesem Film eher untergeordnet sind, was aber kein Nachteil sein muss.

Kevin Costner bietet eine gewohnt solide Leistung als in die Jahre gekommener "All-American Guy". Besonders aufgefallen ist mir, dass der Film - obwohl aus der Disney-Traum- und Unterhaltungs-Fabrik stammend - bemerkenswert realistisch und sozialkritisch die ärmlichen Lebensbedingungen der meist hispano-stämmigen Einwohner eines von der Entwicklung abgekoppelten süd-kalifornischen Orangenpflücker-Städtchens zeigt.

Doch spätestens beim Abspielen der Nationalhymne wird - Hand aufs Herz - alles klar (Ironie-Modus an): Die USA und ihre Bewohner sind wirklich die Allergrößten !!!.

Der Film bewegt sich weit abseits der üblichen Teeniefilm-Trampelpfade (das übliche Spektrum reicht vom Fäkalhumor a la "American Pie" bis hin zu romantisch-keuschen Vampir-"Biss"-Filmen) und ist daher auch für ältere Zuschauer sehenswert. Miles Teller gibt den coolsten Highschool-Typen aller Zeiten, einen netten Kerl, den wirklich alle (Lehrer + Mitschüler) mögen, der aber mit seinen Problemen (u.a. wurden er und seine Mutter schon vor langer Zeit vom verantwortungslosen Vater verlassen) nur mit einem gehörigen Alkoholspiegel zurechtkommt. Besonders gut ist das unverkitschte offene Ende des Films, man wäre wirklich gespannt, wie die zärtlich begonnene Liebesgeschichte weitergeht ...

Durchschnitts-Bollywood, aber mit auffallend wenig Massen-Choreographien. Die Story natürlich absolut hanebüchen, aber das stört bei Bollywood nicht wirklich. Wegen der schlechten Optik (aufgrund der nicht korrigierbaren Unschärfe wirkt alles wie durch einen Schleier betrachtet) reicht es nur zu zwei Sternen.

Leider spielt die Musik der Beach Boys nur eine völlig untergeordnete Rolle in diesem Film: Gezeigt wird das Leben eines von Kindheit an (tyrannischer und gewalttätiger Vater) traumatisierten Menschen, der dank seiner hervorragenden künstlerischen Begabung (viele seriöse Fachleute sehen Brian Wilson ja als musikalisches Genie) zunächst Erfolg im Leben hat, dann zusammenbricht und später mühsamst wieder ins Leben zurückfindet. Ein gerade bei Künstlern gar nicht so seltener Werdegang. Wenn es nicht um Brian Wilson und - wirklich völlig am Rande - um die Beach Boys gegangen wäre, dann hätte mich das gar nicht so sehr interessiert.

Interessant ist die Aufbereitung auf zwei Zeitebenen mit zwei völlig verschiedenen Schauspielern. Paul Dano als junger Brian kommt wohl auch optisch dem Original ziemlich nahe, John Cusack als älterer Brian scheint optisch überhaupt nicht zu passen, spielt allerdings sehr subtil und glaubhaft diese schwierige Rolle.

Der Film zerfranst in zu viele Einzelteile und Lokalitäten: Von der Türkei über den Libanon nach Kuba, von dort ein Katzensprung hinüber nach Florida und zum Schluss ins winterliche Minnesota der 1920er-Jahre. Tahar Rahim in der Hauptrolle hat nicht das Potential, eine verbindende Klammer für diese Odyssee zu bilden. Auch das Timing passt nicht. Der emotionale Höhepunkt (mit Ausnahme des verkitschten Schlusses) mit dem Wüsten-Todeslager der von den Türken zusammengetriebenen verhungernden Armenier kommt relativ früh. Dagegen verblasst alles andere der noch folgenden rund eineinhalb Film-Stunden.

Es beginnt wie in "Falling Down": ein Autofahrer steht im morgendlichen Stau und ist am Ausrasten, aber Robin Williams agiert weitaus gemäßigter als sein filmischer Vorgänger Michael Douglas. Nach und nach erfährt man auch, warum sich der im Vorspann (20 Jahre vor Beginn der Filmhandlung) gezeigte fürsorgliche Familienvater in einen derartigen Misanthropen und Choleriker verwandelt hat. Nur eines erfährt man in dem zwar kurzweiligen, aber doch sehr oberflächlichen Film nicht. In seinem ganzen familiären und privaten Umfeld ist er von wirklich sympathischen und netten Leuten umgeben, finanzielle Probleme hat er auch nicht. Wenn nicht er, wer sollte eigentlich dann mit einem Schicksalsschlag halbwegs zurechtkommen?

Für hiesige Trickfilm-Sehgewohnheiten eine ungewöhnlich komplexe Geschichte, langatmig und in blassen Pastell-Farben erzählt. Für Kinder m.E. eher nicht geeignet. Es fehlen richtige Identifikationsfiguren und es zieht sich schon sehr, sehr lange hin (über zwei Stunden). Außerdem habe ich Zweifel, ob nicht-japanische Zuschauer wegen ihres fehlenden kulturhistorischen Backgrounds den eigentlichen Kern der Handlung überhaupt in allen Dimensionen erfassen können.

Wenn Märchenverfilmung als Realfilm - dann so: Kenneth Branagh hat ein überwältigendes Meisterwerk geschaffen. Die altbekannte Handlung (in vielen europäischen Ländern quasi zum Volkskulturgut gehörend) wurde mit einem Aufwand (Dekor und Kostüme sowie dosiert eingesetzte Tricktechnik) sondergleichen inszeniert. Den grandiosen Höhepunkt bildet die Ballszene, die jedem unvergesslich bleiben wird. Nicht nur für Kinder, sondern auch für Erwachsene ein absoluter Genuss.

Eine wunderbar leichtfüßige Coming-of-Age-Tragikomödie mit drei super-sympathischen Protagonisten. Die Songs haben zwar keine Ohrwurm-Qualität, illustrieren aber perfekt die Befindlichkeiten von Eve (eine absolute Traumrolle für Emily Browning).

Der ganz normale Wahnsinn für den Hauptverantwortlichen (Produzent, Regisseur und Darsteller) einer Broadway-Theater-Produktion in den letzten Tagen vor der Premiere. Als ob er nicht bereits genügend mit den Befindlichkeiten seines Umfeldes (Ex-Ehefrau, Tochter, Darsteller, Kritiker, Banker) geplagt würde, meldet sich auch noch sein fiktives "Alter Ego" namens "Birdman" (eine von ihm selbst vor langer Zeit kommerziell sehr erfolgreich verkörperte Comic-Figur), schaut ihm über die Schulter und gibt Lebensweisheiten zum Besten. Kein Wunder, wenn man da kurz vorm Überschnappen steht ... Eine tragikomisch-surreale Liebeserklärung ans Theater mitsamt dem ganzen dort herrschenden Chaos, den Intrigen und auch den absoluten Höhepunkten, visuell sehr kreativ umgesetzt.

Ich schließe mich voll meinem Vorredner an. Ergänzend dazu finde ich besonders die Szenen erwähnenswert, in denen die nackte Polizeigewalt brutalst ohne Rücksicht auf Verluste dominiert - bis hin zu einer absichtlichen Tötung. Dadurch wird einem erst so richtig bewusst, dass die Amis in bestimmten Bereichen völlig anders ticken als unsereiner: Ein zutiefst gestörtes Volk, dessen Angehörige sich für die Allergrößten halten!

Biedere und behäbige Verfilmung eines Romans von Roald Dahl. Wenn man sich schon über eine derartige Vorlage hermacht, dann muss man dem Affen wirklich Zucker geben und das schrill-schräge Potential der Schildkröten-Story voll ausschöpfen. Davon ist im Film nur ansatzweise was zu bemerken.

Böse formuliert ein "Mama Mia" für Arme: die Songs der Proclaimers können natürlich in keiner Weise gegen die weltweiten Superhits von ABBA anstinken. Aber dennoch ein sehr sympathischer Film, alles halt ein paar Nummern kleiner. Statt vor einer traumhaften Mittelmeer-Inselkulisse spielt sich alles im eher biederen, aber ungewohnt attraktiv fotografierten Edinburgh ab. Die Handlung ist etwas ernsthafter und tiefer gehend als die oberflächliche "Mama-Mia"-Story. Leider nur zwei Massenchoreographien (aber das ist vermutlich auch eine Frage des vorhandenen Geldes).

Eine nur auf den ersten Blick absurd anmutende Mischung zwischen üblichem Bollywood-Gedöns (Tanz und Musik, nur die Liebe spielt eine für Bollywood-Verhältnisse relativ untergeordnete Rolle) und klassischem "Heist-Movie" a la "Oceans Eleven". Die grandiose Hintergrund-Kulisse einer Silvester-Feier in Dubai sowie gelungene Massen-Choreographien heben den Film deutlich über typischen Bollywood-Durchschnitt.

Eine auf den ersten Blick durchaus real anmutende Handlung, bei der der Zuschauer erst nach und nach die vielen Widerhaken bemerkt. Wie in einem Sog steuert man über immer absurdere Stationen dem grandiosen Ende zu. Der ganze Film kommt mir wie eine Hardcore-Version des gleichermaßen gelungenen "Gott des Gemetzels" vor.

Trotz der drei Schauspiel-Granaten Maggie Smith, Kristin Scott-Thomas und Kevin Kline schleppt sich der Film überaus zäh dem weit im Voraus bereits erkennbaren überraschungsfreien Ende entgegen. Nach und nach werden Familiengeheimnisse entblättert, die nicht wirklich jemanden interessieren, schon gar nicht den Zuschauer. Komödiantische Ansätze sind nur in homöopathischer Dosis erkennbar.

Eine wunderbar leichtfüßige Komödie, wie man sie lange nicht mehr gesehen hat. Die Screwball-Komödie aus dem klassischen Vorkriegs-Hollywood ist wieder-auferstanden. Kann es was Amüsanteres geben als Liebes-Geplänkel in Luxus-Villen der 1920er-Jahre im sonnigen Südfrankreich? Emma Stone und Colin Firth liefern sich Geschlechterkampf-Dialoge vom Allerfeinsten. Alles nicht ganz ernst zu nehmen, aber Unterhaltung pur!

Wenn man die Kritiken zu diesem Film vergleicht, dann sind sie sich alle weitgehend einig: Das Gesamt-Urteil schwankt zwischen "hervorragend" und "sehr gut", und recht viel mehr kann man dazu eigentlich auch nicht sagen. Ich hätte es mir nie vorstellen können, dass eineinhalb Stunden Film mit nur einem einzigen Schauspieler (die übrigen Mitwirkenden agieren nur akustisch: man hört sie als Teilnehmer von Telefonaten des Hauptdarstellers) dermaßen spannend und tiefgründig sein können. Besser geht Kino nicht!

Besser geht's nicht: Ein hoch-brisantes politisches Thema (Rassismus im US-amerikanischen Polizei-Alltag) wird nicht staubtrocken, sondern emotional extrem berührend genau auf den Punkt gebracht. Keine einzige Szene und kein einziger Dialog ist überflüssig. Filme dieser Art sind bitter notwendig, weil sie einem immer wieder bewusst machen, wie unsere amerikanischen "Freunde" eigentlich ticken.

Interessanter Einblick in die Geschichte eines rein inner-irischen Konfliktes in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Auf der einen Seite die "Oberen" (Regierung, Großgrundbesitzer und katholische Kirche in herzlichem Einvernehmen), auf der anderen Seite die "Unteren" (verarmte Landbevölkerung, Tagelöhner und Fabrikarbeiter), die sich ihre Ausbeutung nicht länger bieten lassen wollen und sich auf die Hinterfüße stellen.

Der Titel ist irreführend, denn "Jimmy's Hall" (eine Art Volkshochschul-/Versammlungs-Raum mit Bühne) ist nur in wenigen Szenen Ort der Handlung und dient eher als Katalysator für das sich überwiegend woanders abspielende Geschehen.

Harter und überaus rasant geschnittener Thriller in der Tradition der französischen Polizeifilme. Die in Südfrankreich spielende Handlung hat nicht die ganz großen Überraschungen, doch Vincent Lindon und Gilles Lelouche bieten solide Leistungen.

Wie bei allen Highsmith-Verfilmungen (und natürlich auch den zugrundeliegenden Romanen von Patricia Highsmith) spielt sich die Action weniger an der Oberfläche ab, sondern mehr in den Köpfen der Agierenden. Eine klassische Dreiecks-Geschichte, bei der der Zuschauer immer wieder in neue Unsicherheiten gestürzt wird (ist mir der Typ jetzt eigentlich sympathisch oder nicht?).

Auf wahren Begebenheiten beruhender Action-Thriller mit unbekannten norwegischen Darstellern (was wirklich kein Manko ist). Wenn es um vermeintliche nationale Interessen geht, gibt es keine Skrupel, da geht man auch schnell mal über Leichen ...

Gepflegte seicht dahinplätschernde Unterhaltung ohne große Ausreißer - weder positiv noch negativ. Wenig Esprit, dafür relativ viel Altbackenes. Einzig Emma Thompson und Pierce Brosnan retten den Film in die Kategorie "Durchschnittlich".

Eine Einordnung als Komödie erscheint mir schon sehr weit hergeholt, selbst mit einer "Tragikomödie" habe ich noch Probleme. Der Film handelt zwei Probleme zweier völlig verschiedener Personen ab: Steve Coogan (in Multi-Funktion Hauptdarsteller, Regisseur und Produzent des Films) gibt einen Oxford-Elite-Intellektuellen mit Identitäts-Krise, der "Human-Interest-Stories" zunächst als weit unter seinem Niveau ansiedelt, Judi Dench eine prollige Rentnerin aus dem Bilderbuch, Soap-Operas liebend und mit ihrer Geschwätzigkeit nervend. Allerdings hat man (genaugenommen ein katholisches "Heim für gefallene Mädchen") ihr fürchterliches Unrecht angetan. Und irgendwie kommen die beiden zusammen, woraus dann dieser berührende Film entsteht, dessen eigentliche Kern-Aussage um die Macht des Verzeihens geht, mag es auch noch so schwer fallen.

Erinnert leicht an die unsäglichen "Saw"-Filme, zwar nicht ganz so bluttriefend-splattermäßig, aber hinsichtlich Zynismus und Menschenverachtung auf gleicher Wellenlänge.

Jane Austen meets Politics & Justice. Eine wirklich gelungene Geschichte (basierend auf realen historischen Ereignissen) über den Entwicklungsprozess einer jungen Farbigen (genaugenommen eine Mulattin) im England des 18. Jahrhunderts. Bereits von Kindheit an wird sie - trotz aller liebevollen Fürsorge seitens ihrer adeligen Pflegeeltern - massiv mit Rassismus konfrontiert und wächst dennoch zu einer selbstbewussten jungen Frau heran.

Das Ganze ist geschickt verflochten mit einem Prozess vor dem höchsten englischen Gericht, an dessen Ende zum ersten Mal die Menschenwürde von Sklaven (bis dahin juristisch nur als "Waren" definiert) gerichtlich bestätigt wird. Dieses Urteil gilt als erster Schritt einer Entwicklung, in der England als eines der ersten Länder weltweit bereits Anfang des 19. Jahrhunderts Sklaverei offiziell verboten hat.

Der Knüller ist aber die Hauptdarstellerin Gugu Mbatha-Raw, anmutig und schön und gleichwohl eine Kraft und Selbständigkeit sondergleichen ausstrahlend.

Eine genaugenommen zutiefst traurige Geschichte über das Auseinanderbrechen einer Familie nach dem allzu frühen Tod der Mutter. Der Vater schafft es trotz Unterstützung durch seine ältere Tochter nicht, das Nesthäkchen Suzanne auf einen halbwegs geordneten Lebensweg zu bringen. Suzanne macht einfach nur das, was sie will, ohne jegliche Rücksicht auf die beiden anderen. Ihr erstes Kind bekommt sie, "weil ihr danach war". Immerhin kümmert sie sich liebevoll um ihre Kinder. In ihrer nach unten gerichteten Lebensspirale wird sie erst durch einen Schicksalsschlag wieder gebremst. Dann kommt sie endlich einmal auf den Trichter, mit allen "reinen Tisch" zu machen - auch wenn das zunächst einen noch schmerzhafteren Einschnitt bedeutet. Am Ende ein klein wenig Hoffnung ...

Die Franzosen haben es einfach drauf, eine derartige Sozialstudie immer noch gut konsumierbar zu machen.

Ein Culture-Clash der besonderen Art: Die Szene-Typen aus den 80er-Jahren treffen 30 Jahre später auf die strebsamen ehrgeizigen Yuppie-Studenten der Merkel-Ära. Die einen hatten noch irgendwie die Welt verbessern wollen (haben aber genaugenommen bereits resigniert), die anderen haben das noch nie im Sinn gehabt und wollen sich nur möglichst bequem einrichten in dieser Welt, ohne groß Verantwortung für andere zu übernehmen.

Mit feinsinnigem Humor werden die Lebenslügen der älteren Generation den Illusionen der "Nachkommenden" gegenübergestellt.

Ein Gute-Laune-Film ganz nach dem gleichen Strickmuster wie "Mama Mia" (mit Meryl Streep und Pierce Brosnan): Eine simple Liebesleid- und -lust-Handlung in einem Urlaubs-Paradies mit Sonne, Strand und Meer wird zwischendurch immer wieder mit Hitparaden-Songs unterlegt. Während "Mama Mia" sich ausschließlich auf Abba-Songs beschränkt, ist hier das musikalische Spektrum etwas weiter gefasst. Ein absoluter Höhepunkt ist die Tomaten-Schlacht in den verwinkelten Gassen eines italienischen Küstenstädtchens: Gott und die Welt trifft sich dort an einem bestimmten Tag und bewirft und beschmiert sich gegenseitig mit Tomaten (mit den überreifen funktioniert das am besten).

Ein unaufgeregter Film über zwei unaufgeregte Leute, die - obwohl altersmäßig gut eine Generation getrennt - das Leben gelassen so nehmen, wie es halt so kommt. Die gute Beziehung zwischen dem alt gewordenen "Hausmädchen" und ihrem langsam älter werdenden "Lieblingskind" übersteht auch die Trennung, nachdem ein Umzug ins Altersheim aufgrund des Gesundheitszustandes der Frau unausweichlich geworden ist. Nahezu märchenhaft schön, wie sich hier jung und alt mögen und verstehen. Im wirklichen Leben geht es leider oft anders zu, vor allem weil dort der schnöde Mammon eine wesentliche Rolle spielt. Der wird in diesem Film völlig ausgeblendet.

Ein ruhiger und fast kontemplativer Liebesfilm, konzentriert auf drei Personen und ein verlängertes Wochenende (der "Tag der Arbeit" wird in den USA am ersten Montag im September gefeiert und gilt als Symbol für das Ende des Sommers und Rückkehr in Schule und Beruf ). Allein die Sequenz des gemeinsamen Teig-Knetens für einen Obstkuchen ist ein absolutes Highlight.

Wenn es die letzten fünf Film-Minuten (mit einem Zeitsprung von etwa 20 Jahren) nicht gäbe, wäre es ein wirklich hervorragender Film geworden. Diese fünf Minuten Mega-Kitsch verhunzen allerdings den ganzen Film derart, dass es nur mehr für vier Sterne reicht.

Ein absolut belangloser Film über zwei Jahre im Leben einer relativ belanglosen Frau. Die ihr zugeschriebene Bedeutung resultiert nahezu ausschließlich aus dem Medienhype, der um Diana herum entfacht wurde - und den sie teils bewusst, teils unbewusst auch zu steuern versuchte (was sehr oft auch misslang). Die Szenen im Blitzlichtgewitter - jedes Kamera-Blitzlicht ein Einschlag - sind die stärksten Szenen des Films, einfach nur entsetzlich. Um dem standzuhalten, hätte es wohl einer stärkeren Persönlichkeit bedurft, als Diana es war.

Beim Zuschauen ertappt man sich oft bei der Frage, wie Diana-ähnlich Naomi Watts in dieser oder jener Szene aussieht bzw. agiert. Für einen derartigen Film ist dieses häufige In-Frage-stellen aber ein ziemlich vernichtendes Urteil.

Auf der DVD sind zwei - handlungsmäßig chronologisch aufeinanderfolgende - Filme mit jeweils ca. 90 Minuten: Der erste Film zeigt die Vorgeschichte bis kurz nach der Tat aus Sicht der Posträuber, der zweite Film schließt unmittelbar daran an, allerdings mit völlig veränderter Perspektive, nämlich aus Sicht der ermittelnden Polizeibeamten. In jedem der beiden Filmen dominiert ein von seiner "Aufgabe" manisch Besessener: im ersten Film Bruce Reynolds (hervorragend gespielt von Luke Evans) als "Gehirn" der Posträuber, im zweiten Film Tom Butler (ebenso hervorragend: Jim Broadbent) als Chef-Ermittler.

Ein interessantes Experiment, auch wenn ich insgesamt den ersten Film deutlich besser fand. Im zweiten Film geht es eigentlich weniger um das "Wer?" (die ersten der beteiligten Posträuber waren ziemlich schnell ermittelt), sondern mehr um das "Wo?" (wohin sind sie untergetaucht).

Manchmal ist eine gewisse Unentschlossenheit der Filmmacher, in welchem Genre sie sich bewegen wollen, für einen Film ganz positiv. Manchmal - so wie in diesem Film - geht das allerdings auch in die Hose. Irgendwie handelt es sich um eine nicht so recht funktionierende Mischung aus Komödie, Familien-Drama und Road-Movie. Catherine Deneuve allein ist allerdings so gut, dass es immer noch für eine durchschnittliche Bewertung reicht.

Der Film ist nicht schenkelklopferisch "witzig" - und will es vermutlich auch gar nicht sein. Eher gibt es in vielen Szenen ein leises Schmunzeln. Die Liebe wird in all ihrer bitteren Süße beschrieben: Die Hauptpersonen vergucken sich entweder in die Falschen oder aber - noch viel fataler - in die Richtigen, allerdings zum falschen Zeitpunkt. Wenigstens am Schluss scheint das Timing irgendwie bei allen zu passen.

Bis auf eine Nebenrolle wirken alle Darsteller sehr authentisch. Tom Everett Scott ist zwar sympathisch, aber er ist für die Rolle des College-Studenten Johnny einfach zehn Jahre zu alt.

Dem Film gelingt punktgenau die Gratwanderung zwischen übertriebenem "Drücken auf die Tränendrüse" einerseits und nüchtern-sachlicher Darstellung der Situation und Befindlichkeiten von unheilbar Kranken und deren Nahestehenden andererseits. Einzig mit einer Nebenrolle (der psychisch erkrankte junge Pensions-Nachbar) konnte ich nichts anfangen.

Berührende Tragikomödie um ein junges - vielleicht doch noch zusammenkommendes - Paar: einerseits ein noch bei seiner Mutter lebender Nerd, der die Chance seines Lebens wittert, endlich unabhängig und selbständig zu werden, andererseits eine sich ständig im Schatten ihrer jüngeren - verquer genialen - Schwester fühlende junge Frau, die sich durch den Tod (möglicherweise Selbstmord) dieser Schwester irgendwie befreit fühlt und deswegen heftige Gewissensbisse hat.

Das nicht synchronisierte Schwyzerdütsch (allerdings Zusatzfunktion mit deutschen Untertiteln möglich) sorgt für eine wunderbare Erdung, z.B. beim ersten Sex ("Bisch ebba au vaklemmt?"). Einen gelungenen Kontrapunkt bilden die ausschließlich auf Englisch gesungenen Film-Songs.

Dieser Film kann dem Meisterwerk "Once" des gleichen Regisseurs in keiner Weise das Wasser reichen. Vielleicht liegt es daran, dass in Musikfilmen meistens die schauspielernden Sänger (so wie in "Once") besser rüberkommen als die singenden Schauspieler wie in "Can a song save your life?". Die völlig ausgelutschte Story wird zwar professionell, aber völlig überraschungsfrei abgespult. Trotz Sympathieträgern wie Keira Knightley und Mark Ruffalo will der Funke einfach nicht überspringen.

Es geht nur um einen - allerdings wohl entscheidendenden - relativ kurzen Zeitraum Anfang der 1960er-Jahre. Grace Kelly war als Fürstin in Monaco "noch nicht so recht angekommen". Immerhin kam sie nach einigen Ehejahren auf die zündende Idee, richtig Französisch zu lernen, um überhaupt mit ihren Untertanen in Kontakt treten zu können und sie näher kennenzulernen.

Die Mode-Designer, Make-up- und Hair-Stylisten hatten für diesen Film Hoch-Konjunktur. Nicole Kidman agiert mehr als wandelnder Kleiderständer denn als echte Person aus Fleisch und Blut. Aber das immerhin hat sie hervorragend hingekriegt, ihre öffentlichen Auftritte sind die Höhepunkte des Films, eine echte Augenweide. Wenn es in den Dialogen dagegen um Gefühle und Empfindungen geht, wirkt das eher aufgesetzt.

Die eigentliche Handlung erschien mir mehr wie eine Mischung aus "Dallas & Denver Clan" am Mittelmeer. Dass die Herrscher-Gemahlin eines südeuropäischen Zwergstaates durch eine Ansprache zur Eröffnung eines Promi-Balles - mag diese auch noch so bewegend sein - wirklich politische Weichenstellungen erreicht (noch dazu gegenüber einem Sturkopf wie Präsident de Gaulle), kommt mir ziemlich unwahrscheinlich vor.

Fazit: in Design und Ausstattung zweifellos top, inhaltlich und darstellerisch eher flop!

Ein völlig falsch vermarkteter Film. Es geht nicht - wie auch der Trailer suggeriert - um den x-ten Nachfolge-Film im Zombie-Genre (da ist man bei "Walking Dead" wahrscheinlich besser aufgehoben), sondern es geht darum, wie unsere Gesellschaft auf derartige Herausforderungen (extrem ansteckender und tödlicher Virus, von dem eine Heilung nur mit immens teuren und immer knapper werdenden Medikamenten möglich ist) umgehen wird. Anspruchsvoll und trotzdem kurzweilig werden die Probleme für die Beteiligten angerissen.

Bei diesem Film geht es nicht um einen spannenden Action-Reißer. Es geht darum, wie von Politiker-Seilschaften vermutlich versucht wurde, den Oktoberfest-Anschlag für das eigene Süppchen zu instrumentalisieren und die nachträglichen Ermittlungen - diese hätten wohl Versagen in den eigenen Reihen zu Tage kommen lassen - zu sabotieren. Und es geht um einen Journalisten, der derartige Machenschaften um der Opfer und deren Angehörigen willen nicht tolerieren will und deshalb über 30 Jahre lang "am Ball" bleibt. Durch die erst vor einigen Wochen verfügte Wieder-Aufnahme der Ermittlungen hat dieser Film zusätzlich an Brisanz gewonnen.