Die Eberhofer-Reihe scheint einen Selbstzerstörungsmechanismus aktiviert zu haben. Um den Flötzinger aus einer früheren Episode zu zitieren, in der er noch witzig sein durfte: „Auweia!“ An den Schauspielern liegt es jedoch nicht: Sie spielen wacker gegen ein weitgehend einfallsloses Drehbuch an, dessen Gags dünn gesät sind. Wie sich hier im Kommentarbereich aus der Verteilung der hilfreich/nicht-hilfreich-Bewertungen ableiten lässt, sind wahre Fans der Reihe ohnehin immun gegen Kritik. Doch ist es Zeit, der einst originellen Reihe ein halbwegs würdiges Ende zu bereiten.

Mary, eine verhärmte Frau mittleren Alters, bringt sich und ihre kranke Mutter mehr schlecht als recht durch den Verkauf an der Küste gesammelter Fossilien über die Runden. In diese von Armut geprägte Welt verschlägt es, zum beiderseitigen Missvergnügen, eine an „Melancholie“ leidende junge Ehefrau aus der Londoner Oberschicht. Mary lässt nach und nach ihre schroffe Fassade fallen, mit der sie Menschen auf Distanz hält, und die beiden Frauen kommen sich sehr nahe. Ein Film der leisen Töne, ein Stimmungsbild mit innerer Dramatik.

In einem Sumpf aus matschigen Böden, allgegenwärtiger Gewalt, Korruption, Krankheiten und Prostitution treiben Männer und Frauen den Bau der Union-Pacific-Bahnstrecke Richtung Westen voran. Die Protagonisten lassen sich nicht unbedingt nach Kriterien wie „gut“ oder „böse“ einordnen – einige sind beides: fürsorgliche Beschützer und eiskalte Mörder. Wie glaubwürdig das ist, sei dahingestellt. Ein bösartiger und irrer Charakter wie „der Schwede“ jedenfalls ist an faszinierender Skurrilität nicht zu übertreffen. Manche blutigen Szenen in späteren Staffeln hätten wohl eher in einen Horrorfilm „ab 18“ gehört. Ein Manko der Serie ist es, dass etliche Entwicklungen der Handlung nur der Dramaturgie der Serie dienen, im realen Leben aber nie und nimmer so stattgefunden hätten, was manchmal derart auf die Spitze getrieben wird, dass man sich als Zuschauer für dumm verkauft fühlt. Spannende Unterhaltung und Einblicke in das grausam harte Leben im „Wilden Westen“ bietet die Serie aber allemal, deshalb dreieinhalb Sterne.

Wer ist hier dement: „der Vater“ oder der Zuschauer? Es treten Personen auf, von denen man nicht weiß, ob sie real sind oder halluziniert werden, ob das, was sie sagen, real ist oder eingebildet. Als es nach einer guten Stunde immer wieder um dasselbe ging, als kaum ein Handlungsfortschritt erkennbar war, haben wir ausgeschaltet. Ein ermüdender Film. Zweieinhalb Sterne.

Schiavone, der ständig kiffende Vicequestore einer norditalienischen Polizeibehörde, ihr stellvertretender Leiter also, klärt mit seinem teils chaotischen, teils trotteligen Team Tötungsdelikte auf. Da Schiavone beste persönliche Kontakte ins kriminelle Milieu pflegt, ist sein Einsatz für das Recht allerdings wenig glaubhaft. Mit „Dr. House“ hat er nicht nur die deutsche Stimme, sondern auch die Arroganz gemeinsam, Menschen ordnet er nach ihrem Aussehen als Tierarten ein. Nicht nur die Hintergründe der Verbrechen, sondern auch manche Schicksale, einschließlich Schiavones eigenem, werden zumindest oberflächlich beleuchtet. Die Serie kommt weitgehend ohne Action- und Gewaltszenen aus, manchmal allerdings auch ohne Logik. Der Humor ist nicht immer gelungen, ordinäre Sprüche werden auch in der x-ten Wiederholung nicht witziger. 3,4 Sterne, denn 3,5 müsste ich aufrunden auf 4.

Eine in den offenbar sorgfältig recherchierten historischen Kontext eingebettete faszinierende Reise in die britische Vergangenheit um die Mitte des 20. Jahrhunderts. Die Serie beleuchtet, glaubwürdig dargestellt, die höchst anspruchsvolle Rolle, die Elisabeth in jungen Jahren übernehmen musste. Nicht eine Filmminute ist langweilig, insbesondere auch dank der geschliffenen, geistreichen Dialoge, die den grundverschiedenen Charakteren passgenau auf den Leib geschneidert sind. Bei manchen Wortgefechten, etwa denen zwischen Elisabeth und Churchill, vergisst man, dass sie von sprachgewandten, historisch bewanderten Drehbuchautoren erfunden sind. Köstlich ist nicht zuletzt auch Prinzgemahl Philip mit seiner sarkastischen Offenheit („Wir sind die Tanzbären“). Die beste Serie, die ich im Lauf der Jahrzehnte gesehen habe.

Die Serie braucht ein wenig Anlaufzeit; anfangs sieht es nach deutlichen Parallelen zu der recht locker erzählten spanischen Serie „Grand Hotel“ aus, aber dann schlägt „The Restaurant“ mit glaubwürdigen Charakteren und überraschenden Entwicklungen eine eigene, unverwechselbare Richtung ein. Es geht um Liebe, Intrigen und Drogenabhängigkeit, um kriminelle Machenschaften im Nachkriegs-Schweden, um gebrochene KZ-Häftlinge, für die nach dem Ende der Nazi-Diktatur keineswegs alles vorbei ist, um die für ihre Rechte kämpfenden Arbeiterinnen. Eine vielschichtige, anspruchsvolle, spannende Serie mit tragischen, humorvollen und berührenden Szenen.

In der zweiten Staffel entwickelt die Serie nicht zuletzt dank der begabten Schauspielerin Trine Dyrholm ihr ganzes Potenzial. Die chaotischen Verhältnisse innerhalb der Familie nehmen dramatische Züge an, man folgt dem Geschehen mit gespannter Aufmerksamkeit.

Wie nur kommt ein Regisseur auf die bekloppte Idee, auf ein Kamerastativ zu verzichten, was nervig verwackelte Bilder zur Folge hat? Wer diesen filmhandwerklichen Fauxpas zu ignorieren vermag, erlebt eine recht anspruchsvolle, unterhaltsame, manchmal auch komische Serie über die Zwistigkeiten von (Halb-)Geschwistern, die ein beachtliches Erbe aufzuteilen versuchen. Ob die Akteure immer so agieren wie Leute im realen Leben, sei dahingestellt.

Ein stimmungsvoller, einfühlsamer, subtil erotischer Film mit überzeugenden Darstellerinnen und klugen Dialogen, etliche Szenen gefilmt an der wild romantischen französischen Atlantikküste.

Politische Betonköpfe des Sowjet-Kommunismus lassen einem hoch begabten Künstler kaum eine andere Wahl, als in Frankreich Asyl zu beantragen. Hätte man Nurejew etwas mehr Freiheit eingeräumt, wäre er wohl bei seinem Ensemble geblieben. Obwohl man von Anfang an weiß, wie die Geschichte ausgeht, folgt man gebannt vor allem dem Höhepunkt des Films, einer Szene auf dem Pariser Flughafen. Der Film ist auch deshalb sehenswert, weil er ein eindrucksvolles Psychogramm einer äußerst komplexen und komplizierten Persönlichkeit präsentiert.

Der Mars, mehrere Monde und Asteroiden sind im 24. Jahrhundert besiedelt, Raumschiffe in riesiger Zahl durchkreuzen unser Sonnensystem – nicht nur angesichts der tatsächlichen Entwicklung der bemannten Raumfahrt im letzten halben Jahrhundert ein unglaubwürdiges Szenario. Aber The Expanse dient ja der Unterhaltung. Die Mars-Kolonisten haben eine eigene Raumschiffflotte, und die hat nichts Besseres zu tun als gegen irdische Raumschiffe Krieg zu führen, auch raubeinige Rabauken aus dem Asteroidengürtel mischen militärisch mit. Später taucht eine glitzernde, gestaltlose außerirdische Lebensform auf: Jeder will eine Probe davon haben, denn man kann Mischwesen daraus basteln, die sich vortrefflich als Krieger einsetzen lassen. Eine Art Krieg der Sterne also in der x-ten Neuauflage. Die Diskrepanz zwischen den heute enormen tricktechnischen Möglichkeiten und dem Mangel an Fantasie der SF-Drehbuchautoren ist ernüchternd. Die Darsteller der Serie mimen eindimensionale Charaktere, als Schauspieler sind wenig überzeugend; „hölzern“ seien ihre Auftritte, schreibt Thorsten40 hier treffend. Drei Sterne also, und die bedeuten per Definition: „gewöhnlich“.

Was zunächst nach dem gelungenen Psychogramm einer introvertierten, religiös indoktrinierten und gesundheitlich angeschlagenen Studentin aussieht, entwickelt sich in der zweiten Filmhälfte zu einem Horrorszenario mit irrealen Ereignissen, die logisch nicht nachvollziehbar sind. Wer darüber hinwegzusehen vermag, dass Nonsens serviert wird, obwohl der Film insbesondere auch wegen der überzeugenden Hauptdarstellerin ein anderes Potenzial gehabt hätte, kann sich recht ordentlich unterhalten fühlen.

Eine Ballade zum Einschlafen beim Schauen. Ausgerechnet einen Western dramaturgisch so zu vermurksen, dass er langweilt, ist eine besondere „Leistung“. Fade Charaktere, farblose Atmosphäre, langatmiges Gequatsche statt spritziger Dialoge. Nicht einmal die Schießereien lassen Spannung aufkommen: Der Mörder des Freundes, nächtens aufgespürt von dem in dunkler Deckung hockenden Lefty, beleuchtet sich selbst, während er ziellos ins Dunkle ballert, minutenlang mit einer Fackel – wohl weil er weiß, dass Lefty nicht schießen wird, weil dann der Film schnell am Ende wäre. Aber das ist der Film schon von Anfang an.

Ein düsterer Film aus einem sonnigen Land, in dem sich offenbar verdächtig macht, wer ein hilfloses Kätzchen füttert. Nicht nur der irre Serienmörder hat eine „Macke“, sondern auch, wenngleich auf völlig anderer Ebene, die beiden Polizisten, die ihn jagen. Diese beiden ganz und gar nicht glattgebügelten, kaputten Typen sind die Stärke des Films. Schwächen sind die unglaublichen Zufälle und der seltsame Schluss.

Ein mitreißendes deutsch-französisches Drama über die Tragik eines schuldlos Schuldigen und über die Gnade, eine grausame Wahrheit vorenthalten zu bekommen. Ein tiefgründiger Film mit begabten Darstellern, überzeugenden Charakteren und fesselnden Dialogen, in denen jeder Satz seine Berechtigung hat. Fast ist es deplatziert, formale Details zu hinterfragen, etwa, warum die Gespräche zwischen Anna und Adrien in der deutschen Filmfassung großenteils auf Französisch geführt und untertitelt werden, obwohl Adrien gutes Deutsch spricht. Nicht konsequent und unnötig ist meiner Meinung nach auch der Wechsel zwischen Schwarzweiß und Farbe, der einen Wechsel in der Atmosphäre oder Stimmung anzeigen soll. Aber das Gesamtbild dieses überragenden und ergreifenden Films wird durch solche Nebensächlichkeiten kaum getrübt.

Aha, Berlinale-Filmfestival-Aufführung und hier derzeit 4,3 Sterne … Aus dem Filmthema hätte man einen anspruchsvollen, fesselnden Film mit klugen Dialogen machen können. Was daraus geworden ist, grenzt meiner Meinung nach an Filmschrott: innerfamiliäre Streitereien und Reibereien, geist- und substanzloses Gequatsche, nerviges Drangsalieren. Den zweiten Stern vergebe ich für die zurückhaltend, aber konsequent agierende Hauptdarstellerin, die diesen inhaltsleeren, langweiligen Film nicht verdient hat.

Das holländische Tulpenfieber bietet den Rahmen für eine doppelte Liebesgeschichte. Man glaubt gern, hier tatsächlich einen Blick in das Amsterdam des 17. Jahrhunderts zu werfen. Trotz eines stoisch ruhigen Christoph Waltz ist der Film ausgesprochen kurzweilig. Auch wer Lovestorys nicht viel abgewinnen kann, dürfte dem Geschehen zumeist gebannt folgen, die Ereignisse sind ständig in Bewegung. Die Handlung ist nicht immer glaubwürdig, aber schließlich ist auch das Tulpenfieber, obwohl historische Realität, aus heutiger Sicht kaum zu glauben.

Nicht nur das dargestellte kleine Mathe-Genie ist hochbegabt, sondern auch das Mädchen, das dieses Genie darstellt. Man mag kaum glauben, dass ein etwa siebenjähriges Kind eine derart überzeugende schauspielerische Leistung präsentiert und fühlt sich deshalb manchmal in reales Geschehen versetzt. Ein Film mit tragischen, glücklichen und komischen Momenten, ein geistreicher, ergreifender, fesselnder Film.

Diesem sogenannten Thriller mangelt es an innerer und äußerer Spannung. Dramaturgisch ungeschickt ist es zum Beispiel, einen Verdächtigen nach dem anderen als Mörder zu zeigen. Auch gelingt es kaum, die bedrückende Atmosphäre eines Londoner Armenviertels im ausgehenden 19. Jahrhundert einzufangen; allenfalls die schrillen Theaterauftritte wirken einigermaßen authentisch. Die Auflösung der Mordserie ist überraschend und unvorhersehbar, aber auch unglaubwürdig.

Ein verletzter gegnerischer Deserteur bringt Unruhe in die weitgehend abgeschiedene Welt einer kleinen Mädchenschule. Als Zuschauer folgt man dem Geschehen nicht ohne Interesse, aber auch ohne davon ergriffen zu werden. Im letzten Filmdrittel werden die Ereignisse dramatisch – und von da an ist der Film verloren. Denn was sich jetzt abspielt, lässt sich weder logisch noch psychologisch nachvollziehen.

Der Film tritt anspruchsvoll auf, sogar die Sapir-Whorf-Hypothese der Linguistik wird bemüht. Aber hinter der anspruchsvollen Fassade steckt kaum mehr als die Tintenspritzer, die fremdartige Schriftzeichen formen. Es bleibt unklar, warum jemand, der interstellar zu reisen vermag, auf derart unbeholfene Weise mit Menschen zu kommunizieren versucht, vor allem aber, warum er dies überhaupt tun sollte. Die mitgelieferte Erklärung ist so dürftig wie der Film insgesamt. Immerhin ist „Arrival“ wohltuend anders als der übliche, Sciencefiction genannte Weltraumschrott mit seinen kriegerischen Attacken und menschenfressenden Monstern. Viel mehr als Tinte versprühende Tintenfische dürfte von diesem Film allerdings nicht in Erinnerung bleiben.

Für Claire geht das Auftauchen von Beatrice, der Geliebten ihres verstorbenen Vaters, mit einer Phase des Umbruchs in ihrem Leben einher, aber auch mit schmerzlichen Erinnerungen. Je mehr die Fassade bröckelt, die Beatrice um ihre Persönlichkeit aufgebaut hat, umso stärker verwandelt sich Claires Abneigung gegen Beatrice in Sympathie. Ein anspruchsvoller, etwas melancholischer Film, dessen innere Dramatik den Zuschauer vor allem auch wegen der überzeugenden Hauptdarstellerinnen in ihren Bann zieht.

Die schwer durch Arthritis gezeichnete Maud hat alles verloren: Sie ist körperlich behindert, arm und schließlich auch allein und ohne Unterkunft. Der Film zeigt ihren sehr, sehr holprigen Weg in ein bescheidenes Glück. Ein einfühlsamer, berührender, ermutigender Film über eine Frau, die in einer hoffnungslosen Lage das eigentlich Unmögliche schafft und ihr Schicksal wendet. Eine großartige Frau, ein großartiger Film.