„The Holdovers“ erzählt feinfühlig von zurückgelassenen Seelen, die widerwillig aufeinandertreffen und gerade dadurch zueinanderfinden. Der Film lebt von der langsamen Überschreitung persönlicher Grenzen und dem ehrlichen Hinterfragen der eigenen Moral. Ein stilles, warmherziges Drama, das mit leisen Tönen große Wirkung entfaltet.

„Back to Black“ bemüht sich um Nähe zu seiner ikonischen Hauptfigur, bleibt in seiner Wirkung jedoch erstaunlich blass. Trotz starker Ausgangslage und emotionalem Potenzial weiß der Film weder dramaturgisch noch erzählerisch wirklich zu überzeugen. Am Ende bleibt ein Biopic, das mehr behauptet, als es tatsächlich vermittelt.

„Der Pate III“ tritt ein schweres Erbe an, nachdem die ersten beiden Teile Filmgeschichte geschrieben haben. Entgegen vieler Erwartungen schließt der Abschluss der Trilogie qualitativ an seine Vorgänger an und erweitert das Epos um eine reifere, melancholische Perspektive. Als stilles, tragisches Finale bildet der Film einen würdigen und fantastischen Abschluss der legendären „Der-Pate“-Reihe.

Der Film beginnt vielversprechend und punktet zunächst mit Charme und Tempo, kann die im witzigen Trailer geweckten Erwartungen jedoch nicht dauerhaft erfüllen. Während der Auftakt noch unterhält, baut der Film gegen Ende spürbar ab und verliert an Fokus wie Schlagkraft. Am Ende bleibt ein routiniertes Action-Lovestory-Spektakel, das trotz guter Ansätze insgesamt nicht überzeugt.

„Oppenheimer“ ist ein nachdenklich stimmender Film über einen Mann, der mit seiner Arbeit die Welt nachhaltig verändert hat. Christopher Nolan präsentiert die Geschichte interessant und bis zum Schluss spannend, auch wenn der Film stellenweise deutliche Längen aufweist. Trotzdem bleibt das Werk eindrucksvoll, intensiv und lädt lange zum Reflektieren ein.

„Der Engländer, der in den Bus stieg und bis ans Ende der Welt fuhr“ erzählt eindrucksvoll von einem Mann, der ein längst gegebenes Versprechen einhält und damit eine stille, berührende Reise antritt. Der Film ist eine liebevolle Hommage an die Liebe und an die Idee ewiger Treue, getragen von warmem Humor und feinen Zwischentönen. Ein leises, tief empfundenes Werk, das weit über den Abspann hinaus nachhallt.

Ari Asters Beau Is Afraid ist schwere Kost – ein dreistündiges Albtraum-Spektakel, das sich wie eine neurotische Odyssee durch die Ängste, Neurosen und Schuldkomplexe seines Protagonisten windet.

Der Film ist verstörend, überbordend und oft bewusst unzugänglich – eine surreale Reise ins Innere eines zutiefst verunsicherten Mannes, der sich durch ein Universum voller Bedrohung, Absurdität und psychischer Abgründe kämpft.

Wer sich auf das experimentelle Chaos einlässt, erlebt ein cineastisches Wagnis zwischen Kafka, Freud und Fiebertraum – faszinierend, verstörend und garantiert nichts für schwache Nerven.

Ein Mann namens Ove ist ein Film, der sanft berührt, zum Schmunzeln bringt und zum Nachdenken anregt. Eine warmherzige Hommage an das Menschsein mit all seinen Brüchen, Eigenheiten und Überraschungen.
Was den Film besonders macht, ist sein trockener, schwarzer Humor, der immer wieder in unerwarteten Momenten aufblitzt. Selbst in den traurigsten Szenen gelingt es, mit lakonischer Komik kleine Lichtblicke zu setzen, ohne dabei den Respekt vor der Ernsthaftigkeit der Themen zu verlieren.

Hypnotic ist ein Film mit einem konzeptuell ambitionierten Ansatz, der sich spürbar von gängigen Genrestandards absetzen will. Im Zentrum steht ein Plot, der mit Ideen rund um Bewusstseinskontrolle, Manipulation und Realitätsebenen arbeitet. Die Geschichte ist komplex aufgebaut und weitgehend unvorhersehbar, was dem Film eine gewisse narrative Eigenständigkeit verleiht. Das Erzähltempo ist durchgehend langsam, dadurch werden Zusammenhänge schrittweise enthüllt. Inszenatorisch bleibt Hypnotic nüchtern. Der Film verzichtet weitgehend auf bekannte Muster oder vorhersehbare Wendungen, was zur intellektuellen Ausrichtung passt.

Insgesamt ist Hypnotic kein Film, der auf unmittelbare Wirkung zielt. Unterhaltung im klassischen Sinne bietet er kaum – vielmehr ein gedämpftes, aber interessantes Gedankenspiel.

Der Film reiht sich nahtlos in das Feld konventioneller Actionfilme ein, ohne dabei nennenswerte Impulse zu setzen. Die Handlung folgt einem altbekannten Muster: ein CIA-Agent in feindlichem Gebiet, eine Flucht vor Gegnern, gespickt mit obligatorischen Explosionen und Schusswechseln. Innovation bleibt aus.

Spannung stellt sich kaum ein. Die Dramaturgie verläuft vorhersehbar, Wendungen bleiben oberflächlich und weitgehend wirkungslos. Auch der Schauplatz – eigentlich geeignet für ein intensives Szenario – wird nicht genutzt, um Atmosphäre oder emotionale Tiefe aufzubauen. Stattdessen dominiert eine generische Kulisse, die lediglich als Hintergrund für routinierte Action dient.

Die Charaktere sind funktional, bleiben aber eindimensional. Weder der Protagonist noch seine Begleiter entwickeln sich über den Film hinweg nennenswert weiter. Dialoge sind meist zweckmäßig und klischeehaft, echte emotionale oder moralische Konflikte fehlen.

Insgesamt bleibt Kandahar ein Film, der handwerklich solide, aber erzählerisch belanglos ist. Wer sich an bekannten Mustern nicht stört und einfach routinierte Action sucht, wird bedient – neue Akzente oder nachhaltige Eindrücke sind hingegen nicht zu erwarten.

Indiana Jones 5 ist ein würdiger Abschluss für eine ikonische Reihe – überraschend gut, handwerklich solide und mit viel Herz erzählt. Es ist eine gelungene Mischung aus Abenteuer, Humor und einem Hauch von Melancholie – genau das, was man sich von einem Indiana Jones-Film wünscht.

Evil Dead Rise ist ein blutgetränktes Horror-Feuerwerk ohne echte Substanz – laut, brutal, aber leider wenig einfallsreich.

Im Vergleich zum Original fehlt es Evil Dead Rise deutlich an Charme und Atmosphäre. Wo Sam Raimis Klassiker mit kreativem Wahnsinn und schwarzem Humor punktete, setzt der neue Teil vor allem auf übertriebene Gewaltexzesse. Blut, Gedärme und Schockmomente werden inflationär eingesetzt, wirken aber oft eher ermüdend als schockierend – denn: Alles hat man irgendwie schon mal gesehen.

In einer Welt, in der oft das Lauteste gewinnt, ist Roman J. Israel, Esq. ein leiser, aber eindringlicher Film über Prinzipien, Moral – und das Ringen mit einer Welt, die nicht mehr die alte ist.

Das ist kein klassischer Gerichtsfilm, sondern ein leiser Aufschrei für Integrität in einer Welt, die sich zu schnell verkauft. Bewegend, klug und getragen von einer beeindruckenden Performance – ein Film, der nachdenklich macht und lange nachhallt.

Massive Talent ist eine liebevolle, herrlich schräge Hommage an einen Schauspieler, der alles war – Genie, Meme, Wahnsinniger. Wer sich darauf einlässt, bekommt eine selbstironische Actionkomödie mit Herz, Witz und jeder Menge Cage.

12 Strong ist gewöhnliche Action mit patriotischem Anstrich – keine große Kunst, aber ein spannender Ritt durch den Staub der Geschichte. Wer keine tiefschürfende Reflexion sucht, sondern solides Kriegsfilm-Entertainment, wird hier fündig.

Boston ist ein intensives Drama, das nicht nur die Ereignisse rund um den Anschlag packend erzählt, sondern auch den Mut der Menschen würdigt, die damals zusammenhielten. Spannend, bewegend und erstaunlich menschlich – ein Film, der nachhallt.

Es gibt Filme, bei denen man sich fragt: Warum?
Und dann gibt es Cocaine Bear, bei dem man sich fragt: Warum nicht?

Lose inspiriert von einer wahren Begebenheit – ein Bär findet ein Päckchen Kokain im Wald und... na ja, dreht komplett durch - serviert der Film eine absurde Mischung aus bluttriefender Bärenaction, kuriosen Gestalten und herrlich überdrehtem Humor. Logik? Realismus? Tiefgang? Fehlanzeige. Aber dafür ist Cocaine Bear auch nicht hier.

Cocaine Bear ist wie ein schlechter Trip, der erstaunlich viel Spaß macht. Völlig überdreht, grandios absurd und überraschend unterhaltsam. Kein Meisterwerk – aber definitiv ein Erlebnis, das man so schnell nicht vergisst.

Don’t Worry Darling ist ein Psychothriller, der sich seinen Titel wie auch sein Genre redlich verdient. Schon ab den ersten Minuten legt sich eine seltsame Spannung über die makellos inszenierte Welt, in der alles zu perfekt scheint, um wahr zu sein. Und genau darin liegt die Beklemmung – nicht in Monstern oder Jumpscares, sondern im leisen Grauen eines Systems, das Frauen lächelnd die Freiheit nimmt.

In dieser schimmernden Scheinwelt herrscht das Patriarchat in Maßanzug und mit glattgekämmtem Haar. Die Männer fahren zur Arbeit, die Frauen bleiben hübsch, gehorsam und ahnungslos zurück. Alles ist durchgestylt, kontrolliert, harmonisch – bis Risse entstehen. Und je tiefer diese Risse werden, desto deutlicher zeigt sich, was Don’t Worry Darling eigentlich ist: eine düstere Parabel über die Unterdrückung der Frauenrechtsbewegung – subtil verpackt im Gewand eines psychologischen Albtraums.

Das ist kein Film, der einen anschreit – er flüstert unangenehme Wahrheiten. Ein stilistisch brillanter, beklemmender Thriller, der in seiner Hochglanzwelt den wahren Horror entdeckt: die romantisierte Unterdrückung. Ein Film, der wehtut – und genau deshalb wichtig ist.

Saw X ist ein blutiges Déjà-vu mit rostigen Klingen und müdem Herz. Kein Schocker, kein Thriller – nur noch zähes Gore-Theater auf Autopilot. Der Sargdeckel ist offen, bitte zuschlagen. Und diesmal: für immer.

Man hätte hoffen können, dass nach neun Filmen endlich Schluss ist – aber Saw X ist der Beweis: Auch ein Franchise ohne Puls kann noch künstlich beatmet werden. Leider nicht mit frischem Leben, sondern mit altbekannten Werkzeugen, viel Kunstblut und noch mehr Ideenmangel.

Red Sparrow ist ein eleganter, aber zäher Spionagefilm, der unter seiner Last aus Stereotypen, unnötiger Härte und fehlender Dynamik zusammenzubrechen droht. Wer auf Action hofft, wird enttäuscht – wer auf Tiefgang hofft, auch. Ein Film wie ein langer Winter: kühl, langatmig, und irgendwie ohne Erlösung.

Fazit: Kalter Krieg in Zeitlupe.

Wenn Ahnungslosigkeit Einzug in den Gerichtssaal hält
Mein Vetter Winnie ist ein Gerichtsdrama ohne Drama, eine Komödie voller Charme, wo die Gerechtigkeit zwar stolpert, aber am Ende mit High Heels triumphiert.

Wo der Hai tiefer taucht als das Drehbuch

Willkommen zurück im Ozean der Absurditäten, wo Haie wachsen, Logik sinkt und Action so gewöhnlich ist wie ein Fernsehfilm am Sonntagnachmittag. Meg 2 verspricht: größer, schneller, tiefer – und liefert: lauter, platter, sinnloser.

Doch man muss dem Film eines lassen: Er nimmt sich selbst genauso ernst, wie er sollte – nämlich gar nicht. Das macht ihn nicht besser, aber wenigstens erträglicher, wie ein schlechter Witz, den man so oft hört, bis man irgendwann doch ein bisschen lacht. Oder weint.

Wenn der Hausmeister schweigt und die Puppen bluten

Willy’s Wonderland ist Trash mit Anlauf, ein groteskes Ballett aus blinkenden Lichtern, schmutzigen Toiletten und animatronischen Kuscheltieren mit Mordlust im Blick. Die Story? Geschenkt. Denn wer braucht Handlung, wenn man Blutfontänen, Cola-Dosen und einen Nicolas Cage hat, der wortlos Pinball spielt und dabei mehr Präsenz zeigt als so mancher Shakespeare-Darsteller?

Ein stummer Nicolas Cage gegen mörderische Kindergeburtstags-Albträume. Willy’s Wonderland ist der Fiebertraum eines schiefgelaufenen DVD-Abends – aber einer, den man irgendwie nie vergisst.

Barbie – Ein rosaroter Ritt durch Glitzer und Gesellschaft

Barbie tanzt mit uns auf Zehenspitzen durch das Plastikparadies, nur um uns dann mitten ins Herz der Realität zu führen – mit funkelnden Augen und einer Faust voller Feminismus. Das Patriarchat? Ein Museumsexponat, das Ken bewundert – bis selbst er erkennt: Männlichkeit braucht mehr als ein Pferd und ein Hoodie.

Es ist ein Film, der sich nicht scheut, mit Klischees zu spielen, sie zu übertreiben, zu übermalen, zu zerbrechen – und dabei doch nie vergisst, dass Kritik auch glitzern darf. Ein Duell der Geschlechter? Vielleicht. Aber eines, das mehr will als Sieg: Verständnis. Wandel. Gleichgewicht.